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Florence veut présenter David, l’homme dont elle est follement amoureuse, à son père Guillaume. Mais David n’est pas attiré par Florence et souhaite s’en débarrasser en la jetant dans les bras de son ami Willy. Les quatre personnages se retrouvent dans un restaurant au milieu de nulle part.

Chronique : Quentin Dupieux, connu pour ses œuvres audacieuses et ses explorations surréalistes du quotidien, nous offre avec « Le Deuxième Acte » une nouvelle incursion dans l’absurde et le décalé. Dans cette comédie romantique, il nous plonge dans l’univers troublant de Florence, interprétée avec une profondeur touchante par Léa Seydoux, qui tente de présenter son amant, David (Louis Garrel), à son père, Guillaume (Vincent Lindon). Cependant, le scénario prend une tournure inattendue lorsque David, loin de partager les sentiments de Florence, cherche à se défaire de cette relation en poussant sa partenaire vers son ami Willy.

Le film se déroule presque entièrement dans un restaurant isolé, un choix de lieu qui joue un rôle essentiel dans la création de l’atmosphère du film. Ce restaurant, bien que visuellement élégant, devient un espace claustrophobe qui intensifie les conflits et les malentendus entre les personnages. Le cadre confiné sert de toile de fond parfaite pour une exploration des dynamiques de pouvoir, des faux-semblants et des désillusions amoureuses.

L’Image :
La direction artistique de Quentin Dupieux dans « Le Deuxième Acte » est empreinte de sa signature visuelle distincte. La photographie, souvent marquée par des éclairages subtils et des couleurs délibérément désaturées, accentue le caractère décalé et surréaliste du récit. Le décor du restaurant, bien que soigneusement conçu pour paraître élégant et raffiné, devient un lieu d’absurdité et de malaise. Les plans rapprochés sur les visages des acteurs capturent des expressions de désespoir et de frustration, tandis que les prises de vue plus larges soulignent l’isolement des personnages dans cet espace clos. Les transitions visuelles entre les moments de calme et les éclats émotionnels sont habilement orchestrées, mettant en lumière le contraste entre le quotidien et l’absurde.

Le Son :
La bande-son de « Le Deuxième Acte », à la fois discrète et omniprésente, joue un rôle crucial dans l’établissement du ton du film. La musique est subtile mais efficace, utilisant des motifs répétitifs et des arrangements orchestraux pour renforcer le surréalisme et la tension. Les effets sonores, tels que le murmure constant des conversations dans le restaurant ou les bruits de fond, sont soigneusement conçus pour amplifier l’ambiance claustrophobique et créer une sensation de malaise. Les dialogues, souvent chargés d’un humour noir et d’une ironie mordante, sont délivrés avec une précision qui accentue le caractère absurde et dramatique des interactions entre les personnages.

Les Performances :
Léa Seydoux, dans le rôle de Florence, incarne avec finesse une femme désemparée, déchirée entre son désir d’amour et la réalité cruelle de la situation. Louis Garrel, en David, dépeint avec une nuance troublante un homme qui manipule les sentiments d’autrui pour échapper à ses propres responsabilités. Vincent Lindon, en Guillaume, apporte une gravité et une intensité qui contrastent avec le caractère plus léger et désinvolte des autres personnages. Les interactions entre ces acteurs sont empreintes de tension et de subtilité, contribuant à l’impact émotionnel du film.

Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du produit (L x l x h) ‏ : ‎ 13,8 x 0,6 x 18,8 cm; 78 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Quentin Dupieux Format ‏ : ‎ PAL, Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 1 heure et 16 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 1 octobre 2024 Acteurs ‏ : ‎ Léa Seydoux, Louis Garrel, Vincent Lindon, Raphaël Quenard, Manuel Guillot Sous-titres : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ Diaphana

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31 octobre 1977. Autrefois étoile montante du petit écran, Jack Delroy est confronté à la chute vertigineuse de l’audience de son émission. Déterminé à retrouver sa gloire perdue et à marquer les esprits, il planifie un show en direct «spécial Halloween». Mais durant cette nuit fatidique, Jack réalisera que le prix du succès peut être bien plus effrayant que ce qu’il avait imaginé…

Dans « Late Night with the Devil », Colin et Cameron Cairnes plongent le spectateur dans l’effervescence et l’horreur d’une émission télévisée de fin de soirée, dans un cadre à la fois nostalgique et terrifiant. Nous sommes le 31 octobre 1977, et l’ancien animateur vedette Jack Delroy, incarné par Ian Bliss, est en pleine débâcle médiatique. L’émission qu’il présentait autrefois avec succès est en perte de vitesse, et Delroy est prêt à tout pour retrouver son éclat passé.

Pour regagner l’attention du public et redorer son blason, Delroy décide d’organiser un « special Halloween » en direct. Ce show ambitieux, censé être le retour triomphal de l’animateur, se transforme vite en un cauchemar lorsque les frontières entre divertissement et horreur se brouillent.

La force du film réside dans sa capacité à mélanger l’angoisse et la satire du monde de la télévision. Les réalisateurs exploitent avec brio le concept du show en direct pour créer une atmosphère de tension croissante. Le décor vintage, les effets spéciaux inspirés des années 70, et la montée de l’horreur permettent au film de se démarquer dans le genre du cinéma d’horreur.

Ian Bliss, dans le rôle de Jack Delroy, offre une performance intense, capturant la décadence et la désespérance de son personnage. Aux côtés de Laura Gordon et David Dastmalchian, qui ajoutent une dimension supplémentaire de mystère et d’angoisse, le film parvient à tenir le spectateur en haleine tout au long de cette nuit fatidique.

« Late Night with the Devil » n’est pas seulement un hommage aux émissions de télévision d’antan, mais aussi une réflexion sur les prix que l’on peut payer pour le succès. La réalisation des Cairnes est habile, offrant un mélange efficace d’ironie et d’effroi, et prouvant que parfois, le vrai danger vient de là où on s’y attend le moins.

Image :
« Late Night with the Devil » se distingue par sa direction artistique méticuleuse qui recrée avec authenticité l’atmosphère des années 70. La photographie, signée par le directeur de la photographie, utilise une palette de couleurs chaudes et des éclairages tamisés pour évoquer la nostalgie d’une époque révolue. Les décors de l’émission télévisée sont détaillés avec soin, offrant un contraste saisissant avec les éléments d’horreur qui émergent au fil du film. Les plans en gros plan capturent les expressions intenses des personnages, tandis que les prises de vue en caméra mobile ajoutent une dimension de suspense et d’immédiateté.

Les effets visuels sont un point fort, notamment dans la représentation de l’horreur qui se déploie progressivement. Les effets spéciaux, inspirés des classiques du genre, sont à la fois créatifs et perturbants, renforçant l’ambiance anxiogène. Les séquences en direct sont particulièrement réussies, avec des transitions fluides entre les moments de calme et les explosions d’horreur qui maintiennent le spectateur en tension.

Son :
La bande-son de « Late Night with the Devil » joue un rôle crucial dans l’immersion du spectateur. La musique utilise des motifs inquiétants et des orchestrations dramatiques pour intensifier les moments de suspense. Les effets sonores, tels que les bruits de fond d’une émission télévisée en direct, les cris et les murmures, sont soigneusement élaborés pour créer une atmosphère d’angoisse omniprésente.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.77:1 Classé ‏ : ‎ 16 ans et plus Réalisateur ‏ : ‎ Colin Cairnes, Cameron Cairnes Format ‏ : ‎ Noir et blanc, Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 1 heure et 33 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 18 septembre 2024 Acteurs ‏ : ‎ David Dastmalchian, Laura Gordon, Ian Bliss, Fayssal Bazzi, Ingrid Torelli Sous-titres : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS-HD 5.1) Studio  ‏ : ‎ Wild Side Video

Pour tenter de sauver son fils Martin injustement condamné à mort en Indonésie, Carole se lance dans un combat inégal contre les exploitants d’huile de palme responsables de la déforestation et contre les puissants lobbies industriels.

Chronique : « La Promesse Verte » d’Édouard Bergeon, avec Alexandra Lamy, Félix Moati, et Sofian Khammes, est un drame puissant et engagé qui se penche sur les enjeux environnementaux et la lutte pour la justice.

L’histoire suit Carole (interprétée par Alexandra Lamy), une mère déterminée à sauver son fils Martin, condamné à mort en Indonésie pour un crime qu’il n’a pas commis. Son combat pour prouver son innocence la conduit à s’opposer aux puissants exploitants d’huile de palme responsables de la déforestation dévastatrice en Indonésie. En affrontant ces lobbies industriels et en mettant en lumière leur impact écologique, Carole se retrouve en lutte contre un système bien plus vaste et puissant qu’elle.

Le film se distingue par sa capacité à mêler drame personnel et enjeu environnemental. Alexandra Lamy offre une performance intense et émouvante, rendant palpable la détresse et la détermination de son personnage. Félix Moati et Sofian Khammes ajoutent également une profondeur significative à l’intrigue, enrichissant la dynamique du récit.

Édouard Bergeon réussit à tordre le récit avec une intensité dramatique qui souligne les conséquences humaines et écologiques de la déforestation. La mise en scène est directe, mais elle capte avec efficacité la brutalité du combat de Carole et les obstacles immenses qu’elle doit surmonter.

Classé ‏ : ‎ Tous publics Réalisateur ‏ : ‎ Edouard Bergeon Format ‏ : ‎ PAL, Cinémascope, Couleur Durée ‏ : ‎ 1 heure et 59 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 17 septembre 2024 Acteurs ‏ : ‎ Alexandra Lamy, Félix Moati, Sofian Khammes, Antoine Bertrand, Julie Chen Sous-titres : ‏ : ‎ Français, Français Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 2.0) Studio  ‏ : ‎ Diaphana

Takumi et sa fille Hana vivent dans le village de Mizubiki, près de Tokyo.

Chronique : Ryūsuke Hamaguchi, connu pour ses œuvres acclamées telles que « Drive My Car » et « Asako I & II », revient avec « Le mal n’existe pas », un film qui confirme son statut de maître du cinéma contemporain. Avec des performances remarquables de Hitoshi Omika, Ryo Nishikawa, et Ryûji Kosaka, ce film est une exploration poignante des conflits entre tradition et modernité, ainsi qu’une réflexion profonde sur la nature et la société.

L’intrigue se déroule dans le paisible village de Mizubiki, où Takumi et sa fille Hana mènent une vie simple en harmonie avec leur environnement naturel. Leur quotidien est bouleversé par un projet de construction d’un « camping glamour » dans le parc naturel voisin. Ce projet promet une évasion luxueuse pour les citadins en quête de nature, mais il menace gravement l’équilibre écologique du lieu et perturbe la vie tranquille des villageois. Le film se penche sur la lutte pour préserver la beauté naturelle et les traditions face à la pression du capitalisme et du développement.

Hamaguchi, avec sa mise en scène virtuose, crée une œuvre profondément contemplative. La caméra capte des paysages époustouflants avec une sensibilité rare, chaque plan étant à la fois un hommage à la beauté de la nature et un cri d’alarme face à sa destruction. L’esthétique visuelle est en parfaite harmonie avec le récit engagé, soulignant l’opposition subtile entre la modernité destructrice et la préservation des valeurs traditionnelles.

La performance des acteurs contribue grandement à l’impact émotionnel du film. Hitoshi Omika, Ryo Nishikawa, et Ryûji Kosaka incarnent avec finesse les défis et les dilemmes de leurs personnages, apportant une profondeur supplémentaire à la trame narrative. Leurs interprétations enrichissent le film d’une dimension humaine qui résonne fortement avec le spectateur.

« Le mal n’existe pas » est un véritable bijou de cinéma, mêlant poésie et engagement social. Hamaguchi réussit à capturer l’essence d’un conflit intemporel entre le progrès et la préservation, tout en offrant une expérience visuelle envoûtante. Ce film est une ode à la beauté du monde naturel et un appel à la réflexion sur la manière dont nous choisissons de le protéger.

Entretien Exclusif avec Ryūsuke Hamaguchi : Cet entretien révèle les réflexions personnelles du réalisateur sur la manière dont les projets de développement impactent les communautés et les environnements naturels. Hamaguchi explique son approche esthétique contemplative et comment il a souhaité représenter la nature comme un personnage à part entière. Ses réponses offrent une perspective précieuse sur les choix créatifs derrière le film, enrichissant ainsi notre compréhension des thèmes abordés.

Extrait de Gift de Ryūsuke Hamaguchi : Ce segment bonus présente un extrait visuel captivant qui illustre parfaitement la poésie et la beauté du film. Avec des images de paysages saisissants et une narration subtile, l’extrait capture l’essence de la relation entre les personnages et leur environnement, tout en soulignant la fragilité de cette harmonie.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.66:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 17 x 14 x 1 cm; 70 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Ryusuke Hamaguchi Format ‏ : ‎ Couleur Durée ‏ : ‎ 1 heure et 46 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 3 septembre 2024 Acteurs ‏ : ‎ Hitoshi Omika, Ryô Nishikawa, Ryuji Kosaka, Ayaka Shibutani, Hazuki Kikuchi Sous-titres : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Japonais (DTS-HD 5.1) Studio  ‏ : ‎ Ad Vitam

François Marsault, ancien haut gradé de la marine, est farouchement attaché aux traditions.

Chronique : L’histoire tourne autour de François Marsault (interprété avec subtilité par André Dussollier), un général à la retraite qui, après cinquante ans de mariage, découvre un secret d’antan : sa femme Annie (Sabine Azéma) l’a trompé quarante ans plus tôt. Ce choc inattendu fait vaciller le monde bien rangé de François. Déterminé à rétablir son honneur et à affronter le fantôme du passé, il décide de retrouver Boris, l’ancien amant (Thierry Lhermitte), pour se venger. Le twist, cependant, réside dans la manière dont Calbérac explore la complexité des relations humaines et les défis liés à la vieillesse.

Le film mélange habilement humour et émotions, offrant à chaque acteur l’occasion de briller. Dussollier, fidèle à son talent, incarne un homme à la fois touchant et résolu, tandis qu’Azéma joue une femme dont la vie se révèle plus compliquée qu’il n’y paraît. Lhermitte, quant à lui, apporte une dimension amusante et surprenante à son personnage.

« N’avoue jamais » ne se contente pas de dérouler une histoire de querelle conjugale ; il questionne aussi les attentes, les regrets et les résolutions de deux personnes confrontées à la fin de leur parcours de vie. Calbérac, avec son regard acéré sur la comédie et la réalité humaine, nous invite à réfléchir sur ce qui compte vraiment dans les relations et sur la manière dont nous faisons face aux révélations inattendues.

La mise en scène est élégante, et le rythme du film, bien que parfois lent, permet aux spectateurs de s’attacher aux personnages et de se plonger dans leur univers complexe. Le mélange d’humour et de moments poignants rend l’expérience cinématographique à la fois divertissante et profondément émouvante.

Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 19,1 x 13,9 x 1,7 cm; 140 grammes Audio description : ‏ : ‎ Français Réalisateur ‏ : ‎ Ivan Calbérac Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope, PAL Durée ‏ : ‎ 1 heure et 30 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 28 août 2024 Acteurs ‏ : ‎ André Dussollier, Sabine Azéma, Thierry Lhermitte, Joséphine de Meaux, Sébastien Chassagne Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ Wild Side Video ASIN ‏ : ‎ B0D3FH26SV

Une association accueille des jeunes LGBT mis à la rue par leurs familles.

Chronique : Le film se déroule au sein d’une association dédiée à l’accueil des jeunes LGBT, un refuge temporaire où ces jeunes ont six mois pour trouver un travail, un logement et surtout, se réconcilier avec leur identité. L’intrigue met en lumière l’urgence et la pression sous-jacentes à cette période de transition, tout en offrant un regard nuancé sur les expériences des jeunes en quête d’acceptation et de stabilité.

Valérie Lemercier, dans le rôle de Noëlle, dirige l’association avec une énergie et une empathie contagieuses. Son personnage, tout en étant une figure de soutien et d’encouragement, est également confronté à ses propres démons et questionnements personnels. Aux côtés d’Alex, interprété par Finnegan Oldfield, elle fait face aux défis de ses propres motivations, ce qui ajoute une dimension supplémentaire à l’histoire. L’évolution de leur relation avec les jeunes qu’ils aident offre une exploration riche et complexe des dynamiques humaines et des luttes intérieures.

L’Arche de Noé réussit à équilibrer l’humour et la gravité avec finesse. La comédie qui émerge des interactions des personnages n’est jamais gratuite, mais sert à illuminer la vérité derrière leurs vies souvent brisées. Les moments de légèreté sont entrecoupés de scènes plus poignantes qui révèlent les profondeurs des souffrances personnelles et des luttes internes.

lassé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 18,9 x 13,6 x 1,7 cm; 70 grammes Audio description : ‏ : ‎ Français Réalisateur ‏ : ‎ Bryan Marciano Format ‏ : ‎ PAL, Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 1 heure et 35 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 22 mars 2024 Acteurs ‏ : ‎ Valérie Lemercier, Finnegan Oldfield, Sarah B. Henriques, Martin Daquin, Victor Mermaz Sous-titres : ‏ : ‎ Français, Français Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ Seven7 ASIN ‏ : ‎ B0CNS4G4JL

Arthur Berthier, critique rock relégué aux informations générales après avoir saccagé une chambre d’hôtel, découvre que le journalisme est un sport de combat. Envoyé à l’hôpital par un CRS en couvrant l’évacuation d’un camp de migrants, il tombe sous le charme de Mathilde, la responsable de l’association Solidarité Exilés et accepte d’héberger Daoud, un jeune Afghan, pour quelques jours croit-il…

Chronique : Quelques jours pas plus, réalisé par Julie Navarro, est une comédie dramatique qui explore les thèmes de l’amour, de la responsabilité sociale et de la rédemption. Le film, porté par un casting talentueux, raconte l’histoire d’Arthur Berthier, un critique rock en disgrâce, dont la vie change de manière inattendue.

Un Récit Émotionnel et Engagé

Camille Cottin incarne Mathilde, la passionnée responsable de l’association Solidarité Exilés, qui fait chavirer le cœur d’Arthur Berthier, joué par Benjamin Biolay. Biolay offre une performance nuancée en tant qu’Arthur, un journaliste autrefois flamboyant, maintenant déchu, qui découvre une nouvelle facette de lui-même en s’engageant pour une cause humanitaire. Amrullah Safi joue le rôle de Daoud, un jeune migrant afghan, dont la présence chez Arthur devient le catalyseur de nombreux bouleversements.

Une Réalisation Juste et Humaine

Julie Navarro parvient à capturer l’essence de l’engagement social et des défis personnels avec une sensibilité remarquable. La réalisation est subtile, équilibrant habilement les moments d’humour et de drame. Navarro met en lumière les complexités des relations humaines et les dilemmes moraux auxquels sont confrontés ses personnages, sans tomber dans la moralisation ou le pathos excessif.

Des Thèmes Actuels

Le film aborde des sujets très actuels comme la crise migratoire, la responsabilité des médias et l’activisme social. Arthur Berthier, relégué aux informations générales après avoir saccagé une chambre d’hôtel, incarne la figure du journaliste désabusé, forcé de redécouvrir le vrai sens du métier lorsqu’il est envoyé couvrir l’évacuation d’un camp de migrants. Sa rencontre avec Mathilde et Daoud le pousse à se questionner sur son rôle dans la société et à dépasser son cynisme.

Performances et Dynamique

Les interactions entre les personnages sont au cœur de l’histoire. Camille Cottin apporte une force tranquille à Mathilde, équilibrant le personnage tourmenté de Biolay. Amrullah Safi, dans le rôle de Daoud, offre une performance touchante qui ajoute une dimension authentique et poignante au film. La chimie entre les acteurs contribue à rendre l’histoire crédible et engageante.

Conclusion

Quelques jours pas plus est un film qui allie humour, émotion et réflexion sociale. Julie Navarro réussit à créer une œuvre qui non seulement divertit, mais aussi incite à la réflexion sur des questions importantes de notre époque. Grâce à des performances solides de Camille Cottin, Benjamin Biolay et Amrullah Safi, le film se distingue comme une comédie dramatique touchante et pertinente.

Réalisateur ‏ : ‎ Julie Navarro Format ‏ : ‎ Couleur, PAL, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 1 heure et 39 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 7 août 2024 Acteurs ‏ : ‎ Benjamin Biolay, Camille Cottin, Amrullah Safi, Makita Samba, Saadia Bentaïeb Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ M6 Vidéo

BACK TO BLACK retrace la vie et la musique d’Amy Winehouse, à travers la création de l’un des albums les plus iconiques de notre temps, inspiré par son histoire d’amour passionnée et tourmentée avec Blake Fielder-Civil.

Chronique : Back to Black, réalisé par Sam Taylor-Johnson, est une œuvre cinématographique poignante qui retrace la vie de la légendaire chanteuse Amy Winehouse. Le film met en lumière la création de l’album éponyme, une œuvre emblématique qui a marqué l’industrie musicale et les cœurs de millions de fans.

Une Interprétation Brillante

Marisa Abela incarne Amy Winehouse avec une profondeur et une authenticité remarquables. Abela réussit à capturer non seulement l’apparence et les manières de la chanteuse, mais aussi son esprit indomptable et ses vulnérabilités profondes. Sa performance est soutenue par Jack O’Connell, qui joue le rôle de Blake Fielder-Civil, l’amour tumultueux d’Amy. Leur relation passionnée et destructive est dépeinte avec une intensité brute, ajoutant une couche supplémentaire d’émotion au film. Eddie Marsan apporte également une contribution notable, renforçant l’ensemble du casting par sa présence imposante.

Une Réalisation Sensible et Authentique

Sam Taylor-Johnson, avec sa vision artistique unique, réussit à éviter les pièges du biopic traditionnel. Au lieu de cela, elle nous offre une exploration intime de la vie d’Amy Winehouse, en se concentrant sur les moments qui ont inspiré sa musique la plus puissante. La réalisation est élégante, mêlant des séquences de performances musicales vibrantes avec des moments personnels introspectifs. Taylor-Johnson parvient à rendre hommage à la chanteuse sans tomber dans le sensationnalisme, respectant ainsi la mémoire de Winehouse.

Un Hommage à la Musique et à la Femme

Back to Black ne se contente pas de raconter une histoire ; il célèbre l’impact indélébile de Winehouse sur le monde de la musique. L’album Back to Black, qui est au cœur du film, est exploré à travers les émotions et les expériences qui l’ont inspiré. Les fans de Winehouse retrouveront avec émotion les titres qui ont fait sa renommée, tandis que les nouveaux venus découvriront l’âme derrière les chansons.

Conclusion

Back to Black est un film puissant et émouvant qui rend justice à la légende d’Amy Winehouse. Grâce à la performance exceptionnelle de Marisa Abela et à la direction sensible de Sam Taylor-Johnson, le film parvient à capturer l’essence de Winehouse : une artiste brillante et complexe, dont la musique continue de résonner bien au-delà de son temps. C’est un hommage digne et touchant à une voix qui a marqué l’histoire de la musique.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.85:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Audio description : ‏ : ‎ Français Réalisateur ‏ : ‎ Sam Taylor-Johnson Format ‏ : ‎ Couleur Durée ‏ : ‎ 2 heures et 2 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 28 août 2024 Acteurs ‏ : ‎ Marisa Abela, Jack O’Connell, Eddie Marsan, Lesley Manville, Juliet Cowan Sous-titres : ‏ : ‎ Français, Allemand, Néerlandais Studio  ‏ : ‎ Studiocanal

Usé par vingt-cinq ans de vie commune, le couple formé par Xavier et Sophie semble à bout de souffle.

Chronique : La réalisation de « Et plus si affinités » utilise des espaces confinés comme la maison des protagonistes pour accentuer la tension et l’intimité des interactions. Les scènes de dîner sont particulièrement bien orchestrées, avec des dialogues tranchants et des regards subtils qui révèlent plus que les mots.

Le contraste visuel entre les deux couples est aussi accentué par la direction artistique : les décors, les costumes et même la lumière jouent un rôle clé pour montrer les différences entre la vie bien rangée de Xavier et Sophie et l’approche plus bohème et colorée de leurs voisins.

« Et plus si affinités » n’est pas seulement une comédie dramatique sur les relations de couple, mais aussi une réflexion profonde sur le désir, la fidélité et la redécouverte de soi. Le film pousse les spectateurs à se poser des questions sur leurs propres relations : Comment raviver la flamme après tant d’années ? Jusqu’où irions-nous pour sauver notre couple ? Quelles sont nos véritables limites et désirs ?

« Et plus si affinités » est un film poignant et souvent humoristique qui traite de la complexité des relations de longue durée. Grâce à des personnages bien développés et une mise en scène subtile, il offre une perspective rafraîchissante et honnête sur les défis et les possibilités de la vie de couple. Pour ceux qui cherchent à comprendre les dynamiques du désir et de la fidélité dans une relation, ce film offre une exploration nuancée et profondément humaine.

Qualité de l’Image

La qualité de l’image dans « Et plus si affinités » est impeccable. La réalisation utilise une palette de couleurs chaudes pour les scènes domestiques, accentuant le confort et la familiarité de la maison de Xavier et Sophie. En contraste, les scènes impliquant Adèle et Alban sont souvent plus vibrantes et dynamiques, reflétant leur mode de vie plus aventureux.

Qualité du Son

Le mixage sonore est bien équilibré, avec des dialogues clairs et des effets sonores subtils qui ajoutent à l’immersion du spectateur. La musique, choisie avec soin, renforce les émotions des scènes clés et aide à établir l’ambiance générale du film.

Bonus

Bêtisier

Le bêtisier inclus dans les bonus est un véritable régal, offrant un aperçu des moments de légèreté et de complicité entre les acteurs pendant le tournage. Il met en évidence la bonne humeur et la dynamique positive sur le plateau

Classé ‏ : ‎ Tous publics Réalisateur ‏ : ‎ Olivier Ducray, Wilfried Méance Format ‏ : ‎ PAL, Cinémascope, Couleur Durée ‏ : ‎ 1 heure et 13 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 7 août 2024 Acteurs ‏ : ‎ Isabelle Carré, Bernard Campan, Pablo Pauly, Julia Faure Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ Wild Side Video

Jacques Romand est un professeur qui a perdu sa vocation. Témoin d’une agression dans une épicerie de quartier, il permet l’arrestation de l’un des voleurs : Victor, 14 ans.

Chronique : Comme un fils est un drame poignant réalisé par Nicolas Boukhrief, qui aborde des thèmes puissants tels que la rédemption, la résilience et la lutte contre l’injustice sociale. Le film se distingue par une narration sobre et réaliste, mettant en lumière les difficultés auxquelles sont confrontés les jeunes marginalisés et la puissance de l’empathie et de l’engagement personnel.

Vincent Lindon, dans le rôle de Jacques Romand, livre une performance intense et nuancée. Son interprétation d’un professeur désabusé qui retrouve une raison de vivre en aidant un jeune en difficulté est à la fois touchante et inspirante. Lindon excelle à montrer la transformation intérieure de Jacques, passant d’un homme résigné à un mentor déterminé. Karole Rocher apporte une profondeur supplémentaire au film avec son rôle de soutien, tandis que Stefan Virgil Stoica, dans le rôle de Victor, est impressionnant de naturel et de sensibilité.

Image et Son :

La direction photographique de Comme un fils est à la fois sombre et réaliste, reflétant l’univers urbain et souvent impitoyable dans lequel les personnages évoluent. Les choix de cadrage et la palette de couleurs ajoutent une dimension visuelle qui renforce l’atmosphère dramatique du film. La bande sonore, subtile mais efficace, accompagne les moments clés de l’intrigue sans jamais les surcharger, ajoutant une profondeur émotionnelle aux scènes cruciales.

Classé ‏ : ‎ Tous publics Réalisateur ‏ : ‎ Nicolas Boukhrief Format ‏ : ‎ Couleur, PAL, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 1 heure et 38 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 10 juillet 2024 Acteurs ‏ : ‎ Vincent Lindon, Karole Rocher, Stefan Virgil Stoica, Sorin Mihai, Florin « Beti » Opasche Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ Le Pacte ASIN ‏ : ‎ B0CWVTD8J4