Déterminé à retrouver sa fille, le détective Danny Rourke, enquête sur une série de braquages qui pourraient être liés à sa disparition.
Chronique : La nouvelle réalisation cinématographique, « Hypnotic », plonge le spectateur dans un suspense captivant mêlé à une quête émotionnelle intense. Dirigé par le visionnaire Robert Rodriguez, le film met en vedette des acteurs renommés tels que Ben Affleck et William Fichtner, offrant ainsi une performance saisissante et immersive.
L’histoire suit le détective Danny Rourke, interprété par Ben Affleck, qui se lance dans une enquête effrénée pour retrouver sa fille disparue. Son chemin croise celui de criminels machiavéliques qui semblent orchestrer une série de braquages singuliers. Ce qui est plus troublant, c’est leur méthode : ils utilisent l’hypnose pour contraindre des individus innocents à commettre des actes criminels contre leur propre volonté. Dans ce jeu de manipulation et de mystère, personne ne semble à l’abri.
« Hypnotic » se démarque par son mélange habile de tension psychologique et d’action palpitante. Le réalisateur Robert Rodriguez s’inspire de grands moments du cinéma pour créer une atmosphère captivante qui captive le public à chaque tournant. Le film évoque des comparaisons avec la furie de Brian De Palma, offrant un thriller familial intelligent et percutant.
À travers cette histoire, le spectateur est plongé dans un monde où la méfiance règne en maître, où chaque personnage pourrait potentiellement être manipulé. Ben Affleck incarne avec brio un protagoniste déterminé, confronté à un ennemi dont les méthodes le forcent à remettre en question chaque interaction.
« Hypnotic » offre une expérience cinématographique palpitante, conjuguant habilement suspense, mystère et exploration des liens familiaux. Avec des performances remarquables et une intrigue captivante, ce film promet de tenir en haleine les spectateurs jusqu’à son dénouement captivant.
Son: La bande-son de « Hypnotic » est un élément clé dans la construction de l’atmosphère anxiogène du film. Les effets sonores subtils utilisés pour représenter l’hypnose sont captivants, créant une ambiance mystérieuse et immersive. Les moments de tension sont renforcés par une utilisation astucieuse de la musique, qui intensifie l’impact émotionnel des scènes.
Image: Visuellement, le film est impressionnant. La direction artistique et la photographie s’unissent pour créer des séquences esthétiquement remarquables. Les jeux de lumière et d’ombre sont utilisés de manière stratégique pour amplifier le sentiment d’incertitude et d’angoisse, renforçant ainsi la thématique centrale du contrôle et de la manipulation.
Classé : Tous publics Dimensions du produit (L x l x h) : 13,5 x 1 x 17,1 cm; 71 grammes Audio description : : Français Réalisateur : Robert Rodriguez Format : Couleur, Cinémascope Durée : 1 heure et 33 minutes Date de sortie : 21 décembre 2023 Acteurs : Ben Affleck, William Fichtner, Alice Braga, JD Pardo, Hala Finley Sous-titres : : Français Langue : Français (DTS-HD 7.1) Studio : M6 Vidéo ASIN : B0CH3J7YRQ
La Terre est désormais le territoire des morts-vivants. $
Chronique : Land of the Dead – Le Territoire des morts » représente le dernier volet d’une saga emblématique, forgée par le maître du film de zombies, George A. Romero. Ce film plonge dans un monde post-apocalyptique où la Terre est dominée par les morts-vivants. Les survivants se divisent entre les privilégiés retranchés dans une tour de verre et les démunis vivant dans des rues chaotiques, une métaphore saisissante de la division sociale.
Dirigée par Dennis Hopper en tant que Kaufman, cette tour cristallise la représentation d’un pouvoir égoïste et corrompu, éloigné des réalités extérieures. À l’opposé, Asia Argento incarne Slack, une rebelle intrépide défiant l’ordre établi, offrant une performance captivante.
Le casting est également marqué par la présence de Simon Baker, connu pour sa prestation dans « Mentalist », dans le rôle de Riley Denbo, et de John Leguizamo en tant que Cholo, apportant une touche d’insolence face à l’injustice.
George A. Romero, décédé en 2017, a tracé sa voie en révolutionnant la figure du zombie dès « La Nuit des morts-vivants » en 1968. Il a influencé le genre et bouleversé les normes narratives, faisant des films de zombies un miroir critique de la société.
« Land of the Dead » ne se limite pas à un simple film de zombies. Comme chaque opus de Romero, il sert de réflexion sur les tensions sociales et politiques de son époque. Ce dernier volet, marqué par les séquelles du 11 septembre, pointe du doigt les inégalités sociales flagrantes à travers la représentation de la forteresse de Fiddler’s Green, symbole d’un monde déchu que les zombies, maintenant organisés, rejettent pour sa corruption et ses inégalités exacerbées.
Au-delà du divertissement, « Land of the Dead » offre une critique acerbe de notre propre réalité, transposant habilement les maux contemporains dans un univers apocalyptique peuplé de morts-vivants.
Image et Son : Le film propose une qualité visuelle impressionnante, avec des effets spéciaux saisissants qui donnent vie à ce monde post-apocalyptique. Les contrastes entre les quartiers délabrés et la forteresse luxueuse de Fiddler’s Green sont rendus de manière captivante. L’utilisation de la lumière et des ombres accentue l’atmosphère sombre et oppressante du film. En ce qui concerne le son, la bande-sonore accompagne habilement chaque moment, amplifiant la tension et l’immersion du spectateur dans ce monde infesté de zombies.
Bonus :
« Donner vie aux morts » offre un regard fascinant sur le processus de création des effets spéciaux, avec Greg Nicotero, plongeant dans les détails de la transformation des acteurs en morts-vivants réalistes.
« Une journée avec les zombies » présenté par John Leguizamo, dévoile les coulisses du tournage, offrant un aperçu du travail d’équipe nécessaire pour donner vie à cette vision apocalyptique.
« Quand Shaun rencontre George » réunit Simon Pegg et Edgar Wright, offrant un moment divertissant où l’on découvre l’influence et l’impact de Romero sur le genre zombie.
« Les morts-vivants de l’Amérique » propose un entretien captivant avec George A. Romero, permettant de plonger dans l’esprit du créateur de cette saga emblématique.
« George et moi » dévoile l’importance du montage dans la création du film, offrant une perspective unique sur le processus créatif.
« Cannes of the Dead » présente une interview réalisée lors du Festival de Cannes en 2005, offrant des insights supplémentaires sur le film et son impact.
Les scènes coupées et les scènes de carnage coupées offrent un contenu supplémentaire pour les amateurs du film, élargissant l’expérience cinématographique.
« Les effets spéciaux » et « Comment un storyboard prend vie » sont des bonus informatifs pour ceux intéressés par les coulisses de la production.
Enfin, la bande-annonce permet de revivre les moments forts du film.
Rapport de forme : 2.35:1
Classé : 12 ans et plus
Dimensions du colis : 19,4 x 14,1 x 2,2 cm; 310 grammes
Réalisateur : George A. Romero
Format : Couleur, Cinémascope
Durée : 1 heure et 37 minutes
Date de sortie : 6 décembre 2023
Acteurs : Simon Baker, John Leguizamo, Dennis Hopper, Asia Argento, Robert Joy
Sous-titres : : Français
Langue : Français (DTS-HD 5.1), Anglais (DTS-HD 5.1)
Le Monde après nous sa récemment été diffusé sur Netflix et on peut dire que sa fin s’est révélée un peu controversée. Je pensais que le film était bon, il véhiculait un message puissant et était esthétiquement magnifique, mais il y avait quelque chose avec lui, cependant. Une chose qui est remise en question plus que la fin du film est l’intégration des animaux et de leur comportement, plus spécifiquement les cerfs. Alors, je me suis dit que j’allais intervenir et expliquer pourquoi les animaux se comportaient comme ils le faisaient et ce que tout cela signifiait. Donc, entrons dans le vif du sujet : voici la signification des cerfs dans Le Monde après nous.
Dans le film, nous avons vu plusieurs espèces animales différentes adopter des comportements différents de ce à quoi on s’attendrait normalement. Nous avons vu des cerfs s’approcher extrêmement près de la propriété où la famille séjournait, jusqu’à ce qu’un grand troupeau entoure Ruth à la fin et soit finalement effrayé. Nous avons vu un cheval seul au bord de la route, loin de tout, et nous avons également vu un flamboiement de flamants roses entrer dans la piscine qui se trouvait dans le jardin. Une fois que les comportements étranges des animaux ont été attribués à l’attaque cybernétique sur le pays et à la perte de signal interférant avec leur instinct de navigation naturel et leurs schémas de migration, bien que cela puisse être le cas en apparence, en ce qui concerne la sélection des animaux et leur intérêt extrême pour la famille, il y a en réalité bien plus à découvrir sur les cerfs.
Avant de passer aux autres animaux du film, une autre signification de l’intégration des cerfs pourrait se concentrer sur l’aspect agressif présent. Nous avons vu que le mâle dominant de la horde semblait sur le point de devenir agressif envers Ruth. Cela pourrait être la manière pour les animaux de montrer que dans ce nouveau monde en mutation, dont ils sont non seulement représentatifs, mais qu’ils peuvent clairement ressentir à travers le changement de leur comportement, ils pourraient chercher à montrer que la petite population d’humains sur l’île ne pourra pas dicter ce qui va se passer et que le contrôle qu’ils ont habituellement a été abandonné. La présence des animaux me rappelait ce que disait Amanda à Ruth lorsqu’elle était dans la remise, à propos de comment les gens ne se soucient pas vraiment de l’état du monde et se convainquent qu’ils font du bon travail en achetant des produits comme le poulet élevé en liberté. Mais dans ce cas, les cerfs représentent presque la pureté de la vie dans sa forme la plus basique, et l’encerclement de Ruth soulignait presque cela.
Le lien final avec les cerfs réside dans la perspective mésoaméricaine du cerf en tant que présage favorable. Avec tout ce qui se déroulait, on aurait du mal à imaginer qu’il puisse être considéré ainsi. Cependant, en revenant sur le manque de confiance des gens, sur la destruction qu’ils infligeaient au monde et à son état, peut-être que cette vision de quasi-réinitialisation était précisément là où résidait ce présage positif. Les gens devraient presque abandonner tous leurs préjugés pour survivre, peut-être devenir plus aimables et plus enclins à aider les autres, une idée que la série semblait vouloir mettre en avant, une qualité absente dans le monde, surtout lorsque Amanda a ouvert le film en disant qu’elle détestait les autres. Il existe de nombreuses interprétations pour l’utilisation des cerfs dans ce film, et je pense qu’elles se tiennent toutes d’une manière ou d’une autre lorsqu’on y réfléchit attentivement. Aucune ne contredit le sens du film ; elles fonctionnent individuellement ou collectivement, tout comme la conclusion de ce film. À mon avis, le symbolisme et la signification sont entièrement sujets à interprétation, et j’apprécie cela. .
Alors, les flamants roses… C’était l’un des moments les plus étranges du film. Après avoir été témoins d’une conversation assez étrange et intense entre Ruth et Clay, un flamboiement de flamants roses – oui, c’est vraiment ainsi qu’on appelle un groupe d’entre eux – est apparu devant eux au milieu de la nuit, alors qu’il pleuvait à verse, et ils se sont installés dans la piscine. Les flamants roses sont principalement observés en Floride et aux États-Unis, donc le fait qu’ils se trouvaient dans la région de New York montrait qu’ils avaient voyagé tout le long de la côte est, probablement en raison des modifications des schémas de migration dues à l’attaque en cours.
Mais si l’on examine plus profondément ce que cela signifiait, les flamants roses sont censés représenter plusieurs choses. Ils symbolisent l’équilibre d’une part, et d’autre part la beauté et le romantisme, deux éléments présents dans le film. L’arrivée des flamants roses s’est produite après une conversation entre Ruth et Clay, et Ruth a exprimé ensuite le sentiment que Clay voulait être avec elle d’une manière intime. En parallèle, nous avons également vu Amanda et GH partager un moment dans la pièce avec tous les disques où ils dansaient et où il semblait y avoir un début de romance, mais ils se sont arrêtés.
Bien que cela puisse représenter ces éléments, je pense que c’est surtout lié à l’équilibre. L’apparition soudaine des flamants roses au beau milieu de la nuit, atterrissant dans la piscine, semblait nous montrer que tout s’effondrait avant même que cela n’arrive réellement. Voir des cerfs dans cette région n’était pas surprenant, mais cette quantité de flamants roses était certainement étrange. Cela marquait sûrement le point où il n’y avait probablement plus de retour en arrière et où la dévastation était sur le point de frapper. En termes d’équilibre, cela soulignait probablement le fait que la nation allait retrouver son équilibre et être réinitialisée à travers tous les changements auxquels ils allaient être confrontés. Les animaux ont joué un rôle important dans la conclusion.
Ce film était bon, car il m’a souvent fait douter de leur importance. La symbolique est souvent puissante, surtout lorsqu’elle fonctionne, et je pense que, pour les cerfs, c’est quelque chose qui a vraiment bien fonctionné. Cela a ajouté une couche supplémentaire de profondeur à un film déjà profond.
» Le Monde après nous » a récemment été diffusé sur Netflix et qu’est-ce que c’est avec ces films qui sortent en décembre ? L’année dernière, on avait Bird Box, l’année d’avant White Noise, et cette année, on a cette nouvelle inclusion à ajouter à la liste. Le film se concentre sur une panne de courant qui survient alors que la famille était en vacances, et les propriétaires réels arrivent tard un soir. À partir de là, un état d’urgence national est déclaré. Ce film aborde des sujets extrêmement stimulants tels que la manière dont les gens agiraient pendant l’effondrement de la civilisation, la dépendance à la vie moderne et aussi les préjugés et les jugements qui changeraient lorsque toute une nation s’effondre. Avec une fin laissée à l’interprétation, plongeons-y pour expliquer tout ce qu’il y a à en tirer. Voici l’explication de la fin de Le Monde après nous et sa signification réelle.
Ce qui s’est réellement passé à la fin, juste à la toute fin du film, c’est que George a découvert ce qui se passait réellement dans le pays, l’intention principale des événements qui se déroulaient, ainsi que l’attaque cybernétique en cours, l’étape d’isolement, le chaos synchronisé et la propagation de désinformation. Tout cela avait pour but de déstabiliser essentiellement le pays et de pousser les gens à se retourner les uns contre les autres, causant la ruine du pays. Cela faisait écho non seulement à l’une des toutes premières lignes du film, mais aussi au monologue d’Amanda, le personnage de Julia Roberts, quand elle était dans le hangar au début du film. Amanda a regardé directement vers la caméra, brisant le quatrième mur, et a exprimé sa haine envers les gens, un sentiment souvent présent dans la société, ce manque de soin les uns envers les autres, les gens agaçants pour aucune raison apparente. Dans le monologue d’Amanda dans le cinquième et dernier chapitre, elle a également mentionné comment, dans son travail de gestion des relations clients, elle voyait le pire chez les gens, à la fois personnellement et à un niveau macro. Le fait que les gens ne se soucient pas vraiment des autres, qu’ils n’ont pas de considération pour l’état du monde, tout en essayant de se convaincre du contraire à cause de petits choix apparemment insignifiants, montrait que tout cela n’aurait plus d’importance quand il serait trop tard. Les décisions passées et les préjugés devraient être remis en question.
Amanda pouvait détester les gens, mais techniquement, tout le monde qu’elle connaissait et avec qui elle travaillait était en train de sombrer dans la ville de l’autre côté de la rivière qu’elle observait. Mais ce n’était pas vraiment ce qu’elle voulait. Maintenant, elle devait aussi compter sur quelqu’un d’autre, Danny, pour sauver son fils dans ce nouveau monde, montrant que lorsque le monde bascule, tout change et peut-être que vous devez changer aussi pour survivre, comme nous l’avons vu avec son préjugé envers George et sa fille Ruth au début, un sentiment qui a évolué avec le temps. Chaque personne dans ce film avait une compréhension différente de ce qui se passait et de qui en était la cause, ce qui alimentait la désinformation et suscitait la méfiance. Les réactions des gens dans de telles situations varient, certains aident, d’autres non, certains se barricadent tandis que d’autres ignorent tout, étant protégés.
L’importance de Rose dans la série TV Friends suite à l’une des scènes les plus marquantes de ce film, lorsque la ville est en flammes après la révélation que la phase finale allait commencer, la guerre civile. Le film lui-même se conclut avec Rose à l’intérieur de la maison Thorn, où se trouvait le bunker d’urgence. Une fois à l’intérieur, on la voit découvrir un mur entier rempli de DVD, et sur l’étagère se trouve la dernière saison de Friends, avec l’épisode final qu’elle voulait regarder. Après la coupure du Wi-Fi et de toutes les connexions causée par la destruction des satellites, elle met l’épisode en route, passant brièvement devant le bouton Netflix de la télécommande pour appuyer sur lecture, un bouton qui aujourd’hui existe à peine sur les télécommandes. Elle sourit alors que la lumière du téléviseur illumine son visage, et la chanson du générique « I’ll be there for you » clôt le film. Ces paroles sont si importantes car dans ce nouveau monde qui se dessine, la seule chose qui compte est la confiance que l’on peut avoir en l’autre, s’ils seront là pour nous.
La naïveté de Rose face à la situation nous permet de voir l’innocence au milieu de tout ce chaos. Elle ne comprend pas vraiment ce qui se passe, n’y porte pas beaucoup d’intérêt. Elle est une enfant et comme la plupart des gens aujourd’hui, elle est accro à ses écrans et a du mal à fonctionner sans eux. On voit comment quelqu’un de dépendant aux écrans se comporte dans un monde où ils n’existent plus. Le cliffhanger pour Rose, ne pas savoir ce qui s’est passé dans le final de Friends, la tourmente intérieurement et la pousse finalement à chercher un écran qui fonctionne. La remarque sur Friends comme une émission qui offre de la nostalgie pour une époque qui n’a même pas existé est peut-être ce que Rose cherchait dans ces moments de chaos. La panique était partout et peut-être qu’elle voulait simplement un peu de normalité. Cela nous montre également l’importance des supports physiques dans l’ère numérique, et le fait d’avoir des objets tangibles dans un monde numérique, car si tout s’effondre, que nous reste-t-il pour regarder en arrière sur la société
Un élément que j’ai trouvé particulièrement bien traité dans ce film était la manière dont il scrutait la société et sa situation actuelle. Par exemple, il mettait en lumière à quel point nous sommes dépendants de la technologie et comment les gens se voilent presque la face par rapport à ce qui se passe dans le monde. C’était particulièrement flagrant avec chaque groupe de personnages, chacun ayant une connaissance différente des événements. Par exemple, la famille principale ne savait rien de ce à quoi s’attendre et a eu de la chance d’être hors de la ville, tandis qu’Amanda semblait vraiment savoir et a quitté la ville parce qu’elle pensait que c’était une bonne idée, ce qui a bouleversé l’histoire et souligné le fait qu’elle n’avait en fait averti personne parce qu’elle les détestait. George avait une intuition que quelque chose pouvait arriver en raison de son travail, Danny était préparé grâce aux journaux, et les Thorn avaient un abri complet en anticipation. Chaque personnage avait un niveau de compréhension différent, principalement en fonction du temps qu’ils passaient à suivre ce qui se passait à l’extérieur de leur vie.
Une chose qui m’a amusé dans le film, cependant, c’est lorsque Clay a payé Danny pour le médicament pour aider son fils à récupérer, et Danny a prononcé la phrase selon laquelle il savait que cela finirait par être un système de troc, à laquelle Clay a répondu que c’était quand même de l’argent, que ce n’était pas un système de troc. Je pense que cela a été délibérément dit parce que l’argent, même dans notre monde, est une forme de paiement en déclin. La plupart des gens paient par carte ou de manière numérique maintenant, donc c’était un clin d’œil au fait que l’argent est un objet physique avec lequel troquer, non seulement dans notre monde actuel, mais aussi dans ce monde en train d’être détruit.
Le film a également mis en lumière des aspects de la société à travers les angles de caméra utilisés. La prise de vue en plongée était fréquemment présente tout au long de plusieurs chapitres, et elle se faisait souvent par une transition fluide, juste en se retirant de l’environnement. Je pense que cela a été utilisé de cette manière si fréquente pour souligner que nous observions quelque chose qui se déroulait, et que cela racontait une histoire qui ressemblerait probablement à ce que nous vivons dans le monde actuel. En résumé, j’ai trouvé…
Note Globale : Ce film était plutôt bon sur le plan stylistique. Il correspondait parfaitement à mes goûts. Il était délibérément déstabilisant à certains moments, et j’ai aimé cela, la façon dont il brisait le quatrième mur, la musique étrange et perturbante qui semblait sortie des films des années 60, les transitions fluides des angles de caméra, l’association du rouge avec le bois, du vert pour la palette de couleurs, et son approche lente mais rythmée. Cependant, je dirais que ce film a essayé d’être trop intelligent pour lui-même. Je comprends le message évident tout au long du film, mais donner aux gens un sens de résolution aurait été bienvenu. Je pense souvent que transmettre clairement le message peut être bien plus puissant que le laisser ouvert à l’interprétation, et j’aurais aimé que le film fasse cela. Il a bien fait passer le message que la confiance était l’une des choses les plus importantes dans le temps qui approchait, et que tout ce sur quoi vous construisez votre vie devient redondant car au fond, les gens se retournent les uns contre les autres. Mais je pense qu’il aurait dû avoir un impact plus fort.
Je trouve également que les performances étaient vraiment solides Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke ont absolument volé la vedette. Je dirais aussi que Farah McKenzie a fait du bon travail. Sa performance était intense et assez captivante, exactement comme je l’imaginais pour ce rôle. En comparaison avec les quelques films catastrophe récents sortis, je dirais que j’ai préféré « White Noise ». Je pensais qu’il avait un message similaire mais sur le plan stylistique, c’était meilleur, le message était plus clair et les performances étaient meilleures. Ce film vaut définitivement le détour pour son histoire, ses choix stylistiques et ses performances
Chronique : Le Coffret Warner 100 ans – Looney Tunes: Collection 10 Films est une véritable célébration de l’héritage intemporel des Looney Tunes. Cette compilation captivante rassemble une sélection variée de films mettant en vedette les personnages les plus emblématiques de l’univers Looney Tunes, offrant une expérience visuelle divertissante et nostalgique pour les fans de tous âges.
Ce coffret regorge de trésors cinématographiques, dont des titres légendaires comme « Le Roi Titi », un classique incontesté mettant en scène le charismatique Titi dans une aventure royale délicieusement drôle. De même, « Space Jam » et son tout récent successeur « Space Jam – Nouvelle Ère » marquent la fusion audacieuse entre animation et action en associant les Looney Tunes avec les stars du basket-ball, offrant des moments de compétition palpitants et d’humour exubérant.
Dans ce coffret, les amateurs des Looney Tunes découvriront également des pépites comme « Les Looney Tunes passent à l’action », une incursion captivante dans l’univers des personnages hors du commun qui se lance dans une mission épique. L’ensemble est complété par des classiques adorés tels que « Le Meilleur de Bugs Bunny », « Looney Tunes : Cours, lapin, cours… Le film », « Le Noël des Looney Tunes », des aventures animées étonnantes qui font revivre la magie intemporelle de ces personnages emblématiques.
La richesse de ce coffret réside dans la diversité des films qui transportent les spectateurs dans des mondes fantastiques, des histoires hilarantes, et des aventures loufoques. « Titi et le Tour du monde en 80 chats », « L’Île fantastique de Daffy Duck » et « S.O.S. Daffy Duck » ajoutent une touche d’évasion et de fantaisie, illustrant la polyvalence et la créativité sans limites des Looney Tunes.
Le Coffret Warner 100 ans – Looney Tunes: Collection 10 Films est une véritable malle au trésor d’aventures animées, une invitation joyeuse à redécouvrir ces personnages légendaires et à partager des moments inoubliables en famille. Un véritable festin visuel qui ravira les adeptes de ces figures indémodables de l’animation.
Classé : Tous publics Dimensions du colis : 19,4 x 13,9 x 1,7 cm; 160 grammes Réalisateur : Careen Ingle, Joe Pytka, Greg Ford, Chuck Jones, Terry Lennon Format : PAL Date de sortie : 4 octobre 2023 Acteurs : Michael Jordan, Wayne Knight, LeBron James, Don Cheadle, Cedric Joe Sous-titres : : Néerlandais, Anglais, Français, Espagnol, Portugais, Italien, Polonais, Roumain, Arabe Langue : Néerlandais (Dolby Digital 2.0 Mono), Néerlandais (Dolby Digital 5.1), Italien (Dolby Digital 2.0 Mono), Allemand (Dolby Digital 2.0 Mono), Allemand (Dolby Digital 5.1), Anglais (Dolby Digital 2.0 Mono), Français (Dolby Digital 2.0 Mono), Italien (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1), Anglais (Dolby Digital 5.1), Néerlandais (Dolby Digital 2.0 Surround), Espagnol (Dolby Digital 2.0 Mono), Castillan (Dolby Digital 5.1), Néerlandais belge (Dolby Digital 5.1) Studio : Warner Bros. Entertainment France ASIN : B0C5P364XL Pays d’origine : France
Contient : – « Scooby-Doo! et Courage le chien froussard » – « Joyeux Halloween Scooby-Doo! » – « Scooby-Doo! et la légende du roi Arthur » – « Scooby ! » – « Scooby-Doo » – « Scooby-Doo 2 : Les monstres se déchaînent » – « Scooby-Doo ! et la malédiction du 13ème fantôme » – « Scooby-Doo et Batman : L’Alliance des héros » – « Scooby-Doo ! et le fantôme gourmand » – « Scooby-Doo ! Retour sur l’île aux zombies »
Chronique : Le Coffret Warner 100 ans – Scooby-Doo: Collection 10 Films est une fabuleuse compilation qui plonge les amateurs de mystères, les nostalgiques, et les nouveaux spectateurs dans l’univers ludique et mystérieux de Scooby-Doo. Cette sélection de films offre un condensé riche et varié de l’univers palpitant de cette équipe attachante et débordante d’aventures.
Chaque film du coffret apporte son lot de frissons et d’amusement, mêlant habilement les ingrédients essentiels qui ont rendu Scooby-Doo et son gang si emblématiques au fil des années. Parmi cette compilation, des titres comme « Scooby-Doo! et Courage le chien froussard », qui voit nos héros canins unir leurs forces, ou « Joyeux Halloween Scooby-Doo! » avec ses rebondissements mystérieux, raviront les fans en quête d’aventures inédites.
Ce coffret propose également des récits qui explorent les origines de Scooby-Doo et la genèse de son partenariat avec Sammy, Fred, Velma et Daphné dans « Scooby ! » – une histoire captivante qui plonge dans les racines de la célèbre équipe. L’excitation ne manque pas dans « Scooby-Doo » avec leur enquête sur Spooky Island, un autre volet révélateur des qualités distinctives de chaque membre de Mystère et Cie.
Mais ce n’est pas tout, car ce coffret regorge de pépites, telles que « Scooby-Doo ! et le fantôme gourmand » et « Scooby-Doo ! Retour sur l’île aux zombies », offrant des aventures remplies de mystères, de surnaturel et d’humour propre à la série. Chaque film déploie un univers unique, mais conserve l’essence même de Scooby-Doo, cet équilibre entre suspense, amitié et mystère qui a su captiver les spectateurs à travers les générations.
Ce coffret incarne un hommage coloré et divertissant à l’héritage cinématographique de Scooby-Doo, offrant une expérience inoubliable pour tous les âges, une plongée joyeuse et nostalgique dans un univers fait de mystères, d’amitié et d’aventures. Une célébration idéale pour revivre ces moments cultes et partager le plaisir de Scooby-Doo en famille.
Classé : Tous publics Dimensions du colis : 19,4 x 13,9 x 1,9 cm; 170 grammes Réalisateur : Cecilia Aranovich Hamilton, Maxwell Atoms, Christina Sotta, Mel Zwyer, Tony Cervone Format : PAL Date de sortie : 4 octobre 2023 Acteurs : Frank Welker, Will Forte, Simon Cowell, Freddie Prinze Jr., Sarah Michelle Gellar Sous-titres : : Allemand, Anglais, Finnois, Roumain, Arabe, Italien, Castillan, Français, Néerlandais, Polonais, Suédois, Danois, Norvégien Langue : Suédois (Dolby Digital 5.1), Suédois (Dolby Digital 2.0), Néerlandais (Dolby Digital 5.1), Allemand (Dolby Digital 5.1), Italien (Dolby Digital 5.1), Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1), Polonais (Dolby Digital 2.0), Polonais (Dolby Digital 5.1), Castillan (Dolby Digital 5.1), Norvégien (Dolby Digital 5.1), Néerlandais belge (Dolby Digital 5.1) Studio : Warner Bros. Entertainment France
Dans ce nouveau conte de la Cité Sanctuaire, où tous les animaux vivent en harmonie, la Cité s’apprête à accueillir « La Coupe du Monde de la Peur » durant laquelle les animaux les plus féroces vont s’affronter dans l’arène.
Chronique : Dans la Cité Sanctuaire, un monde où règne une harmonie animale, le film d’animation « Le Rêve de Daisy » dévoile un récit touchant et empreint d’aventure. Alors que la Cité se prépare pour une compétition redoutable, la Coupe du Monde de la Peur, Daisy, une quokka charmante et attachante, rêve de remporter ce tournoi malgré sa petite taille et son apparence adorable.
L’Harmonie entre Tendresse et Détermination : La magie du film réside dans la façon dont il fusionne tendresse et détermination. Daisy incarne à merveille la persévérance face aux défis, démontrant qu’être petit ne limite en rien les grandes ambitions. La quête de Daisy est un appel à la confiance en soi, à la persévérance et à la force intérieure, véhiculée à travers une palette d’émotions attachantes.
Un Message Profondément Actuel : À travers son histoire, le film adresse subtilement des thèmes modernes de tolérance, de diversité et de dépassement des stéréotypes. Il enseigne avec douceur et subtilité que l’apparence ne détermine pas la valeur d’un individu, et que chacun a la capacité de briller à sa manière.
Une Animation Envoûtante : La qualité de l’animation captive les spectateurs, offrant des paysages colorés et des personnages magnifiquement dessinés. Chaque détail visuel évoque la beauté de la nature et la variété des espèces animales, plongeant le public dans un univers à la fois féerique et réaliste.
Le Duo Attachant : Daisy, accompagnée d’un ancien champion banni, forme un duo inattendu mais touchant. Leur relation évolue au fil du récit, offrant des moments d’humour et d’émotion, renforçant l’idée que l’entraide et l’amitié peuvent surmonter toutes les adversités.
« Le Rêve de Daisy » est bien plus qu’un film d’animation divertissant. C’est une aventure poétique qui célèbre la différence, l’amitié et la détermination, captivant autant les enfants que les adultes avec son message universel et sa beauté visuelle envoûtante.
Rapport de forme : 1.77:1 Classé : Tous publics Dimensions du produit (L x l x h) : 13,5 x 1,3 x 19 cm; 78 grammes Réalisateur : Ricard Cussó Format : Couleur, PAL, Cinémascope Durée : 1 heure et 24 minutes Date de sortie : 5 décembre 2023 Sous-titres : : Français Langue : Français (Dolby Digital 5.1), Anglais (Dolby Digital 5.1) Studio : M6 Vidéo
Toto et ses camarades sont de retour, direction la campagne pour une classe verte !
Chronique : « Les Blagues de Toto 2: Classe Verte » nous replonge dans l’univers malicieux et espiègle de Toto, le petit garçon facétieux aux idées farfelues. Dans cette suite tant attendue, Toto et ses camarades partent pour une classe verte à la campagne, mais pour Toto, cette escapade rime surtout avec une nouvelle série de blagues et d’aventures palpitantes.
Le film offre un cocktail parfait d’humour enfantin et de situations loufoques. Les péripéties déclenchées par Toto sont un véritable régal pour les jeunes spectateurs, mais aussi pour les adultes nostalgiques de leurs propres facéties d’enfance. La manière dont Toto entraîne ses amis dans ses plans farfelus est à la fois hilarante et touchante, créant une dynamique de groupe des plus divertissantes.
La classe verte devient le théâtre d’une enquête pour Toto, car des fermiers suspects et la légende d’un fantôme planent sur les lieux. Le film mélange habillement l’humour avec une pointe de mystère, offrant un scénario plein de rebondissements pour divertir petits et grands.
La performance des acteurs, notamment celle d’Hugo Trophardy dans le rôle de Toto, est remarquable. Son interprétation capture l’esprit espiègle du personnage de bande dessinée, apportant une fraîcheur et une énergie débordante à l’écran. Guillaume De Tonquédec et Anne Marivin brillent également dans leurs rôles respectifs, ajoutant une touche de comédie supplémentaire à l’ensemble.
Image : La réalisation visuelle du film apporte une palette de couleurs vives et une esthétique ludique, capturant l’essence joyeuse de la bande dessinée. Les décors campagnards sont magnifiquement filmés, offrant un contraste dynamique entre la nature et les facéties de Toto. Les paysages ruraux sont à la fois réels et imaginaires, créant une atmosphère idéale pour les aventures farfelues de Toto et ses amis.
Son : La bande sonore est une complice parfaite des facéties de Toto. Les musiques entraînantes accompagnent joyeusement les moments comiques du film. Les effets sonores astucieusement utilisés ajoutent une dimension supplémentaire aux blagues et aux scènes d’action, renforçant l’immersion dans l’univers espiègle de Toto
Classé : Tous publics Dimensions du produit (L x l x h) : 13,5 x 1,3 x 19 cm; 79 grammes Réalisateur : Pascal Bourdiaux Format : PAL, Cinémascope, Couleur Durée : 1 heure et 20 minutes Date de sortie : 6 décembre 2023 Acteurs : Hugo Trophardy, Guillaume de Tonquédec, Anne Marivin, Valérie Karsenti, Pauline Clément Langue : Français (Dolby Digital 5.1) Studio : M6 Vidéo
En pleine représentation de la pièce « Le Cocu », un très mauvais boulevard, Yannick se lève et interrompt le spectacle pour reprendre la soirée en main…
Chronique : « Yannick » se distingue par son audace et son humour singulier, marquant une nouvelle prouesse de Quentin Dupieux, le maître des atmosphères décalées et des scénarios originaux. En seulement six jours et dans le plus grand secret, le réalisateur parvient à capturer l’essence d’une soirée théâtrale qui tourne brusquement au vinaigre, créant ainsi une comédie grinçante et irrésistible.
Cette œuvre révèle toute la finesse de Dupieux dans la mise en place d’un huis clos captivant. Les situations comiques, savamment orchestrées, laissent transparaître une subtile poésie et une tendresse inattendue au cœur de l’absurdité. C’est une plongée émouvante et troublante dans un univers théâtral où l’humour se mêle à une certaine inquiétude, captivant à chaque rebondissement.
La performance remarquable de Raphaël Quenard, récemment acclamé dans « Chien de la casse », réaffirme son statut d’acteur prometteur du cinéma français. Il incarne de manière exceptionnelle le protagoniste principal, offrant une prestation saisissante et inoubliable qui marque les esprits.
Les autres acteurs, Pio Marmaï, Blanche Gardin et Sébastien Chassagne, brillent dans leurs rôles respectifs, formant un quatuor exceptionnel avec Quenard. Leur jeu, empreint d’absurdité et de comédie, confère au film une dimension humoristique remarquable, plaçant le spectateur au cœur d’une farce théâtrale où les éclats de rire sont au rendez-vous à chaque instant.
La réalisation en 16mm ajoute une texture organique à l’image, offrant une esthétique unique, granuleuse, qui plonge le spectateur dans une atmosphère à la fois rétro et intemporelle. Les décors confinés renforcent l’impression de huis clos, accentuant l’impact des événements.
En ce qui concerne le son, la bande sonore rythme magistralement le récit. Elle passe habilement du comique à l’inquiétant, avec des compositions musicales qui soulignent l’absurdité des situations tout en générant une tension inattendue. Les dialogues, quant à eux, sont un véritable jeu de ping-pong verbal entre les acteurs, contribuant à l’ambiance troublante et captivante du film.
En bonus, l’entretien avec le réalisateur et les acteurs offre un aperçu fascinant des coulisses de la production. Ils révèlent les défis et les choix artistiques derrière la création du film, partageant leur vision et leur implication personnelle dans ce projet.
La scène de répétition nous plonge dans l’intimité des acteurs, dévoilant les interactions entre eux et la façon dont ils se sont appropriés leurs personnages. C’est un moment où l’on peut ressentir la tension dramatique et l’énergie qui se dégagent des répétitions, dévoilant la préparation minutieuse derrière chaque scène.
Enfin, le film commenté par le réalisateur offre un regard privilégié sur son processus de création. Dupieux partage ses réflexions, explique ses choix de mise en scène et de narration, éclairant ainsi le public sur les subtilités du film et les messages qu’il souhaite transmettre.
Rapport de forme : 1.33:1 Classé : Tous publics Dimensions du produit (L x l x h) : 13,5 x 1,3 x 19 cm; 82 grammes Audio description : : Français Réalisateur : Quentin Dupieux Format : Cinémascope, PAL, Couleur Durée : 1 heure et 3 minutes Date de sortie : 5 décembre 2023 Acteurs : Raphaël Quenard, Pio Marmaï, Blanche Gardin, Sébastien Chassagne, Agnès Hurstel Sous-titres : : Français Langue : Français (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1) Studio : Diaphana ASIN : B0CHN4NP29
Lázaro et Tristán, jumeaux, font partie d’un programme militaire qui vise à former les meilleurs astronautes de demain.
Chronique : « Tropic », dirigé par Edouard Salier et porté par les talents de Pablo Cobo, Louis Peres et Marta Nieto, nous entraîne dans une aventure émotionnelle et immersive, au cœur d’une fratrie confrontée à des épreuves dévastatrices.
Lázaro et Tristán, jumeaux engagés dans un programme militaire pour devenir des astronautes d’exception, voient leur destin basculer quand Tristán est contaminé par un résidu toxique. Ce drame déchire la cellule familiale et dévoile les mutations physiques et mentales de Tristán, entraînant des péripéties saisissantes.
Ce qui rend « Tropic » remarquable, c’est son ambiance captivante. Dès le départ, nous sommes immergés dans l’intimité de cette fraternité indissoluble. La relation profonde et fusionnelle entre ces deux frères est le cœur battant de l’histoire, s’exprimant à travers les épreuves qu’ils traversent. La localisation du film au sein d’une forêt tropicale intensifie cette intimité, nous rapprochant de la nature aux côtés des personnages. Le choix artistique de la pellicule 16mm amplifie cette proximité, nous plongeant au plus près des protagonistes, nous faisant ressentir de manière authentique leurs émotions.
Cet aspect intime et naturel, soutenu par un travail technique impressionnant, confère à « Tropic » une authenticité touchante. La fraternité, les drames et les transformations radicales des personnages, magnifiquement interprétés, captivent le spectateur dès les premiers instants jusqu’à la conclusion. Ce film est une expérience visuelle et émotionnelle, une aventure immersive où la force des liens familiaux se dévoile au cœur d’une nature aussi belle que sauvage.
Rapport de forme : 2.35:1 Classé : Tous publics Réalisateur : Edouard Salier Format : PAL, Cinémascope, Couleur Durée : 1 heure et 47 minutes Date de sortie : 10 janvier 2024 Acteurs : Pablo Cobo, Louis Peres, Marta Nieto, Marvin Dubart, Alane Delhaye Langue : Français (Dolby Digital 5.1) Studio : Rezo Films ASIN : B0CBL1PX8S
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