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Sans Filtre (Triangle of Sadness) Harris Dickinson (Acteur), Charlbi Dean (Acteur), Ruben Östlund (Réalisateur)

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Une croisière pour les super-riches coule laissant ainsi des survivants, dont un couple de célébrités mannequins, piégés sur une île.

Chronique : « Triangle of Sadness » de Ruben Östlund est devenu l’un des lauréats de la Palme d’Or les plus controversés depuis des années. D’un côté, il y a ceux qui pensent que ses thèmes soulignés et ses cibles évidentes sont un peu grossiers et évidents. D’un autre côté, il y a des gens qui diraient que ces cibles méritent d’être embrochées et le scénariste/réalisateur de « Force Majeure »» et « The Square » utilise son esprit pour le faire avec une précision hystérique. Étant donné que cette croisière cinématographique dure presque aussi longtemps qu’une « visite de trois heures », il est facile de voir les deux côtés de ce débat. Il y a indéniablement des échanges de dialogues pointus et des rebondissements divertissants dans le démantèlement d’Östlund de l’élite peu profonde, et pourtant certains d’entre eux, en particulier dans l’acte final, commencent à se sentir redondants, et peut-être même aussi superficiels que les riches que le film recherche. abattre. Pourtant, si « Triangle of Sadness » est en deçà de la grandeur, il vit confortablement au niveau de la bonté, même s’il déballe un si mauvais comportement.

Bien sûr, « Triangle of Sadness » raconte une histoire en trois actes, dont le premier pourrait en fait être mon préféré. Court métrage à part entière, il nous présente deux modèles de rencontres, Carl ( Harris Dickinson ) et Yaya ( Charlbi Dean ) à la fin d’un dîner chic. La facture est restée assez longtemps pour que Carl se rende compte que sa petite amie n’a pas l’intention de payer, même si elle a dit hier soir qu’elle le ferait. Les deux se disputent à propos de ses hypothèses fondées sur le sexe et le dialogue d’Östlund tourne et tourbillonne alors que la discussion revient à l’hôtel que Yaya note qu’elle couvre pour Carl. C’est un prologue très prometteur pour « Triangle of Sadness », une implication que le film va entrer dans les rôles de genre et les relations transactionnelles d’une manière nette et nouvelle.

Et puis ça ne fait pas tout à fait ça. Comme je le sentais aussi avec « The Square », Östlund a l’habitude de se laisser distraire par une idée similaire sans faire le travail pour la rattacher à la précédente de manière satisfaisante. La section médiane de « Triangle of Sadness » se déroule à bord d’un yacht que Yaya et Carl ont été invités à promouvoir socialement. (Elle prendra des photos d’elle-même avec des pâtes près de sa bouche mais ne les mangera pas réellement.) C’est ici qu’Östlund joue un petit « Upstairs, Downstairs », nous présentant à une équipe de personnes si riches qu’elles ont perdu tout contact avec la moyenne. réalité. La plupart d’entre eux ont acquis une richesse générationnelle grâce à des entreprises qui n’ont pas vraiment amélioré le monde, comme le gentil couple de personnes âgées dont la fortune vient des grenades ou le monsieur qui aime dire aux gens qu’il a gagné son argent avec de la merde – c’est un magnat des engrais.

L’intention d’Östlund se traduit par une série d’échanges amers. Une femme ( Mia Benson ) insiste sur le fait que les voiles du navire doivent être nettoyées – le yacht n’a pas de voiles. Carl devient jaloux d’un travailleur torse nu qui attire l’attention de Yaya et le fait donc virer. Un génie du logiciel milquetoast ( Oliver Ford Davies ) prend vie lorsque deux jolies femmes prennent une photo avec lui. Un passager ( Sunnyi Melles ) insiste pour que tout l’équipage aille se baigner. Dans le choix le plus déconcertant d’Östlund, une autre femme ( Iris Berben ) a été handicapée par un accident vasculaire cérébral et ne peut que répéter les mots « In Den Wolken », qui signifie « Dans les nuages ». De toute évidence, c’est là que Östlund pense que la plupart de ces personnes vivent, loin d’une réalité ancrée.

C’est assez évident, mais cela crée un terrain fertile pour un démantèlement potentiel des attentes de la société. Ces gens ont clairement été mis en place pour tomber des piédestaux sur lesquels ils vivent. Cela vient dans la pièce maîtresse de « Triangle of Sadness », une séquence ridicule mais captivante dans laquelle les passagers s’assoient pour un somptueux dîner du capitaine par une nuit orageuse. En tant que Woody Harrelson le capitaine fatigué du monde mange un hamburger au lieu de la concoction que les chefs ont imaginée pour impressionner les passagers, Östlund incline sa caméra d’avant en arrière avec les vagues, nous faisant nous sentir presque aussi nauséeux que les personnages à l’écran. La nuit se transforme en une expression chaotique de fluides corporels qui détruisent fondamentalement toutes les structures sociétales et mettent en place l’acte final, celui qui inverse les rôles et place l’un des ouvriers du navire (un mémorable Dolly De Leon) dans une position de pouvoir inattendu.

Il est difficile de secouer le sentiment qu’Östlund pense qu’il en dit plus ici qu’il ne l’est réellement – je pense que l’intention prétentieuse est à l’origine de la plupart du côté haineux de la division de ce film – mais cela n’a pas rendu le film beaucoup moins divertissant comme une satire sociale pour moi. Östlund est en train de tirer du poisson dans un baril, mais le poisson l’a eu, et il les fait cuire dans un repas savoureux, avec de l’oursin et de l’émulsion de calmar sur le côté. J’aurais aimé que le voyage ait été à la hauteur de son prologue – Carl et Yaya, malgré une performance captivante de Dean, deviennent des acteurs mineurs de manière inattendue alors qu’Östlund s’intéresse plus aux thèmes qu’aux personnes – mais je ne regrette pas d’embarquer sur le navire.

est DVD:

Image :Une image au piqué affuté, extrêmement détaillée et aux couleurs profondes. Belle tenue des noirs.  Les ambiances sont parfaitement retranscrites et le support se révèle d’une grande efficacité. Les contrastes donnent un volume et une profondeur à l’image à la hauteur de l’ensemble

Son : Le son bénéficie d’une grande qualité sonores.Les effets sonores du film envahissent les différents canaux, avec beaucoup de précision et de dynamique.

Bonus :  Côté Bonus, les interviews du réalisateurs sont intéressantes ce qui qui nous permet de découvrir de l’intérieur la création de ce film ainsi que les scènes coupés et rush des casting

Rapport de forme ‏ : ‎ 2.35:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 19.5 x 13.5 x 1.8 cm; 100 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Ruben Östlund Format ‏ : ‎ Couleur, PAL, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 2 heures et 21 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 26 janvier 2023 Acteurs ‏ : ‎ Harris Dickinson, Charlbi Dean, Vicki Berlin, Oliver Ford Davies, Arvin Kananian Doublé : ‏ : ‎ Anglais, Français Sous-titres : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ M6 Vidéo

You People sur Netflix : Eddie Murphy et Jonah Hill dans une comédie à la Mon beau-père et moi

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Une nouvelle comédie originale fait ce vendredi 27 janvier ses grands débuts sur Netflix. La plateforme dévoile aujourd’hui le long métrage You People, une comédie romantique grinçante suivant l’idylle entre un homme de confession juive et sa fiancée afro-américaine et musulmane, et la rencontre difficile entre leurs deux familles.

Le titre du film – que l’on pourrait traduire en français par « Vous autres » – fait référence à une expression à connotation raciste employée dans le langage courant. Alliant le comique de situation à un portrait sociétal d’une Amérique multiculturelle, ce long métrage marque la première réalisation de Kenya Barris, déjà récompensé par de nombreux prix prestigieux pour sa série Black-ish.

Cette comédie qui totalise huit saisons avait réussi à reprendre les codes traditionnels de la sitcom américaine tout en s’emparant de sujets d’actualité, comme l’élection de Donald Trump ou encore les violences policières à l’encontre des populations afro-américaines aux États-Unis.

Un casting composé à 100% de stars

Le scénario de You People a été écrit à quatre mains par Kenya Barris lui-même, en collaboration avec Jonah Hill (Don’t Look Up) également interprète d’Ezra, le personnage principal du film. Sa fiancée Amira est, quant à elle, incarnée par Lauren London (Sans Aucun Remords).

Les parents des deux protagonistes sont joués par de grands spécialistes de la comédie. La mère d’Ezra est ainsi campée par Julia-Louis Dreyfus (Veep), et son père par David Duchovny (Californication). Du côté d’Amira, son père est incarné par Eddie Murphy (Le Flic de Beverly Hills), sa mère par Nia Long (Big Mamma).

Une intrigue jouant sur les malentendus et les clichés, un réalisateur spécialisé dans la comédie engagée et un casting composé de têtes d’affiches appréciées du public… Nul doute que You People réunit tous les ingrédients d’une comédie à succès, qui devait faire hurler de rire les abonnés de Netflix dès ce vendredi 27 janvier à l’occasion de sa mise en ligne sur la plateforme !

Kompromat avec Gilles Lellouche (Acteur), Joanna Kulig (Acteur), Jérôme Salle (Réalisateur)

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Russie, 2017. Mathieu Roussel est arrêté et incarcéré sous les yeux de sa fille. Expatrié français, il est victime d’un  » kompromat », de faux documents compromettants utilisés par les services secrets russes pour nuire à un ennemi de l’Etat. Menacé d’une peine de prison à vie, il ne lui reste qu’une option : s’évader, et rejoindre la France par ses propres moyens…

Chronique : La beauté de Kompromat est que la force est permanente et qu’elle va partout. Nous n’optons jamais pour le 2:07 super soutenu, et le film le garde surréaliste et crédible sans le surcharger. Même les temps d’arrêt sont longs. C’est un multi-thriller, politique, policier, émotionnel, avec cette intensité dans le combat de Mathieu, la poursuite et enfin toute la chasse folle. L’intensité qui sépare nos deux pays, et au-delà, nos deux visions du monde. Mais peut-être le plus important, l’intensité de l’histoire très captivante et touchante avec Svetlana (Joanna Kulig). Cette passion est irrationnelle car interdite et puissante. Nous les soutenons pleinement et leurs histoires incarnent finalement les rencontres, la paix et les solutions. On retrouve dans Kompromat toutes les belles interprétations d’Anthony Zimmer (2005) du même réalisateur, mais avec plus de profondeur, de rythme et de stylisation. La scène est solide, musclée, méticuleuse et (presque) jamais exagérée. Il en va de même pour le scénario, même si l’histoire semble incroyable, elle est toujours inspirée de faits réels. Gilles Lellouche est parfait pour le rôle, portant bien le film avec ses larges épaules. La charmante et talentueuse comédienne polonaise Joanna Kulig (Cold War, Les Innocents…) et la très rare Judith Henry lui apportent une aide idéale. Au final, c’est un thriller bien fait qui n’actualise certainement pas le genre. Mais il y a là un suspense haletant et plutôt terrifiant, et on passe un très bon moment devant, et on ne s’ennuie pas une seconde. Une belle surprise.

Video : La clarté du film  est juste magique et avec un contraste exceptionnel. Bien qu’il n’y ait pas de point de grain visible, l’image dégage une merveilleuse sensation de film qui rappelle les films de la période des années 90. Les couleurs sont un peu atténuées pour refléter la nature désastreuse de la situation, mais des éclaboussures de paysages verts verdoyants et des éclats de neige  sont luxueusement riches, les blancs sont brillants mais ne fleurissent jamais, et les tons de chair restent naturels et constants tout au long. Les détails sautent de l’écran, tandis que des gros plans pointus soulignent les lignes, les rides et les taches sur les visages des personnages âgés, ainsi que la belle fraîcheur du teint de Lellouche

Audio :  Bien que les accents surround soient faibles, la fidélité supérieure et la profondeur tonale permettent à l’audio d’obtenir une sensation d’enveloppement fluide. Une séparation stéréo plus distincte est visible à l’avant, car des transitions douces élargissent bien le paysage sonore. La musique jouit d’une belle présence et remplit  avec aisance. C’est une piste beaucoup plus intéressante que ce à quoi on pourrait s’attendre, et l’excellent rendu accentue son impact.

Bonus :

Making of : Ce Making of comprend des interviews avec le réalisateur  et les acteurs et d’autres, ainsi que divers membres du personnel technique. Les sujets abordés comprennent la prémisse du film, les personnages, le maquillage, les chiens, les , la conception de la production, le style de réalisation de Jerome Salle et la tâche ardue de faire ce film

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 19.3 x 13.5 x 1.8 cm; 160 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Jérôme Salle Format ‏ : ‎ Cinémascope, Couleur, PAL Durée ‏ : ‎ 2 heures et 2 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 5 janvier 2023 Acteurs ‏ : ‎ Gilles Lellouche, Joanna Kulig, Michael Gor, Mikhail Safronov, Sasha Piltsin Doublé : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ M6 Vidéo ASIN ‏ : ‎ B0BCCY3KHB

Everything Everywhere All at Once avec Michelle Yeoh (Acteur), Stephanie Hsu (Acteur), Daniels (Réalisateur), Daniel Kwan (Réalisateur)

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Evelyn Wang est à bout : elle ne comprend plus sa famille, son travail et croule sous les impôts… Soudain, elle se retrouve plongée dans le multivers, des mondes parallèles où elle explore toutes les vies qu’elle aurait pu mener. Face à des forces obscures, elle seule peut sauver le monde mais aussi préserver la chose la plus précieuse : sa famille.

Chronique : De la même imagination qui nous a apporté la comédie surréaliste Swiss Army Man , Daniel Scheinert et Daniel Kwan, encore plus bizarrement divertissant, Everything Everywhere All at Once est une fantasmagorie ingénieusement dingue qui est tout aussi émouvante que visuellement palpitante. L’histoire d’une mère luttant pour trouver la stabilité et le contentement dans sa vie traverse des problèmes émotionnellement poignants avec la même ferveur et le même soin perspicaces qu’elle le fait en assemblant plusieurs genres en une expérience harmonieusement équilibrée et mémorable. En termes simples, ce drame absurde de genre est un film phénoménal et perspicace qui se classe facilement parmi les meilleures surprises de l’année, aux côtés de Top Gun: Maverick, Happening, Hellbender, You Won’t Be Alone et Hatching – tous des films défiant les pièges de leur genre, dépassant les attentes et livrant un récit émouvant et très satisfaisant.

Et ici, les Daniels, comme on les appelle collectivement, centrent leur intrigue autour de la journée dans la vie d’Evelyn Quan Wang (une merveilleuse Michelle Yeoh) alors qu’elle se prépare avec stress pour un audit de l’IRS sur sa laverie en difficulté tout en organisant névrotiquement une fête du nouvel an. pour son père (James Hong). Les premières minutes montrent magistralement la lutte pour équilibrer un travail, une maison et une famille avec un miroir montrant un souvenir coloré et joyeux d’une famille heureuse appréciant simplement la compagnie de l’autre et vivant dans l’instant. Cette image est rapidement supplantée par une table à manger, le cadre stéréotypé des réunions de famille, empilé de reçus et de documents à préparer pour l’auditeur (Jamie Lee Curtis). C’est l’un des nombreux moments simples qui en disent long dans un film qui embrasse le visuel élaboré et la fantaisie complexe. 

Lorsque nous sommes submergés par plus que ce que nous sommes réellement équipés pour gérer, nous sommes enclins à ignorer et à négliger les aspects les plus importants de nos vies, submergés par l’anxiété de tout résoudre en même temps, ce qui conduit à un sentiment de soi fracturé et à un désir d’aller ailleurs. , être quelqu’un d’autre. Evelyn a été tellement préoccupée qu’elle a vécu complètement aveugle à un mariage malheureux avec le toujours optimiste et optimiste Waymond (Ke Huy Quan des Goonies et Indiana Jones et l. Au même moment, sa fille Joy (Stephanie Hsu) est au point de rupture en attendant que sa mère l’accepte, elle et sa petite amie Becky (Tallie Medel). En ce jour particulier, l’univers d’Evelyn, celui qu’elle a travaillé si dur à construire pendant des années en renonçant aux nombreux rêves qu’elle souhaitait accomplir pour elle-même, est désormais menacé, sur le point de s’effondrer d’un coup, de tomber dans la vision nihiliste que rien n’a d’importance.

Le tout des Daniels partout à la foisest une réalisation vraiment merveilleuse qui équilibre des préoccupations existentielles profondément complexes, débordant d’une imagination passionnée et folle qui se sent désorganisée et naïve mais fascinante et libératrice à voir avec une cinématographie qui emprunte audacieusement au légendaire Wong Kar-wai. Et d’une manière ou d’une autre, au milieu de tout ce chaos visuellement époustouflant, les cinéastes révèlent un portrait tendre et émouvant de la modernité. La comédie dramatique noire absurde fonctionne également comme une allégorie ou une satire ménippéenne pour les défis de naviguer à travers cette existence de médias sociaux multiverselle en constante expansion, en constante expansion – nous tentant avec d’autres possibilités et détournant notre attention de ce qui est devant nous maintenant, dans le moment. C’est un chef-d’œuvre absolument brillant et ambitieux qui est infiniment amusant, inspirant et terriblement engageant.

Vidéo : Les lignes fines et les détails sont nets et distincts, de la couture et de l’enfilage des costumes aux objets individuels des bureaux de l’IRS, mais certains effets numériques et l’action rapide ne sont pas toujours aussi discrets, ce qui peut avoir à voir avec l’esthétique visuelle du cinéaste. 

Le film commence par un contraste quelque peu atténué et discret pour créer une atmosphère solennelle et améliorer l’état d’esprit actuel d’Evelyn, mais les blancs restent propres et vifs tandis que les reflets spéculaires fournissent un éclat net et serré dans les endroits les plus chauds sans laver les détails les plus fins. . Cette approche délibérément créative affecte également les couleurs, affichant une palette analogue la plupart du temps limitée favorisant les tons de terre, les bronzages et les jaunes chauds. Mais les visuels prennent soudainement vie grâce au Dolby Vision HDR, offrant une sélection plus large et plus complète de teintes primaires et secondaires, en particulier chaque fois que Jobu Tupaki fait une apparition. La variété de rouges et d’oranges dans le dernier quart du film, en particulier, est impressionnante et reflète parfaitement le changement de ton de l’histoire. Pendant tout ce temps, les niveaux de noir sont riches et vrais du début à la fin.

Audio : Le couplet dramatique fantastique absurde passe aux cinémas maison avec une bande-son Dolby Atmos absurdement fantastique qui dynamise et complète parfaitement les visuels follement fantaisistes. Étant une fonctionnalité axée sur les personnages, chaque conversation et chaque ligne de dialogue ont toujours la priorité absolue, venant haut et fort même pendant les segments les plus bruyants et les plus scandaleux. Tout en présentant une clarté et une distinction superbes dans les fréquences supérieures, l’imagerie semble continuellement large et spacieuse avec de nombreuses activités d’arrière-plan se déplaçant de manière convaincante sur les trois fronts et dans les hauteurs supérieures pour créer une scène sonore en demi-dôme très engageante. La partition de Son Lux bénéficie également d’une excellente fidélité et de détails acoustiques tout au long, tandis qu’un bas de gamme robuste ajoute une présence palpable à chaque séquence d’action avec quelques moments étonnamment autoritaires qui descendent jusqu’à 20 Hz Les séquences d’action sont également superposées avec une variété d’effets atmosphériques se déplaçant en douceur à travers les environs et se déplaçant occasionnellement au-dessus avec une efficacité sans faille, générant un champ sonore hémisphérique satisfaisant.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.85:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 17.1 x 13.7 x 1.2 cm; 70 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Daniels, Daniel Kwan, Daniel Scheinert Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 2 heures et 19 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 3 janvier 2023 Acteurs ‏ : ‎ Michelle Yeoh, Stephanie Hsu, Ke Huy Quan, James Hong, Jamie Lee Curtis Doublé : ‏ : ‎ Anglais, Français Sous-titres : ‏ : ‎ Français Studio  ‏ : ‎ Originals Factory

Raised by Wolves-Saison 2 avec Amanda Collin (Acteur), Abubakar Salim (Acteur), Ernest R. Dickerson (Réalisateur), Sunu Gonera (Réalisateur)

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Synopsis : Mother et Father, ainsi que leur couvée de six enfants humains, rejoignent une nouvelle colonie athée dans la mystérieuse zone tropicale de Kepler 22b. Mais naviguer dans cette étrange nouvelle société n’est que le début de leurs ennuis, car « l’enfant naturel » de Mother menace de faire disparaître le peu qui reste de la race humaine.

Chronique : Raised by Wolves est l’une de ces émissions indéniablement mémorables malgré ses problèmes. Celui-ci est sur le point d’être l’une des meilleures séries de science-fiction à la télévision, mais à maintes reprises, l’écriture empêche ce spectacle de devenir plus attachant.

Ne vous méprenez pas, Raised by Wolves a ses mérites, offrant une atmosphère morose inégalée, des idées intrigantes et beaucoup d’imprévisibilité. Seulement, cette imprévisibilité n’est pas toujours une bonne chose.

Alors que la première saison a vu la majeure partie de l’histoire consommée par des déserts étouffants et des allégories religieuses à Adam et Eve, la deuxième saison reprend quelque temps après les événements de la fin de la saison 1.

La famille a été transférée dans la zone tropicale, dirigée par un groupe athée appelé The Trust. Fini les déserts arides et étouffés et à la place nous avons des mers acides (parce que… des raisons ?) et une flore et une faune folles en abondance.

Lorsque Mère se réveille après avoir été découverte dans le désert, elle rejoint bientôt la colonie mais se retrouve en conflit grâce à la menace omniprésente du Serpent, ou « numéro 7 » comme elle l’appelle affectueusement.

Pendant ce temps, Marcus se cache à la périphérie de cette colonie, arborant de nouveaux pouvoirs mystérieux et déterminé à établir une église axée sur le Sol pour ceux qui sont déçus par le Trust.

Au fur et à mesure que la saison avance, ces deux histoires se croisent et s’entremêlent inévitablement, mais il y a toujours un sentiment désagréable que les scénaristes ne font que fouiller dans le récit pour essayer de trouver un crochet.

Les personnages se tordent et tournent leurs allégeances, il y a des sous-intrigues assez aléatoires qui ne sont pas si satisfaisantes et une abondance de bizarreries qui – bien que bienvenues – ressemblent à un voile pour dissimuler certains des problèmes de l’intrigue.

Raised by Wolves vit et meurt selon ses thèmes et nulle part ailleurs cela n’est plus évident que dans les allégories religieuses susmentionnées. Certains sont évidents (le fruit défendu) tandis que d’autres se penchent sur un thème plus répandu de la maternité et de ce que signifie prendre soin de sa progéniture. Celles-ci sont en fait assez bien gérées et la série équilibre bien ces idées sur les 8 épisodes.

Raised by Wolves est une série étonnante avec de grandes performances d’acteur, une merveilleuse construction du monde et une histoire intrigante qui captivera de nombreux téléspectateurs. L’histoire progresse bien et vous êtes constamment poussé au bord de votre siège. Même si la série a été annulée après sa deuxième saison, c’est une série incontournable, et on espère qu’elle sera reprise par une autre plateforme de streaming à l’avenir. Si vous aimez la science-fiction et la fantasy, vous ne pouvez pas vous tromper avec celui-ci.

Vidéo : L’image ici est évidemment plus propre, plus nette, plus nette, plus efficace et plus robuste. Les textures bénéficient d’une précision et d’une attention portée aux détails d’une finesse inégalée . Les gains de netteté globaux sont évidents autour du cadre, mais les détails fins de la peau et des vêtements sont immédiatement frappants pour l’augmentation assez importante de la complexité globale. Les fans adoreront l’opportunité de s’imprégner de la meilleure définition possible pour l’expérience de visionnement à domicile. L’étalonnage des couleurs HDR offre une amélioration considérable de la vivacité et de la profondeur des couleurs. Les améliorations du niveau de noir sont également évidentes, tout comme l’efficacité du teint. La balance des blancs est également grandement améliorée.

Audio L’audio est un composant essentiel pour l’expérience et la bande-son ne déçoivent pas. La piste maîtrise parfaitement les éléments les plus puissants et les plus subtils de la série Il y a un sentiment constant d’immersion sonore absolue et transparente dans les lieux du film, qu’il s’agisse de paysages ouverts sereins ou d’intérieurs chaotiques « OVNI » avec un son qui reproduit l’atmosphère suffocante, fermée et terrifiante. La piste engage dynamiquement les canaux surround arrière et aériens et ceux-ci sont utilisés de manière plus transparente que discrète. L’engagement musical est large et enveloppant avec un équilibre parfait et une clarté sans faille. Le dialogue est clair, bien hiérarchisé et centré sur la durée.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 17.4 x 13.7 x 1.4 cm; 100 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Ernest R. Dickerson, Sunu Gonera, Alex Gabassi, Lukas Ettlin Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 6 heures et 40 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 14 décembre 2022 Acteurs ‏ : ‎ Amanda Collin, Abubakar Salim, Travis Fimmel, Winta McGrath, Niamh Algar Doublé : ‏ : ‎ Anglais, Français Sous-titres : ‏ : ‎ Français, Néerlandais Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1), Allemand (Dolby Digital 5.1), Anglais (DTS-HD 5.1) Studio  ‏ : ‎ HBO

The Staircase avec Colin Firth (Acteur), Toni Collette (Acteur), Antonio Campos (Réalisateur), Leigh Janiak (Réalisateur)

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Chronique : La série documentaire notoire sur la mort de la femme d’un auteur obtient une fictionnalisation pleine d’étoiles qui pétille pratiquement de tension

Si vous ne saviez pas que c’était vrai, vous ne le croiriez pas. C’est le sens permanent laissé par la dernière mini-série de HBO Max The Staircase. Le drame en huit parties raconte l’histoire de Michael Peterson, dont la deuxième épouse, Kathleen, est décédée en décembre 2001. Il a affirmé l’avoir trouvée au pied de l’escalier qu’elle était tombée alors qu’elle était ivre et l’a bercée alors qu’il appelait les services d’urgence et elle a rendu son dernier souffle. La police de Durham, en Caroline du Nord, confrontée à un corps dont la tête « avait l’air d’avoir explosé » et qui semblait avoir rendu son dernier souffle assez longtemps avant l’appel, a estimé qu’il l’avait matraquée à mort. Peterson a été arrêté pour meurtre au premier degré. L’enquête qui a suivi a révélé un millefeuille de couches à l’homme, à la famille et à l’histoire.

Si tout cela vous semble familier, c’est peut-être parce qu’il a déjà fait l’objet d’une autre mini-série en huit épisodes : le documentaire primé Peabody 2004 du même nom de Jean-Xavier de Lestrade. Je ne sais pas à quel point quiconque a vu ce travail méticuleux, sans parler des cinq épisodes de suivi parus en 2013 et 2018, a besoin de ce qui est en fait une dramatisation de tout le terrain couvert là-bas. Mais pour ceux qui ne l’ont pas fait, ce dernier est sans aucun doute extrêmement convaincant. Pour ceux qui l’ont fait, considérez-le comme une version plus sophistiquée et prestigieuse de Fatal Vision de 1984 au lieu d’une pièce de réflexion gauloise vidé et voyez comment vous vous en sortez.

Il s’ouvre, brièvement, en 2017 avec Peterson (Colin Firth) s’habillant intelligemment et se préparant pour ce qui semble être une autre journée ordinaire au travail. Nous sommes ensuite renvoyés à la nuit fatidique de décembre, il y a 16 ans, alors qu’il passe un appel hystérique au 911 pour demander une ambulance. Ensuite, nous revenons à quelques mois auparavant, lorsque Michael, Kathleen (Toni Collette) et leurs enfants / pupilles (un de la relation précédente de Kathleen, quatre de Michael) se sont réunis pour un dîner en famille et l’envoi à l’université pour l’un d’eux. . Il y a des querelles entre les enfants, mais fondamentalement tout va bien. Le rêve américain vit.

Peterson (Firth) porte un toast à sa famille autour de la table du dîner

Des familles heureuses ?

Le drame entre et sort de diverses chronologies – 2017, les mois (puis les semaines, puis les jours, comptés soigneusement dans le coin de l’écran) menant à la mort de Kathleen et la préparation du procès de Peterson. Cela est sur le point de devenir désorientant – en particulier lorsque Lestrade (Vincent Vermignon) et son équipe de documentaires se présentent pour faire leur film – mais le saut dans la chronologie ajoute généralement à la tension croissante.

Et quelle tension il y a. Au début la famille est unie par l’horreur. Mais sous la pression, des fissures se forment. Au fur et à mesure que les preuves contre Michael se multiplient – sinon probantes de meurtre, du moins du fait qu’il n’est pas tout à fait l’homme qu’ils pensaient qu’il était – la famille commence à se fracturer. Les sœurs de Kathleen se retournent contre lui (Rosemarie DeWitt comme une, Candace, est une furie pure et froide); les enfants changent d’allégeance ou s’accrochent avec une foi de plus en plus aveugle et furieuse à leur croyance en l’unique parent qui leur reste ; et leur oncle Bill (Tim Guinee) est testé à la limite au fur et à mesure que les révélations s’accumulent et il est pris au dépourvu à chaque tournant. Comme Alice, lui et le spectateur ont parfois l’impression qu’on leur demande d’absorber six choses impossibles avant le petit-déjeuner.

Le système juridique américain fait également l’objet d’un examen minutieux. Nous voyons les avocats, Jim Hardin (Cullen Moss) et Freda Black (un Parker Posey magnifiquement silex), accumuler des faits mais décider des meilleurs «trucs» de poursuite avec lesquels les présenter, et d’autres en cours de route donner un coup de coude aux joueurs potentiels errants en place. Comme le documentaire, c’est tout autant un portrait de la façon dont on construit une vérité et de l’impossibilité, une fois l’humain dans toute sa complexité désordonnée, d’en découvrir jamais une seule, brillante, objective.

Firth et Collette sont, comme on pouvait s’y attendre, brillants. Le premier est glissant et arrogant, mettant en scène une performance qui oscille sur tant de bords – profondément aimant mais coercitif avec la famille, paralysé par le chagrin mais sociopathiquement détaché, indulgent mais narcissique – que vous ne pouvez pas vous empêcher de regarder pour voir si et de quelle manière il va tomber. Collette a moins de travail, mais l’évoque néanmoins dans un virage impressionnant en tant qu’épouse aimante placée périodiquement dans des situations impossibles. Nous la voyons naviguer dans des eaux domestiques agitées et des loyautés divisées d’une manière lasse, parfois désespérée, que beaucoup reconnaîtront.

The Staircase est montré comme un true crime véritablement passionnant et a su nous embarquer jusqu’à la dernière seconde.

Video : Le bruit est répandu même dans les scènes bien éclairées ;les problèmes de compression sont peu nombreux et les détails sont assez solides. Les gros plans montrent beaucoup de maquillage appliqué sur les personnages féminins tandis que les peaux et les pores du visage sont clairement visibles sur le visage de Colin Firth . La sortie couleur est excellente. Les sons sont complètement saturés avec beaucoup de punch et des nuances évidentes. La palette est diversement lumineuse et reste vraie même dans des scènes sombres et/ou brumeuses. Les niveaux de noir sont d’une profondeur satisfaisante et les tons chair sont parfaitement précis.

Audio La serie est livré avec un mix 5.1 solide comme le roc qui fait de son mieux pour simuler l’enfer que traversent cet homme Il est bien équilibré avec une bonne stratification et de la profondeur. La bande-son sans perte DTS-HD Master Audio 5.1 livre la marchandise. La piste est abondamment spacieuse et savamment équilibrée. La profondeur de la piste est importante. La basse est régulièrement intense, que ce soit à l’appui de la partition ou de l’action, et souvent une combinaison équilibrée des deux. La musique joue avec une présence scénique transparente, immergeant l’auditeur avec des notes super claires et une présence scénique bien définie, dominante le long de l’avant mais pas du tout timide à propos de l’étirement arrière. Les éléments d’action – divers bruits sourds sont tous finement détaillés et parfaitement placés. Les effets sonores ambiants sont vrais partout. La clarté du dialogue, le positionnement et la hiérarchisation sont excellents.

  • Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1
  • Classé ‏ : ‎ Tous publics
  • Dimensions du colis ‏ : ‎ 19.2 x 13.7 x 1.9 cm; 150 grammes
  • Réalisateur ‏ : ‎ Antonio Campos, Leigh Janiak
  • Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope, PAL
  • Durée ‏ : ‎ 8 heures et 39 minutes
  • Date de sortie ‏ : ‎ 14 décembre 2022
  • Acteurs ‏ : ‎ Colin Firth, Toni Collette, Olivia DeJonge, Rosemarie DeWitt, Parker Posey
  • Doublé : ‏ : ‎ Anglais
  • Sous-titres : ‏ : ‎ Français, Néerlandais
  • Langue ‏ : ‎ Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1)
  • Studio  ‏ : ‎ HBO
  • ASIN ‏ : ‎ B0BHTRBR9G
  • Pays d’origine ‏ : ‎ France
  • Nombre de disques ‏ : ‎ 3

365 jours sur Netflix : une date pour la fin de la franchise érotique sulfureuse

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Le troisième et dernier volet de la franchise érotique 365 Dni a une date de sortie pour cet été. À vos agendas !

L’été sera chaud (et drôle) sur Netflix ! Le troisième et dernier volet de la franchise érotique sulfureuse 365 Dni débarque bientôt sur la plateforme. C’est ce qu’a officiellement annoncé le géant américain sur son site officiel Tudum.

Après un premier volet problématique, qui avait cartonné en 2020, sa suite 365 jours au lendemain, beaucoup plus ridicule, s’était elle aussi rapidement hissé dans le Top 10 de la plateforme et avait été moquée pour ses nombreuses scènes de sexe et surtout une scène de golf « sensuelle » hilarante.

Alors même si cette franchise érotique adaptée de la série littéraire polonaise de Blanka Lipińska relève de l’expérience gênante et risible, on ne peut s’empêcher d’être curieux de voir ce que 365 Dni 3 va nous réserver. Netflix a annoncé que ce dernier volet sera disponible sur la plateforme le 19 août prochain. En anglais, le film est intitulé The Next 365 Days, à savoir les 365 prochains jours.

Ce troisième film, toujours réalisé par Barbara Białowąs et Tomasz Mandes, devrait donc suivre l’intrigue du dernier livre de la trilogie et même si on peut s’attendre à pouffer de rire, il faut aussi craindre le pire car « l’histoire d’amour » toxique entre Laura (Anna-Maria Sieklucka) et Massimo (Michele Morrone) sombre dans la violence dans les bouquins.

Reste à savoir si le film Netflix va suivre entièrement cette direction et si l’équipe va se risquer encore à faire face à des polémiques ou des moqueries de la part d’un public mi-fasciné, mi-dégoûté. Rendez-vous en été pour découvrir ce troisième volet, Les 365 prochains jours.

Mes très Chers Enfants avec Josiane Balasko (Acteur), Didier Bourdon (Acteur), Alexandra Leclère (Réalisateur)

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Chantal et Christian vivent une retraite paisible. Mais depuis que leurs enfants Sandrine et Stéphane ont quitté le nid, ceux-ci ne donnent plus beaucoup de nouvelles. Les occasions de se réunir en famille se font de plus en plus rares…

Chronique : Un couple de sexagénaire à la retraite vit paisiblement dans son pavillon de banlieue parisienne.
Tout pourrait être parfait dans le meilleur des mondes, malheureusement, leurs deux enfants font tout pour les éviter tout au long de l’année.
Quand un beau jour, poussés à bout, ils décident de faire semblant d’avoir gagner au loto, l’attitude des deux rejetons évoluent radicalement…
Alexandra Leclère réalise ici une satyre familiale au vitriol assez savoureuse malgré quelques maladresses et certaines lourdeurs.
Le duo Josiane Balasko / Didier Bourdon réussit le pari d’amuser la galerie dans cette ambiance cupide totalement nauséabonde.
Le fils (Ben) et la fille (Marilou Berry) sont quant à eux très bons dans le style progénitures intéressées et détestables !
Certaines situations déclenchent le rire, je me suis même pris d’un fou rire vers la fin !
Une comédie acide, cinglante, et assez amusante qui, sans être géniale, permet de se détendre de façon efficace.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.85:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 19 x 13.7 x 1.7 cm; 80 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Alexandra Leclère Format ‏ : ‎ Cinémascope, PAL, Couleur Durée ‏ : ‎ 1 heure et 31 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 20 avril 2022 Acteurs ‏ : ‎ Josiane Balasko, Didier Bourdon, Marilou Berry, Cédric Ben Abdallah, Laurent Stocker Doublé : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ UGC

Une Femme du Monde avec Laure Calamy (Acteur), Nissim Renard (Acteur), Cécile Ducrocq (Réalisateur)

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A Strasbourg, Marie se prostitue depuis 20 ans. Elle a son bout de trottoir, ses habitués, sa liberté. Et un fils, Adrien, 17 ans. Pour assurer son avenir, Marie veut lui payer des études. Il lui faut de l’argent, vite.

Chronique : C’est le premier long-métrage de Cécile Ducrocq. Elle est dans la continuité de son court-métrage La Contre-allée, déjà avec Laure Calamy, pour lequel elle avait eu le César du Meilleur court métrage en 2016.

J’ai trouvé qu’Une femme du monde était un très bon drame.

Ce film va parler de la prostitution et on va donc logiquement faire une petite mise en contexte. En France, l’exercice de la prostitution et le racolage sont permis mais l’achat de services sexuels est illégal et réprimé depuis la loi du 13 avril 2016. Ce qui est quand même tiré par les cheveux. Contrairement à nos voisins, le proxénétisme et les maisons closes sont interdits depuis la loi Marthe Richard du 13 avril 1946. En France, on dénombre entre 30.000 et 44.000 personnes prostituées, la grande majorité était des femmes.

Il va aborder le thème de la prostituait. Bien que le film ne s’étende pas trop sur les scènes de passe, il commence avec Marie en tête à tête avec un client. Cela nous plonge directement dans le bain sans pour autant montrer l’acte en soi On verra donc plus l’envers du décor avec une totale immersion auprès de cette travailleuse du sexe. Nous pourrons observer toute la difficulté de son métier que ce soit par les aspects légaux mais aussi la concurrence déloyale venue d’horizons exotiques. Il y aura d’ailleurs une partie revendicative intéressante. Il y a un discours clair sur les conditions précaires et ce que réclament ces femmes. De l’autre côté, on verra aussi les conséquences que cela a sur sa vie familiale avec son fils. C’est donc une mission de poids qu’à Marie sur ses épaules. Devoir rapporter de l’argent au foyer, tout en devant trouver un équilibre pour s’occuper de son adolescent.

Cette partie va donner tous l’enjeu à cette histoire. Au fur et à mesure l’évolution positive ou négative du fils, l’intensité va augmenter. Cela donne un véritable sens au combat de Marie. Elle fait tout pour donner une situation décence à son fils et c’est tellement émouvant. Son désespoir est touchant. C’est aussi lui qui fait ressortir toute la précarité à laquelle elle doit faire face. Finalement, cela va humaniser les travailleuses du sexe trop souvent à travers les yeux de reportage tapageur.

Je veux dire à quel point je suis admiratif de la prestation de Laure Calamy. Elle est tout simplement parfaite. J’aime la force émotionnelle qu’elle donne à son personnage. Il faut aussi saluer Nissim Renard qui est impeccable dans la peau du fils. Il dégage une rage et une violence relative au fait la situation de sa mère. C’est poignant. En rôle secondaire, on peut retrouver entre autres Romain Brau qu’on a vu récemment dans Haute couture.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1 Dimensions du colis ‏ : ‎ 19.1 x 13.7 x 1.4 cm; 80 grammes Audio description : ‏ : ‎ Français Réalisateur ‏ : ‎ Cécile Ducrocq Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope, PAL Durée ‏ : ‎ 1 heure et 33 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 6 avril 2022 Acteurs ‏ : ‎ Laure Calamy, Nissim Renard, Béatrice Facquer, Romain Brau, Maxence Tual Doublé : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ M6 Vidéo

How it Ends : Explication de la fin ! Est-ce la fin du monde ?

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Si vous souhaitez connaitre l’explication de la fin, lisez la suite ! Pour un film dont le titre traite de la fin, le final de How it Ends est étonnamment vague. Le thriller d’action de Netflix suit Will et Tom dans leur voyage à travers le pays pour sauver leur femme et leur fille, respectivement, d’un mystérieux événement apocalyptique qui balaie la nation.

Au cours de leur voyage, ils se heurtent à un manque de ressources de base et de décence humaine, alors que chaque personnage s’accroche à sa propre survie. À la fin de How it Ends, Will et Samantha se réunissent et jurent de ne plus jamais se quitter mais l’apocalypse est toujours là. La question que tout le monde se pose est donc la suivante : Will et Samantha survivront-ils à How it Ends ? On vous dit tout concernant la fin de How it Ends !

Explication de la fin de How it Ends

A la fin de How it Ends, Will finit par retrouver Sam, se rendant dans un Seattle recouvert de cendres pour découvrir qu’elle a laissé un mot pour lui griffonné sur le côté de leur appartement. Il la trouve dans la maison de Jeremiah. Jeremiah a l’air de manigancer quelque chose, et il n’aime pas Will. Will a des soupçons et, après une conversation tendue dans les bois, il tue Jeremiah. Au moment où il le fait, une explosion se produit à proximité. Puis, Will fait monter Sam dans la voiture et ils partent, une énorme explosion les suivant de près.

How It Ends sur Netflix a, ironiquement, une fin déroutante. Will et sa fiancée Sam, enceinte, montent dans leur voiture, une Jeep à quatre roues volée à une autre famille, et partent vers le soleil couchant. C’est comme Thelma & Louise à l’envers : Au lieu de se jeter d’une falaise, ils dérapent devant une ville qui explose.

Leur avenir est incertain. L’explosion de la ville est incertaine. La grossesse de Sam, un point majeur de l’intrigue pendant au moins 15 minutes du film, est incertaine. En fait, toute leur relation est incertaine, étant donné que quelques minutes auparavant, un autre personnage a insinué que lui et Sam avaient couché ensemble. How It Ends est un film de fin du monde sans fin narrative réelle.

how it ends fin

Le fait que la catastrophe ne soit jamais précisée est peut-être le but du film : lorsque le monde prendra fin, nous ne remarquerons peut-être pas que l’apocalypse est en train de se produire.

La fin de How It Ends peut signifier plusieurs choses. Elle pourrait signifier que How It Ends se prépare pour une suite. Cela pourrait signifier qu’il s’agit d’une simulation où la violence individuelle déclenche des catastrophes climatiques, ce qui en fait un récit édifiant. Cela pourrait signifier que c’était vraiment la fin du monde, mais que nous n’avons pas pu voir Will et Sam mourir à l’écran.

L’actrice Kat Graham a déclaré en interview qu’elle pense que la fin est censée être ouverte parce que la fin du monde est ouverte. On ne sait pas ce qui va se passer. « Elle pourrait être ouverte ou s’arrêter là, et je pense que c’est ce qui rend ce film si spécial », a-t-elle déclaré.

Quel que soit le côté de l’argument de la conclusion auquel vous appartenez, il y a beaucoup à disséquer dans le film. Que vous soyez un réaliste révisant frénétiquement ses propres plans en cas d’apocalypse ou un romantique ayant des visions de la future famille de Will et Samantha, How It Ends offre une fin à laquelle beaucoup ne cesseront de penser.