Lorsque « Wonder Woman » est sorti en 2017, c’était une bouffée d’air frais passionnante, à la fois dans le royaume plus sombre des adaptations de DC Comics et dans le contexte plus large des superproductions estivales gonflées. Le film de la réalisatrice Patty Jenkins offrait à parts égales muscle et cœur, avec un équilibre tonal parfait entre action transportante et humour doux, spectacle éblouissant et romance charmante. L’élément crucial en son centre était l’incroyablement charismatique Gal Gadot , qui était plus qu’un étourdissant magnifique et sculptural. Elle rayonnait de bonté, de lumière et d’espoir d’une manière contagieuse, qui vous faisait croire au pouvoir des super-héros au-delà des platitudes faciles sur le fait de faire ce qui est bien et de protéger l’humanité.

Gadot reste une figure gagnante et séduisante dans «Wonder Woman 1984», et elle conserve son lien authentique avec le public, mais la machinerie autour d’elle est devenue plus grande et plus lourde. C’était peut-être inévitable, l’envie de créer une suite pour rendre tout plus sauvage et plus brutal, plus tentaculaire et compliqué. Dans le processus, cependant, la qualité qui a fait du film original un tel plaisir a été presque entièrement écrasée. Et pourtant, la fondation du scénario que Jenkins a co-écrit avec Geoff Johns et Dave Callaham , basé sur William Moulton Marston. Les personnages originaux de, est assez simple: c’est une accusation de cupidité, de notre désir légitime d’avoir ce que nous voulons et de l’avoir maintenant. L’histoire se déroule au plus fort de la consommation ostentatoire de l’ère Reagan, d’où le titre, mais le point que «WW84» fait sur la nature destructrice de l’avarice est certainement pertinent aujourd’hui.

Trop souvent, cependant, l’instinct en évoquant cette période est de se vautrer dans une nostalgie évidente – des cols sautés sur des polos pastel, un jeu Centipede à l’arcade, un libraire B. Dalton au centre commercial à trois étages très éclairé. Il y a même le montage obligatoire des vêtements pour permettre au pilote ressuscité de la Première Guerre mondiale de Chris Pine de s’émerveiller devant le ridicule des pantalons de parachute. (Aussi: breakdance! Qu’est-ce que c’est que ça?) Nous reviendrons à Steve dans la minute, et à l’idée potentiellement intrigante que représente son retour.

Mais ce qui est également décevant dans le scénario de «WW84», c’est qu’il semble appartenir à un film sorti dans les années 80. Son dispositif de conduite d’intrigue serait parfaitement à l’aise dans une comédie de haut niveau: une pierre ancienne qui vous accorde immédiatement tout ce que vous souhaitez, entraînant à la fois des détournements farfelus et des catastrophes massives. C’est une notion banale dans le sens de « Weird Science » et «Zapped !,» un récit édifiant dans lequel la réalisation fantastique ne donne finalement pas la satisfaction attendue par ses personnages.

La séquence d’ouverture du film est bien plus convaincante, un flash-back sur un moment charnière de la vie de la jeune Diana, des années avant qu’elle ne devienne Wonder Woman. En tant que fille sur l’île magique de Themiscyra (jouée une fois de plus par Lilly Aspell , bien placée et parfaitement lancée ), elle participe à un défi ardu de force et d’habileté contre des femmes deux fois son âge et sa taille. Toute cette section monte en flèche – le travail de la caméra et le montage nous placent au cœur de l’action, et la partition de Hans Zimmer nous entraîne. La mémoire établit également efficacement l’intrépidité et la capacité de Diana, ainsi que l’importante leçon qu’elle apprend sur la nature de la vérité qui deviendra pertinente plus tard. C’est le point culminant du film; rien d’autre ne lui égalera en termes de cohésion visuelle ou d’impact émotionnel.

Flash avant 1984. Diana Prince vit maintenant à Washington DC (au Watergate, de manière amusante) et travaille comme archéologue au Smithsonian, utilisant son expertise et ses compétences linguistiques pour étudier des artefacts anciens. Être sans âge fait d’elle une silhouette glamour et élégante mais solitaire. (La costumière Lindy Hemming joue de la taille de Gadot et de l’héritage de son personnage en la plaçant dans des tenues majestueuses et drapées qui soulignent sa longueur.) Nous voyons Diana assise seule à une table dans un café en plein air, souriant aux passants, aspirant à faire un connexion. C’est le moment le plus émouvant du film.

Ainsi, quand la nouvelle collègue de souris, la Dre Barbara Minerva, arrive et demande docilement si elle aimerait déjeuner, Diana ne sait pas trop comment répondre car elle n’a pas vraiment d’amis. Mais les deux se sont vite entendus, car Barbara est également inadaptée à sa manière. Kristen Wiig est subtilement hilarant dans ces premières scènes en tant que chercheur doucement maladroit et chaleureux. La chimie qu’elle et Gadot partagent lorsqu’ils se rencontrent pour prendre un verre à l’heure de l’apéro, le Washington Monument brillant derrière eux au loin, m’a fait souhaiter qu’ils jouent à la place dans une comédie de copains dépareillée. Le rôle permet à Wiig de livrer ses lignes avec l’impasse sournoise et autodérision qui est sa marque de fabrique; cela semble sans effort mais nécessite en fait une précision extrême. Mais la regarder s’étirer et devenir une figure méchante au fur et à mesure que le film progresse a ses propres joies. C’est un énorme changement de rythme pour la comédienne, et elle se montre à la fois physiquement et émotionnellement.

Vous voyez, Barbara met la main sur une pierre mystérieuse qui entre dans le laboratoire, qu’elle et Diana déterminent qu’elle est celle qui accorde un souhait au porteur. Diana souhaite pouvoir à nouveau être avec son amour, Steve Trevor de Pine, maintenant décédé depuis sept décennies. Barbara souhaite qu’elle puisse ressembler davantage à Diana: confiante, forte, sexy. Mais alors – comprenez ceci – toute une autre personne entre dans le laboratoire sous prétexte d’être un bienfaiteur, alors qu’il veut réellement la pierre pour ses propres fins néfastes. C’est Pedro Pascal en tant qu’escroc de télévision aux cheveux moelleux Maxwell Lord, un faux magnat du pétrole promettant la prospérité aux masses. Fabriquant une façade riche et vivant au-dessus de ses moyens, Maxwell Lord est un archétype de l’époque. Mais au-delà de sa soif éhontée de pouvoir et de respect, il n’y a pas grand chose à ce personnage, et le portrait de Pascal devient de plus en plus caricatural. Artiste sensible, il a eu l’occasion de montrer plus de portée sous son casque et son armure en acier Beskar sur «The Mandalorian».

La majeure partie de la durée excessive de la «Seconde Guerre mondiale» est consacrée au chaos qui s’ensuit lorsque l’accomplissement des souhaits se déchaîne. Le script serpente maladroitement entre ces trois personnages alors qu’ils explorent leurs nouveaux pouvoirs ou les conséquences de leurs choix. En cours de route, les règles pour souhaiter sur la pierre changent de la manière qui convient pour que l’intrigue continue de fonctionner. Mais des moments vraiment passionnants émergent sur le chemin de l’apogée génériquement brillante et bruyante, y compris une poursuite palpitante à travers le désert égyptien qui permet à Diana de révéler à la fois sa débrouillardise et sa gentillesse. Et la transformation de Barbara de scientifique sans prétention à séductrice est un plaisir à voir, principalement parce que l’évolution de ses vêtements et de ses cheveux est si grande et qu’elle semble s’amuser le plus à l’écran.(On ne peut pas en dire autant de Gadot et de Pine cette fois, dont la connexion est étrangement inerte malgré le caractère poignant potentiel d’être réuni avec votre seul véritable amour.) Bien sûr, Barbara se transforme finalement en la méchante bande dessinée Cheetah et ressemble à un réfugié de « Chats », mais jusque-là, son arc est l’élément le plus intéressant du film.

À la fin de cet incendie de Dumpster d’une année, cependant, « Wonder Woman 1984 » offre une évasion bienvenue, ainsi qu’un message d’espoir bien nécessaire. Nous prendrons ces diversions là où nous pouvons les obtenir ces jours-ci, soit dans un théâtre, soit depuis la sécurité de votre canapé à la maison. C’est bon. Parfois, il monte même en flèche. Mais cela aurait pu être merveilleux.

Un professeur de musique épris de jazz se retrouve dans la vie d’avant dans cette beauté existentielle de Pixar du réalisateur de Up and Inside Out

Son animation Pixar typiquement ambitieuse se présente comme un croisement de rêve fébrile entre Fantasia de Disney et Powell et A Matter of Life and Death de Pressburger , avec un soupçon bizarre de The Lovely Bones de Peter Jackson pour faire bonne mesure. L’histoire d’un professeur de musique qui perd la vie mais découvre son âme, c’est une émeute visuellement somptueuse d’idées, dressée quelque part entre une comédie musicale ludique, une comédie divine et un drame métaphysique.

Tout comme le film Minions s’est ouvert aux délicieux sons d’hélium de ses héros joyeusement «ba-ba-BA» – reprenant le célèbre thème Universal, Soul commence avec l’hymne Disney distinctif assassiné de manière jazz par un groupe scolaire discordant. Si le professeur de musique Joe Gardner (Jamie Foxx) pouvait souhaiter une star, il souhaiterait être ailleurs, de préférence tinter les ivoires dans un club échangiste. Le rêve de Joe devient réalité quand il reçoit un appel tardif lui demandant de s’asseoir avec la saxophoniste de jazz branchée Dorothea Williams (Angela Bassett). L’audition se passe bien – si bien, en fait, que Joe part la tête dans les nuages ​​et tombe aussitôt à mort dans un trou d’homme ouvert.

Jusqu’ici, tellement burlesque. Pourtant, se trouvant sur un escalier mobile menant au Grand Au-delà, et déterminé à ne pas rater la chance de sa vie, Joe court dans l’autre sens et se retrouve dans le Grand Avant , un pays rêveur où les âmes protéiformes se voient attribuer des «personnalités uniques et individuelles» avant d’être envoyé sur Terre. Ici, il rencontre 22 (Tina Fey), qui a refusé de prendre sa place dans le monde réel malgré les meilleurs efforts d’une série d’enseignants, dont Gandhi, Lincoln et Mère Teresa («Je l’ai fait pleurer»). C’est donc à Joe désincarné qu’il incombe de l’aider à trouver son étincelle, avec des résultats inattendus de changement de corps.

Co-écrit et réalisé par Pete Docter, Soul partage bon nombre des traits de ses précédentes sorties, Up and Inside Out . Comme ce dernier, il aborde des questions existentielles (la construction de la personnalité; la nature contre la culture) à travers le langage accessible de l’animation – comme une revisitation théologiquement tirée du bande dessinée The Numskulls . Et comme Up , dans lequel un vieil homme redécouvre le sens de la vie après avoir transformé sa maison en un dirigeable propulsé par un ballon à hélium, il lie son message rédempteur à un complot étrangement alambiqué qui trébuche parfois sur ses propres lacets narratifs.

Il est facile de devenir blasé sur l’éclat visuel, à la fois technique et artistique, de la production de Pixar, mais Soul est vraiment un régal pour les yeux. De la clarté presque photo-réaliste des scènes terrestres (les intérieurs du club de jazz donnent le travail de Damien Chazelle sur The Eddy pour son argent) à l’étrangeté d’un autre monde des segments hors du corps, c’est un plaisir à regarder. Soyez témoin de la beauté physique tangible des doigts de Joe flottant sur les claviers alors que la musique le transporte dans une autre dimension, juxtaposée à la merveilleuse étrangeté des créatures d’un autre monde qui ressemblent à des dessins au trait trippants de Fred Flintstone tels que réinventés par Picasso.

Avec une partition originale de Trent Reznor et Atticus Ross, et des compositions et des arrangements de jazz de Jon Batiste (le chef de groupe ambassadeur de The Late Show de Stephen Colbert ), Soul a du piquant musical à revendre. Foxx, qui a remporté un Oscar dans le rôle de Ray Charles, donne une profondeur émotionnelle au premier rôle principal afro-américain de Pixar, avec le co-réalisateur / scénariste Kemp Powers (ainsi que des consultants tels que l’anthropologue Dr Johnnetta Cole ) veillant à ce que les références culturelles du film frappent juste le bonne note.

Quand Ma Rainey, la « mère du blues », enregistre un disque en studio à Chicago, en 1927, les tensions s’exacerbent entre elle, son agent – blanc –, son producteur et les membres de son groupe.

Chronique : Quelle claque! J’avais peur d’un cadre trop restreint et que adaptation ne se détache pas assez de son support initial mais tout le contraire. L’écriture est incroyable, les personnages tous très intéressants. La musique, pièce centrale du film est parfaite.

En 2016, Denzel Washington a produit, réalisé et joué dans l’adaptation à l’écran de la pièce Fences d’August Wilson en 1985 , remportant un Oscar de l’actrice de soutien pour Viola Davis, ainsi que des hochements de tête pour le meilleur acteur, la meilleure image et une nomination à titre posthume pour le scénario de Wilson, décédé en 2005. Davis est de retour dans la course aux récompenses pour son rôle de dynamite en tant que «Mère du blues» Gertrude «Ma» Rainey dans cette dernière adaptation à l’écran de l’œuvre de Wilson, sur laquelle Washington sert à nouveau de producteur. Comme Fences , il présente un tour de force, avec Chadwick Boseman au sommet de son art dans ce qui s’avérera tragiquement être son dernier rôle à l’écran. Pourtant, comme son prédécesseur , les origines théâtrales de Le blues de Ma Raineyy pèse lourd sur ce film, réalisé avec un air scénique par George C Wolfe, lauréat du prix Tony.

À la fin des années 1920 à Chicago, l’atmosphère humide d’un studio d’enregistrement miteux est rendue plus chaude par les tensions brûlantes entre musiciens, producteurs, managers et une star de plus en plus récalcitrante. La session comprendra la coupe de la chanson signature de Ma Rainey – un disque vendable qui rapportera sans aucun doute plus pour ses soutiens blancs que n’importe lequel des joueurs noirs qui composent la musique.

La plupart sont résignés à leur sort, vivant stoïquement de concert en concert. Mais le jeune joueur de cor Levee (Boseman), qui vole la vedette à Ma dans une séquence passionnante au début, a de plus grands projets. Non seulement il a des créations sur l’hymne bluesy de Ma, mais il rêve aussi de diriger son propre groupe et d’enregistrer ses propres chansons. Quant à Rainey, elle est enchaînée à son jeune neveu, Sylvester (Dusan Brown), pour faire entendre l’intro de sa chanson, malgré le fait que son bégaiement ajoutera simplement plus de prises (et donc plus de temps) à l’enregistrement déjà tumultueux.

Il est clair dès le départ qu’il y a une méthode d’acier dans la folie apparemment chaotique de Rainey. De son arrivée tardive dans un accident de voiture à son insistance tenace pour que le groupe continue de jouer l’intro jusqu’à ce que Sylvester fasse les choses correctement (et soit payé pour ses efforts), tout est conçu pour s’assurer qu’elle est aux commandes. C’est une bataille que Rainey a combattue toute sa vie, et Davis dépeint avec brio à la fois la position vulnérable et l’esprit indomptable de cette silhouette robuste, avec des yeux de feu qui brillent à travers les ombres sombres et le rouge battu de son maquillage, tenant fièrement son terrain.

En revanche, Levee est un arnaqueur au pied léger, hérissé de fierté pour ses nouvelles chaussures de fantaisie, esquivant et plongeant dans un monde dans lequel il a appris dès son plus jeune âge à cacher sa colère derrière un sourire. Boseman, qui a obtenu les coups de pied de James Brown dans le sous-estimé Get on Up , se hérisse d’énergie nerveuse en tant que petit nouveau sur le bloc, tranchant et pétillant. Le directeur de la photographie Tobias A Schliessler capture parfaitement la danse physique qui se joue entre ces deux personnages disparates, permettant aux actions et au mouvement de parler plus fort que les mots.

C’est donc dommage que malgré les meilleurs efforts du scénariste Ruben Santiago-Hudson, une grande partie de cela ressemble toujours à une collection de décors théâtraux, qu’il s’agisse de discours prononcés avec émotion sur Dieu, l’histoire et les cicatrices de l’enfance, ou une tragédie du troisième acte qui aurait produit des halètements sur scène mais se sent étrangement artificiel à l’écran. La musique Sterling, la conception de la production et le travail des costumes de Branford Marsalis, Mark Ricker et Ann Roth ajoutent respectivement à un ensemble élégant, mais ce sont les performances qui gagnent la journée.

La deuxième année du Mandalorien se termine en beauté alors que Mando s’attaque au monde pour sauver Baby Yoda. Oh, et avons-nous mentionné le retour des Jedi … ou le nouveau spin-off? ** CONTIENT DES SPOILERS **

Après une série de catastrophes, The Mandalorian (Pedro Pascal) commence la finale de la saison deux à un reflux bas. Il a perdu son vaisseau, ses armes, son Baby Yoda – bon sang, il a même dû abandonner son casque la semaine dernière. Il est sur le pied arrière et hors de sa profondeur, avec seulement une bande hétéroclite de hors-la-loi prêts à affronter toute la force des forces impériales de Moff Gideon (Giancarlo Esposito). Publicité

Mais c’est Star Wars, non? Les gentils ne triomphent-ils pas toujours? La Force n’est-elle pas toujours, vraiment, avec nous? Eh bien, oui – mais cela ne veut pas dire qu’il n’y avait pas quelques obstacles à la victoire en cours de route.

L’épisode commence par quelques scènes d’action rapides (littéralement), avec le gang qui s’empare de l’expert en clones, le Dr Pershing (envoyant quelques jumeaux impériaux impertinents, une phrase que je n’aurais jamais pensé écrire) et recrutant un camarade. Mandaloriens dont Bo-Katan (Katee Sackhoff).

Après un peu de tension entre les Mandaloriens et les non-Mando Boba Fett (Temuera Morrison), qui mène à un autre affrontement amusant (si bref), il ne faut pas longtemps avant que cette Suicide Squad intergalactique se sépare pour prendre d’assaut le croiseur de Moff Gideon dans un cheval de Troie rusé manœuvre. Mais une fois qu’ils sont dedans, ils font face à plus que la folie habituelle des Stormtrooper, avec le droïde mortel Death Troopers de Gideon qui constitue une menace plus sérieuse (et assez effrayante).

Bien que The Mandalorian soit parfois critiqué pour avoir pris un certain temps pour en arriver au fait, cette finale est une affaire, arrivant à l’assaut principal assez tôt dans l’épisode et se déplaçant rapidement à travers les battements à partir de là. Une combinaison des séquences de braquages ​​sournois réguliers de la série (alors que Mando chasse Baby Yoda dans l’ombre) et des infiltrations de l’étoile de la mort de la trilogie originale, c’est une échelle agréable pour la série Disney + (rappelez-vous quand la finale de la saison 1 n’était qu’un combat de une petite ville?) qui ne se construit qu’au fur et à mesure que l’épisode continue.

Alors que l’assaut réussit dans un premier temps, une escouade de Dark Troopers (semblant positivement démoniaque) se libère bientôt pour menacer Mando, et la série fait un excellent travail pour les établir comme une menace plus grande – puissante, implacable et presque indestructible – qui est tout le plus impressionnant étant donné la plaisanterie des soldats droïdes dans les préquelles de Star Wars.

Pourtant, la véritable cible de l’équipe est Moff Gideon de Giancarlo Esposito. Et après quelques saisons d’accumulation, il parvient enfin à faire son meilleur discours de méchant faisant tournoyer la moustache, jammant sur l’ordre à la mode impériale classique avant une bataille assommante sabre contre Beskar que les fans espèrent depuis des semaines.

Oui, la lance Beskar de Tchekhov est finalement entrée en jeu, et bien que brève, la bataille était une casquette amusante à mettre sur une saison qui a vraiment élargi le potentiel d’action de TV Star Wars.

Bientôt, cependant, nous étions de retour dans un territoire plus familier. Avec Moff Gideon capturé et semant déjà la discorde dans les rangs (malheureusement, après avoir remporté le sabre noir au combat, Din ne pouvait pas simplement le remettre à Bo-Katan, qui n’était venu que pour le prendre), la tension était percée par l’arrivée d’ encore plus de Dark Troopers, qui reviennent dans l’histoire comme des robots rock-em sock-em.

Mais alors, mais alors. Un seul X-Wing vint à la rescousse… Les oreilles de Grogu se déployèrent… les Dark Troopers arrêtèrent leur assaut… et une silhouette familière en robe entra en jeu.

«Un Jedi», a chuchoté l’un de nos héros. Un avec un sabre laser vert et les compétences suffisantes (bien montrées à l’écran) pour se frayer un chemin à travers les Dark Troopers, alors même qu’il s’approchait lentement du bébé Yoda fasciné.

OK, cela a fait que les Dark Troopers semblaient moins une menace après tout – mais alors Luke Skywalker n’est pas n’importe quel Jedi. Peut-être que nous lui laisserons celui-ci.

Oh, avons-nous dit Luke Skywalker? Oui, émergeant de la fumée, son sabre laser dessiné comme son père n’était autre que le sauveur de la galaxie… mais avec un regard légèrement différent de celui auquel nous sommes habitués… offrant de prendre Grogu sous sa protection. La qualité du fonctionnement de Mark Hamill peut dépendre de la résolution de votre téléviseur, mais peu importe – Luke Skywalker est de retour!

C’est un retour étonnant et attendu depuis longtemps… mais sagement, le Mandalorien sait concentrer son énergie sur son appariement central. Dans un adieu déchirant où Din dit à Baby Yoda «n’ayez pas peur», il enlève son masque volontairement pour la première fois, montrant son visage pour voir son enfant.

«Que la Force soit avec vous», dit Luke en s’éloignant, Baby Yoda en main, et je suis sûr que beaucoup de fans auront été aussi dévastés que Din Djarin de le voir s’éloigner sous une musique inspirante. Ce n’est certainement pas la fin de ce partenariat?

Eh bien, pour l’instant, nous devrons attendre et voir. L’épisode se termine avec la séparation de Mando et Grogu, avec un grand point d’interrogation sur la façon dont la série continue d’avancer. La série essaiera-t-elle vraiment de ne pas inclure son plus gros argument de vente, ou va-t-elle concocter une nouvelle façon de réunir son duo central? Et que va même faire Mando maintenant que sa quête est terminée?

Cependant, nous avons un indice amusant sur ce qui pourrait être la prochaine étape pour un autre membre masqué de l’équipe de Mando, avec une piqûre post-crédits (qui vaut toujours la peine de regarder le générique) voyant Boba Fett et Fennec (Ming-Na Wen) reprendre ce qui reste de Le palais de Jabba de Return of the Jedi. Sentons-nous un autre spin-off alors que Boba prend le trône de Jabba? Eh bien, oui – Le livre de Boba Fett est annoncé à la fin de cet épisode, en décembre 2021. Il est temps d’ajouter celui-là à la liste.

De retour à l’épisode proprement dit, la séparation de Mando et Grogu est une fin un peu douce-amère à ce qui a été une formidable saison de télévision. Dans l’ensemble, la deuxième année de The Mandalorian a été un grand pas en avant par rapport à la première saison, qui a admirablement taillé un petit coin de l’univers de Star Wars avec style et courage lors de ses débuts en 2019.

Mais après cette saison deux, les enjeux ont augmenté de presque toutes les manières. Il était une fois, le retour canonique de Boba Fett en live-action aurait été capital – ici, c’est l’une des nombreuses intrigues secondaires formant la riche tapisserie du monde de Din Djarin.

Ces épisodes ont été passionnants, bien dirigés et – surtout cette année-là par-dessus tous les autres – unissant, un véritable moment culturel avec les fans qui écoutent et discutent de la série dans le monde entier.

À l’avenir, l’univers de Disney + Star Wars devrait devenir encore plus grand, avec quelques personnages issus directement de la saison 2 de The Mandalorian, et je suis aussi excité que quiconque de voir ce qui va suivre.

Mais j’espère aussi que malgré toute l’excitation, The Mandalorian pourra continuer à prospérer sur le bord extérieur de la franchise. Si rien d’autre, je doute fort que quiconque – y compris cette série – en ait encore fini avec Baby Yoda.

Un autre personnage classique de « Star Wars » apparaît dans le dernier épisode de « The Mandalorian », réalisé par Robert Rodriguez.

Boba Fett est de retour!

OK, ce n’est donc pas la seule chose qui s’est produite dans le dernier opus de «The Mandalorian», mais même dans un épisode plein de surprises, le retour du légendaire chasseur de primes était facilement le point culminant. Comme l’épisode stellaire de la semaine dernière , « Chapitre 14 – La tragédie » a donné à Mando (Pedro Pascal) une excuse pour faire équipe avec un personnage  » Star Wars  » préféré des fans pour toutes sortes de scènes d’action tout en continuant à faire avancer le récit central de la saison. En ce qui concerne le titre de l’épisode, il y a en effet eu plusieurs événements tragiques au cours de ses 30 minutes, mais nous y reviendrons dans un instant.

«Chapitre 14» s’ouvre avec Mando et Grogu (la marionnette anciennement connue sous le nom de Baby Yoda) en route vers Tython pour trouver, espérons-le, un Jedi capable de former correctement Grogu dans les voies de la Force. Les liens du duo ont été mis en évidence tout au long de la saison 2 et le «chapitre 14» souligne le chemin parcouru depuis que Mando a involontairement rencontré Grogu lors de la première de la série en 2019. Il est difficile de discerner les émotions de Mando sous toute cette armure, mais son petit rire chaque temps Grogu répond immédiatement à son nom et l’écoute activement pour démentir le fait qu’il a une affection claire pour l’enfant. Cela dit, Mando comprend également que les manières de la Force, ou «trucs Jedi», d’utiliser sa terminologie, sont au-delà de sa compréhension et est déterminé à terminer sa mission pour le bien de Grogu, même si cela signifie perdre son meilleur ami.

Et donc, ils atterrissent sur Tython. C’est un peu décevant que les débuts en direct de Tython ne servent principalement que de toile de fond montagneuse fade pour l’action qui s’ensuit – Tython détient une valeur de tradition significative pour la franchise et était la planète où l’Ordre Jedi est né – mais c’est mineur plainte, étant donné le rythme serré de l’épisode et une myriade d’autres points forts.

En ce qui concerne l’action qui s’ensuit, peu de temps est perdu avant que l’excursion de Mando et Grogu ne passe de côté. Grogu commence finalement à méditer sur la pierre que le duo cherchait, et quelque chose se passe. Les résultats de la tentative de Grogu d’atteindre un Jedi seront vraisemblablement révélés à une date ultérieure, mais en attendant, Grogu est entouré d’une sorte de champ de force tout en méditant et Mando découvre un navire particulier se préparant à atterrir à proximité.

Comme les fans de la franchise le reconnaîtront immédiatement, ce vaisseau particulier se révèle être l’esclave de Boba I.

L’entrée de Boba (Temeura Morrison, qui a incarné Jango Fett, le père de AKA Boba, dans le film «Attack of the Clones» de 2002) est gérée avec l’enthousiasme auquel on peut s’attendre pour un personnage aussi légendaire: Slave I descend on the planet, suivi par Mando ducking d’une tempête de coups de semonce d’un assaillant invisible. Boba parle hors écran avant d’apparaître comme une silhouette encapuchonnée, puis se révèle à Mando en entier et explique sèchement sa présence. La révélation du visage de Boba pourrait ne pas avoir le même impact que la première apparition d’Ahsoka dans l’épisode de la semaine dernière – ce n’est pas comme si Boba avait révélé son visage dans la trilogie originale du film «Star Wars» et le personnage ne revêt son armure emblématique que plus tard dans l’épisode – mais l’incarnation de Morrison du chasseur de primes est si parfaite que cela n’a guère d’importance.

Boba a suivi Mando pour acquérir son armure, et il a amené un autre personnage populaire pour terminer le travail. Fennec Shand (Ming-Na Wen), l’assassin d’élite qui a apparemment été laissé pour mort lors de la première saison de la série, a été sauvé par Boba – oui, ces bottes à la fin du cinquième épisode de la saison 1 étaient effectivement portées par Boba – est son nouveau partenaire, et a encore un compte à régler avec Mando. Une brève mais nécessaire exposition est abandonnée pour Mando et les téléspectateurs qui ne connaissent pas l’histoire de Boba et Fennec, et les trois acceptent rapidement de mettre de côté leurs différences lorsqu’une petite armée de Stormtroopers descend sur la planète.

Et avec cela, le réalisateur de l’épisode Robert Rodriguez (qui fait un superbe début de réalisateur «mandalorien») relâche les rênes pour environ 11 minutes d’action non-stop. Mando, Fennec et en particulier Boba obtiennent leurs moments sous les projecteurs de l’action et il y a un mélange louable des fusillades de blaster attendues et de l’utilisation d’outils de meurtre plus éclectiques, tels qu’un rocher géant et le bâton Gaderffi de Boba traditionnellement utilisé par Tusken Raiders (mêlée brutale de Boba Les séquences sont particulièrement satisfaisantes, mais mec , regarder les Stormtroopers se faire matraquer à mort rend vraiment leur armure prétendument haut de gamme complètement pathétique.)

Les choses vont bien pour les protagonistes. Puis le Star Destroyer de Moff Gideon (Giancarlo Esposito) détruit le vaisseau de Mando d’un seul coup.

Le navire de Mando a traversé l’enfer dans la saison 2 et le regarder se mettre en pièces en un instant était un coup de poing vraiment inattendu – Mando se souciait probablement plus de ce vaisseau qu’autre chose, sans son armure et Grogu.

Mando peut à peine enregistrer sa perte avant que Gideon envoie une escouade de Dark Troopers (les Battle Droids évoqués plus tôt dans la saison ) après Grogu. Les Dark Troopers n’ont pas beaucoup de temps à l’écran, mais leur présence sinistre est encore renforcée par un thème palpitant de Ludwig Göransson, dont le travail toujours fantastique sur «The Mandalorian» ne peut être surestimé. Les Dark Troopers éloignent Grogu et Mando se retrouve sans son vaisseau ni son ami. «La tragédie», en effet.

Étant donné que Boba et Fennec n’ont pas réussi à tenir leur part de l’accord – Mando abandonnerait son armure si Boba et Fennec protégeaient Grogu – le trio fait la paix et partit pour Navarro pour voir si Cara Dune (Gina Carano) peut trouver une avance sur Gideon. La prochaine cible de Mando – et probablement l’objet de l’épisode de la semaine prochaine – se révèle être Mayfeld (Bill Burr), l’ex-impérial grossier qui est apparu dans la saison 1.

Quant à Grogu, la scène de clôture de l’épisode montre la créature lançant avec colère deux Stormtroopers avec la Force pendant que Gideon observe à proximité. Tout comme la brève scène de la saison 1 de «The Mandalorian» où Grogu Force a étouffé Cara Dune lors d’un match de bras de fer inoffensif, il y a quelque chose de terrifiant à regarder la petite créature utiliser violemment ses pouvoirs de Force considérables en raison de son état émotionnel – c’est presque comme si Grogu est une version bébé non formée de Yoda. (Haleter!)

On ne sait toujours pas exactement quels sont les plans de Gideon pour Grogu ou si Boba et Fennec apparaîtront dans les deux épisodes restants de la saison, mais « The Tragedy » a placé les enjeux plus élevés que jamais pour Mando.

De retour dans sa ville natale de l’Ohio après un appel téléphonique urgent, un étudiant en droit de Yale explore l’histoire de sa famille et sa propre destinée.

Chronique : On n’attendait pas Ron Howard dans ce type de chronique très marquée ciné indépendant américain. En effet, le monsieur est davantage connu pour ces grosses productions telles que « Da Vinci Code », « Appolo 13 » ou le dernier spin-off de « Star Wars » sur Han Solo. Honnête faiseur qui écume Hollywood depuis bientôt quarante ans, il est aussi l’auteur de films un peu plus intimes et très réussis tels que « Rush » ou « Au cœur de l’océan ». Il semble que le monsieur ait voulu retrouver vers un cinéma plus libre des contraintes de studios en travaillant sur l’adaptation de ce best-seller autobiographique de J.D. Vance. Mais il semblerait qu’il ait en ligne de mire les Oscars – et les récompenses en général – qu’il n’avait plus fréquenté depuis la razzia de « Un homme d’exception » il y a près de vingt ans. Avec « Une ode américaine » on plonge dans une famille dysfonctionnelle et pauvre de l’Amérique profonde et avec la notion de déterminisme social qui irrigue tout le long-métrage. En effet, on suit les jeunes années de J.D. par le biais d’un montage alterné pas forcément utile ni efficace. D’un côté on assiste à des bribes de son enfance/adolescence entre le Kentucky et l’Ohio profonds où il doit conjuguer avec l’absence du père, une famille pauvre, une mère bipolaire et toxique et une grand-mère aimante mais autoritaire. De l’autre, sa vie d’étudiant à Yale où il tente de se construire un avenir, loin de ces origines rednecks, mais que son passé tente de rattraper. La saga familiale puissante et mémorable attendue n’est pas au rendez-vous mais « Une ode américaine » développe assez de charme pour être à la fois plaisant et satisfaisant. Howard a du métier derrière la caméra et il plaque quelques effets de ses mises en scènes de grosses productions sur ce petit drame, ce qui lui conféré un certain style sans pour autant rendre la réalisation inadéquate ou ostentatoire. Amy Adams et Glenn Close font ce qu’on attend d’elles grâce à des compositions extrêmes faisant clairement de l’œil à l’Académie des Oscars. Postiches, prise de poids, visage au naturel ou enlaidi et accent du cru pour des compositions bigger than life clairement irréprochables quoiqu’un manquant de naturel et un peu forcées. Ces deux qualités font néanmoins le sel du long-métrage. Mais l’impression d’avoir déjà vu ce genre de chronique familiale, destinée à rendre la vie des ploucs exotiques pour une certaine catégorie de spectateurs, a déjà été vue maintes fois avec plus ou moins de brio mais surtout des références plus qualitatives (de « The Fighter » à « Killer Joe » en passant par « Les Brasiers de la colère » pour ne citer que les plus récents). Le héros incarné par Gabriel Dano manque de charisme et de force de jeu, son côté fade n’aide pas face à des compositions monstres comme celles de ses partenaires. On attendait également quelque chose de plus politisé en filigrane, notamment au vu du contexte actuel, et cette immersion dans l’Amérique des laissés pour compte manque de sous-texte(s). Finalement ce mélange entre drame et récit d’apprentissage (et d’échappatoire à sa condition) est assez captivant et distrayant, parfois émouvant, mais ne restera pas dans les annales. La peinture de ce milieu social est connue et même s’il adapte un roman, Ron Howard aurait pu y apporter plus de densité et de personnalité.

Note : 8/10