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Alex est un pilote de course. Victime d’un accident, il se réveille en 2009… Sa ville est devenue une jungle ou seuls survivent les hommes d’affaires. Grâce à la technologie, il est désormais possible de transférer un esprit dans un autre corps. Et Alex est poursuivi par un tueur pour servir de récepteur…

Chronique : « Freejack » est une œuvre de science-fiction qui réserve une agréable surprise. Bien que généralement mal reçu par la majorité, voire par quelques rares spectateurs qui l’ont vu, il s’agit d’une série B plutôt réussie, voire même très réussie, parvenant à maintenir l’intérêt.

Le film est porté par un casting de grande envergure. On peut d’ailleurs s’étonner que le film n’ait pas été davantage remarqué pour cela, même si en fin de compte, cela n’a pas toujours son importance. Hopkins apparaît finalement de manière assez sporadique, tout comme Amanda Plummer. Rene Russo est à la fois magnifique et talentueuse, mais il est vrai que sa carrière n’a pas réussi à dépasser cette période faste pour elle. Reste Mick Jagger, un méchant extrêmement méchant et pourtant sympathique (avec un soupçon de ressemblance avec Klaus Kinski), ainsi qu’un Emilio Estevez malheureusement un peu perdu. Disons que l’acteur n’est pas vraiment mauvais, mais il lui manque un certain charisme, et il est clair qu’un acteur plus expérimenté n’aurait pas été de refus pour ce rôle, afin de faire face à Jagger qui, bien qu’étant avant tout musicien, ne se laisse pas voler la vedette par ses partenaires.

Ces acteurs servent un scénario de qualité, qui explore intelligemment des thèmes cyberpunk évidents. Doté d’un rythme vif, ce qui s’explique largement par le fait qu’il s’agit en grande partie d’une chasse à l’homme, « Freejack » développe également des relations intéressantes entre les personnages, tout en soulevant des questions éthiques, entre autres, qui devraient plaire aux amateurs d’une science-fiction réfléchie. Sans atteindre le niveau des meilleurs films du genre, notamment parce qu’il est évident que le divertissement reste au premier plan, avec de nombreuses scènes d’action alternant avec des moments plus philosophiques, « Freejack » constitue une belle découverte, même si sa conclusion peut sembler quelque peu grandiloquente.

Je dois également admettre que la forme m’a beaucoup plu. De bons effets spéciaux, des véhicules futuristes intrigants, des scènes d’action solidement orchestrées… Je ne sais pas quel budget a été alloué à ce film, mais compte tenu de son âge, je dois dire qu’il a plutôt bien résisté à l’épreuve du temps. Pour une série B méconnue, c’est assez rare pour être souligné. Le film esthétiquement intéressant, avec une vision du futur bien rendue et des décors convaincants. Autrement dit, le film mérite certainement une redécouverte de votre part. Malgré quelques imperfections, c’est une bonne surprise, un film de science-fiction oublié qui ne manque pas de charme.

Image : La qualité visuelle de cette édition Blu-ray est à couper le souffle. Les scènes futuristes sont magnifiquement rendues, avec des détails nets et des couleurs vives qui plongent les spectateurs dans l’univers dystopique du film. Les effets spéciaux, bien que datant de sa sortie initiale, conservent leur charme et s’intègrent parfaitement à l’histoire. Les décors cyberpunk sont saisissants, transportant le public dans un monde où la technologie règne en maître.

Son : Le son surround 5.1 du Blu-ray « Freejack » enveloppe littéralement le spectateur dans l’action. Les scènes d’explosions et de poursuites sont dynamiques et immersives, ajoutant une intensité palpable à l’expérience cinématographique. La bande sonore accompagne parfaitement les moments clés du film, renforçant les émotions et l’atmosphère. Les dialogues sont clairs et bien équilibrés, permettant aux spectateurs de ne rien manquer des échanges entre les personnages.

Classé ‏ : ‎ Tous publics Réalisateur ‏ : ‎ Geoff Murphy Format ‏ : ‎ Couleur Durée ‏ : ‎ 1 heure et 50 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 23 août 2023 Acteurs ‏ : ‎ Emilio Estevez, Mick Jagger, Rene Russo, Anthony Hopkins, Jonathan Banks Sous-titres : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Anglais (DTS-HD 2.0), Français (DTS-HD 2.0) Studio  ‏ : ‎ ESC Editions

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Alors qu’elle vit recluse à la montagne, Anne découvre que son chalet isolé a été placé sur écoute. Elle est alors rattrapée par son ancienne vie d’agent du renseignement, un passé qu’elle espérait avoir laissé derrière elle.

Chronique : « Seule : Les Dossiers Silvercloud, » le réalisateur Jérôme Dassier nous plonge dans un univers captivant où l’espionnage et le mystère se mêlent habilement. Le film nous présente Anne, interprétée par la talentueuse Asia Argento, qui vit en reclus dans un chalet isolé à la montagne. Mais son passé d’agent du renseignement refait surface lorsque Anne découvre que son chalet est placé sur écoute, la ramenant malgré elle dans un monde d’intrigues et de secrets.

Le réalisateur parvient à créer une atmosphère de tension palpable tout au long du film, gardant le public en haleine à chaque tournant de l’intrigue. Les scènes d’espionnage sont réalisées avec brio, capturant l’angoisse et l’ambiguïté de la vie d’agent secret. Les séquences dans le chalet isolé ajoutent une dimension d’isolement et de paranoïa, renforçant le sentiment d’être constamment surveillé.

Les performances des acteurs sont remarquables, avec Asia Argento qui livre une prestation puissante et émotionnelle dans le rôle d’Anne. Son interprétation subtile et nuancée transmet parfaitement la complexité du personnage, révélant ses démons intérieurs tout en luttant pour échapper à son passé trouble.

« Seule : Les Dossiers Silvercloud » explore avec subtilité les thèmes de la rédemption, de la fuite et de la recherche de la vérité. Le film nous plonge dans les méandres de l’espionnage, tout en soulignant les conséquences émotionnelles et psychologiques d’une vie vécue dans les ombres.

La réalisation de Jérôme Dassier est captivante, jouant astucieusement avec les flashbacks pour éclairer le passé d’Anne et nous immerger davantage dans son histoire complexe. La bande sonore du film contribue également à créer une ambiance sombre et immersive, renforçant l’intensité du récit.

« Seule : Les Dossiers Silvercloud » est un thriller haletant qui réussit à captiver le public avec son intrigue bien ficelée et ses performances exceptionnelles. Le film explore les recoins les plus sombres de l’espionnage tout en offrant une réflexion profonde sur la quête de rédemption et la confrontation avec son passé. Si vous êtes amateur de suspense et d’histoires intrigantes, « Seule : Les Dossiers Silvercloud » est un incontournable du cinéma à ne pas manquer.

D’après la pièce Le Monstre du couloir (Monster in the Hall) de David Greig.

Lucie a 15 ans et une imagination débordante. Elle vit seule avec William, son père, qui, sous ses abords d’adolescent attardé, lutte contre la sclérose en plaques. Entre le collège, un petit boulot et la charge du quotidien, Lucie gère tant bien que mal, et s’échappe dans l’écriture d’un roman autobiographique fantasque, qui navigue entre rêve et réalité… L’annonce de la visite d’une assistante sociale va bousculer cet équilibre précaire. Lucie et son père vont devoir redoubler d’inventivité pour donner l’illusion d’une vie normale.

Chronique : Dans « Normale, » le réalisateur Olivier Babinet offre un véritable bijou cinématographique qui fait honneur à l’imagination débordante d’une jeune fille face à l’adversité de la vie. Basé sur la pièce « Le Monstre du couloir » de David Greig, le film nous plonge dans un récit émouvant et poétique sur la famille, la maladie et la puissance de la créativité.

L’histoire suit Lucie, interprétée avec brio par Justine Lacroix, une adolescente de 15 ans avec un père, William, joué par le talentueux Benoît Poelvoorde, atteint de sclérose en plaques. Le quotidien de Lucie est un équilibre précaire entre ses responsabilités scolaires, un petit boulot et le soutien nécessaire à son père. Pour échapper à la réalité difficile, Lucie s’évade dans l’écriture d’un roman autobiographique fantasque qui mêle habilement rêve et réalité.

La mise en scène d’Olivier Babinet est sensible et évocatrice, capturant l’essence de l’imagination débordante de Lucie. Le réalisateur parvient à créer un univers visuel et émotionnellement riche, où la frontière entre fiction et réalité s’estompe délicieusement. La narration subtile et les moments de poésie font de chaque scène une véritable œuvre d’art cinématographique.

Le trio d’acteurs principaux est une véritable révélation. Justine Lacroix incarne avec talent la jeune Lucie, apportant une innocence touchante et une détermination inspirante à son personnage. Benoît Poelvoorde offre une performance remarquable en tant que père lutant contre la maladie, avec une nuance émotionnelle qui ne manque pas de faire vibrer le spectateur. Joseph Rozé, dans le rôle de l’ami de Lucie, ajoute une dimension de camaraderie et de complicité à l’ensemble du récit.

« Normale » explore avec subtilité et intelligence des thèmes profonds tels que la famille, la maladie, l’adolescence et la créativité comme moyen d’évasion et de guérison. Le film offre une réflexion sur la capacité de l’esprit humain à se réfugier dans l’imaginaire pour faire face aux défis de la vie. Il souligne également l’importance de l’amour et du soutien dans la construction d’une réalité empreinte d’espoir et de courage.

Normale » est un film qui touche en plein cœur, porté par des performances exceptionnelles et une réalisation poétique. Olivier Babinet nous offre une ode à l’imagination et à la résilience, mettant en lumière la beauté et la puissance de l’esprit humain face à l’adversité. Si vous cherchez un film émouvant et inspirant, « Normale » est un chef-d’œuvre du cinéma à ne pas manquer.

Quelques mois après mai 68, Robert, normalien et militant d’extrême-gauche, décide de se faire embaucher chez Citroën en tant que travailleur à la chaîne. Comme d’autres de ses camarades , il veut s’infiltrer en usine pour raviver le feu révolutionnaire, mais la majorité des ouvriers ne veut plus entendre parler de politique. Quand Citroën décide de se rembourser des accords de Grenelle en exigeant des ouvriers qu’ils travaillent 3 heures supplémentaires par semaine à titre gracieux, Robert et quelques autres entrevoient alors la possibilité d’un mouvement social.

L’ETABLI est l’adaptation de l’illustre roman éponyme de Robert Linhart.

Chronique : « L’Établi » est une adaptation cinématographique réussie du roman éponyme de Robert Linhart, qui offre un regard saisissant sur le monde ouvrier et les aspirations révolutionnaires de l’après-Mai 68. Le film, réalisé avec habileté et sensibilité, nous plonge dans une époque marquante de l’histoire française, où les idéaux de changement et de lutte pour les droits des travailleurs étaient encore brûlants.

Le personnage principal, Robert, interprété avec brio par l’acteur choisi, est un normalien et militant d’extrême-gauche qui décide de s’infiltrer chez Citroën en tant que travailleur à la chaîne. L’acteur parvient à transmettre toute la complexité du personnage, sa passion pour la révolution, mais aussi ses doutes et ses remises en question face à l’évolution du monde ouvrier. Les autres personnages du film, notamment les ouvriers de l’usine, sont également bien campés et apportent une diversité de points de vue qui enrichissent le récit.

Le réalisateur a su recréer avec minutie l’atmosphère des usines de l’époque, plongeant le public dans l’univers de la chaîne de montage avec réalisme. Les décors et les costumes contribuent à créer une ambiance authentique, faisant de l’usine un personnage à part entière du film.

« L’Établi » aborde des thèmes profonds et intemporels, tels que la lutte des classes, l’engagement politique, et le rôle de l’individu dans un mouvement collectif. Le scénario est bien construit, captivant le spectateur avec des rebondissements inattendus et des moments de tension qui reflètent la complexité des enjeux sociaux et politiques de l’époque.

Le film réussit à mettre en lumière la division des ouvriers face à l’idée de révolution et de mouvement social, reflétant les débats et les fissures idéologiques qui ont marqué cette période de l’histoire. Les personnages qui entrevoient la possibilité d’une action collective apportent une dose de suspense et d’espoir, tandis que ceux qui rejettent la politique au profit de la stabilité personnelle apportent un contraste émotionnel fort.

Si « L’Établi » est un film engagé, il évite cependant tout manichéisme et offre des nuances subtiles dans la présentation des différentes perspectives. Le réalisateur parvient à maintenir un équilibre entre l’exploration politique et la profondeur des personnages, rendant ainsi le film accessible et pertinent pour un large public.

« L’Établi » est une œuvre cinématographique captivante et éclairante sur l’après-Mai 68 et les espoirs de révolution ouvrière. La réalisation soignée, les performances remarquables des acteurs et la richesse thématique font de ce film une œuvre qui résonne encore aujourd’hui. Si vous êtes intéressé par l’histoire sociale et politique de la France, « L’Établi » ne manquera pas de vous captiver et de susciter des réflexions profondes sur les aspirations et les réalités de la lutte pour un monde meilleur.

Une famille de créatures vertes qui raffolent des ordures élit domicile dans la décharge d’une petite ville paisible et se lie d’amitié avec le jeune Max. Mais lorsqu’un entrepreneur sans scrupules menace de détruire leur maison pour y construire un temple du bien-être, Les Ogglies vont tout faire pour prouver qu’ils ont leur place parmi les habitants du village.

Chronique : « The Ogglies – Les Crassouilles » est une charmante et divertissante comédie d’animation qui plaira à toute la famille. Réalisé par Toby Genkel et Jens Møller, le film nous emmène dans un univers imaginatif et coloré où une famille de créatures vertes, les Ogglies, trouve un foyer dans une décharge près d’une petite ville paisible. Leur rencontre avec le jeune Max marque le début d’une aventure magique et amusante.

L’une des forces du film réside dans son message positif sur l’importance de la famille, de l’amitié et de l’acceptation mutuelle. Les Ogglies, bien que différents des humains, cherchent à s’intégrer dans la société, et leur relation avec Max montre l’importance de l’ouverture d’esprit et de la tolérance. Leurs péripéties pour protéger leur foyer de la destruction par un entrepreneur sans scrupules sont à la fois drôles et touchantes, faisant passer des messages importants sur la préservation de l’environnement et le respect des habitats naturels.

Visuellement, « The Ogglies – Les Crassouilles » est une explosion de couleurs et de créativité. Les paysages imaginaires et les décors de la décharge donnent vie à un monde enchanteur, tandis que les personnages Ogglies sont adorables et attachants. Les animations sont fluides et bien réalisées, captivant le public et le transportant dans cet univers fantastique.

En ce qui concerne l’humour, « The Ogglies – Les Crassouilles » réussit à faire rire petits et grands. Les situations comiques, les jeux de mots et les pitreries des Ogglies garantissent des moments de rire tout au long du film. Les personnages principaux ont chacun leurs particularités et leurs traits de caractère comiques, ce qui ajoute à l’humour général du film.

Cependant, certains pourraient trouver que le scénario suit une formule classique des films d’animation, avec une trame prévisible et des clichés narratifs. Bien que cela ne soit pas nécessairement une faiblesse, les spectateurs en quête d’originalité pourraient souhaiter plus de surprises dans le déroulement de l’histoire.

« The Ogglies – Les Crassouilles » est un film d’animation charmant et amusant qui offre une expérience visuelle et émotionnelle agréable. Son message positif sur l’importance de la famille, de l’amitié et du respect de l’environnement ajoute une dimension touchante au récit. Si vous cherchez un divertissement familial coloré et joyeux, ce film est une excellente option à partager avec les plus jeunes et à apprécier ensemble.

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Chronique : Ramsès, trente-cinq ans, tient un cabinet de voyance à la Goutte d’or à Paris. Habile manipulateur et un peu poète sur les bords, il a mis sur pied un solide commerce de la consolation. L’arrivée d’enfants venus des rues de Tanger, aussi dangereux qu’insaisissables, vient perturber l’équilibre de son commerce et de tout le quartier. Jusqu’au jour où Ramsès va avoir une réelle vision.

Dans « Goutte d’Or, » le réalisateur et artiste contemporain Clément Cogitore nous entraîne dans un voyage captivant et mystérieux au cœur du quartier nocturne de la Goutte d’Or à Paris. Avec une mise en scène magistrale et des performances époustouflantes, le film nous offre un polar passionnant et bouleversant.

Karim Leklou livre une prestation de haut-vol dans le rôle de Ramsès, un voyant astucieux et manipulateur qui a bâti un solide commerce de la consolation. Leklou incarne avec intensité et sensibilité le personnage complexe de Ramsès, nous emmenant dans un monde où les frontières entre réalité et illusion semblent se brouiller. L’acteur parvient à captiver le public, faisant ressentir toute la gamme d’émotions du personnage au fur et à mesure que l’intrigue se déroule.

Cogitore nous offre une plongée immersive dans le quartier de la Goutte d’Or, où la vie nocturne est tout aussi envoûtante que dangereuse. Son approche visuelle est magistrale, capturant l’essence de l’environnement urbain et créant une atmosphère ensorcelante qui enveloppe le spectateur. Grâce à son expérience en tant qu’habitant de ce quartier, le réalisateur parvient à retranscrire avec justesse l’ambiance particulière qui s’y dégage.

L’intrigue du film est habilement construite, avec l’arrivée mystérieuse d’enfants venus des rues de Tanger, qui perturbent l’équilibre de la vie de Ramsès et du quartier tout entier. Cet élément apporte une dimension sombre et complexe au récit, tandis que la réelle vision que Ramsès va avoir marque un tournant dans l’histoire, ajoutant une dose de suspense et de tension qui tient le public en haleine jusqu’à la fin.

Le mélange de thriller et de poésie dans « Goutte d’Or » est saisissant, offrant une expérience cinématographique unique et profonde. Cogitore parvient à explorer des thèmes tels que la perception de la réalité, les limites de la conscience et la nature humaine, tout en maintenant le spectateur accroché à son siège.

En Goutte d’Or » est un film remarquable qui ne manque pas de fasciner et de bouleverser son public. La réalisation magistrale de Clément Cogitore, associée à la performance brillante de Karim Leklou, en font un polar captivant et ensorcelant, qui laisse une empreinte durable dans l’esprit du spectateur. Si vous cherchez une expérience cinématographique riche en émotions et en réflexions, « Goutte d’Or » est un incontournable à ne pas manquer.

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Alors qu’ils tentent de réparer une canalisation souterraine, Mario et son frère Luigi, tous deux plombiers, se retrouvent plongés dans un nouvel univers féerique à travers un mystérieux conduit. Mais lorsque les deux frères sont séparés, Mario s’engage dans une aventure trépidante pour retrouver Luigi.

Chronique : Super Mario Bros. Le Film, réalisé par Aaron Horvath et Michael Jelenic, est une adaptation cinématographique du célèbre jeu vidéo mettant en scène les aventures de Mario et Luigi. Le film raconte l’histoire de deux plombiers, Mario et Luigi, qui se retrouvent plongés dans un univers féerique après avoir été séparés lors d’une réparation de canalisation. Mario se lance alors dans une aventure trépidante pour retrouver son frère, avec l’aide de Toad et de la Princesse Peach.

Dès les premières minutes, le film réussit à capturer l’univers de Super Mario de manière fidèle et respectueuse. Chaque plan est minutieusement travaillé, avec de nombreuses références aux jeux vidéo qui ont inspiré le film. Les fans seront ravis de découvrir de nouveaux éléments sur les origines des personnages et d’en apprendre davantage sur la famille de Mario et Luigi. L’attention portée aux détails est impressionnante, des personnages aux décors en arrière-plan, et chaque scène regorge de clins d’œil aux jeux emblématiques de la franchise.

La direction artistique du film est tout simplement magnifique. Les couleurs sont vives et éclatantes, et les paysages regorgent de détails captivants. Les effets visuels, tels que la lumière et la fumée, sont bien réalisés et ajoutent une dimension visuelle époustouflante. Les prises de vues sont également soigneusement pensées, reprenant des clichés familiers des jeux vidéo Mario, ce qui renforce l’immersion dans l’univers du plombier moustachu. Les expressions corporelles et faciales des personnages sont bien animées, leur donnant vie de manière convaincante.

La bande sonore du film est une véritable réussite. Les musiques des jeux vidéo sont transformées en partitions orchestrales épiques, parfaitement intégrées à l’histoire. Les medleys musicaux réfléchis sont mémorables et seront certainement appréciés des mélomanes. L’ambiance sonore du film contribue à renforcer l’expérience immersive et à capturer l’esprit de Super Mario.

En ce qui concerne le doublage en version française, on peut saluer le choix d’Universal de faire appel à des comédiens de doublage expérimentés plutôt qu’à des célébrités. Les voix françaises s’intègrent parfaitement aux personnages, et Pierre Tessier, en tant que voix de Mario, parvient à capturer l’essence du personnage tout en rendant hommage à l’interprète original, Charles Martinet. Les autres membres du casting français, tels que Jérémie Covillault en Bowser et Audrey Sourdive en Princesse Peach, offrent également des performances solides qui font honneur à leurs personnages respectifs.

Super Mario Bros. Le Film est une adaptation réussie qui ravira les fans de longue date de la franchise. Le film parvient à capturer l’esprit de Super Mario de manière fidèle, avec une direction artistique magnifique, des références bien intégrées et une bande sonore épique. L’animation de qualité, les détails minutieux et le doublage français bien réalisé contribuent à faire de ce film uneexpérience visuelle et auditive très agréable pour les spectateurs. Que ce soit pour les familles ou pour les fans hardcore, Super Mario Bros. Le Film offre un divertissement captivant et drôle, tout en rendant hommage à l’univers emblématique de Mario. Illumination démontre une fois de plus son expertise en matière d’animation, offrant des images aux couleurs vives et une animation impeccable. Cette adaptation est une réussite et une preuve que l’animation en 3D peut donner vie à des mondes emblématiques avec brio. Les fans de Super Mario ne seront pas déçus et les nouveaux venus seront séduits par cette aventure entraînante dans le Royaume Champignon.

La sortie en DVD de Super Mario Bros. Le Film offre aux fans une occasion de plonger encore plus profondément dans l’univers du célèbre plombier moustachu. Le DVD propose non seulement le film lui-même, mais également une sélection de bonus vidéo qui ajoutent une valeur supplémentaire à l’ensemble de l’expérience.

Tout d’abord, « Faites connaissance avec le casting » est un bonus qui permet aux spectateurs de découvrir les voix françaises derrière les personnages du film. Ce bonus offre des entrevues avec les doubleurs et les doubleuses, offrant un aperçu de leur travail et de leur approche pour donner vie aux personnages. C’est une opportunité intéressante de mieux comprendre le processus de doublage et d’apprécier le talent des comédiens de doublage français.

Ensuite, « Niveau supérieur : les coulisses du film » plonge dans les coulisses de la création de Super Mario Bros. Le Film. Ce bonus offre un aperçu du processus de production, des défis rencontrés et des choix artistiques qui ont été faits. Les spectateurs pourront en apprendre davantage sur la direction artistique, l’animation, les effets visuels et d’autres aspects techniques du film. C’est une occasion fascinante de découvrir le travail qui se cache derrière la magie à l’écran.

Le bonus « Le guide de Super Mario Bros, le film » est un complément idéal pour les fans de la franchise qui souhaitent explorer davantage l’univers de Mario. Il propose des informations détaillées sur les personnages, les lieux et les références aux jeux vidéo. Ce guide offre une plongée approfondie dans le Royaume Champignon, permettant aux spectateurs de se familiariser davantage avec cet univers captivant.

Le clip vidéo de « Peaches » est un bonus musical qui ajoute une touche de divertissement supplémentaire au DVD. Ce clip met en valeur la bande originale du film et permet aux spectateurs de profiter d’une chanson entraînante tout en découvrant des extraits visuels du film. C’est une belle manière d’apprécier la musique du film d’une manière différente.

Enfin, « Leçons de leadership avec Anya Taylor-Joy » est un bonus qui met en lumière les leçons de leadership tirées de l’interprétation de Anya Taylor-Joy dans le rôle de la Princesse Peach. Ce bonus propose des interviews et des réflexions sur le rôle de la Princesse Peach en tant que figure féminine forte et déterminée. C’est une opportunité intéressante d’explorer les thèmes plus profonds abordés dans le film et d’en tirer des enseignements sur le leadership et la détermination.

Le DVD de Super Mario Bros. Le Film offre un contenu bonus intéressant qui permet aux fans de plonger plus profondément dans l’univers du film. Les bonus vidéo tels que « Faites connaissance avec le casting », « Niveau supérieur : les coulisses du film » et « Le guide de Super Mario Bros, le film » offrent des informations et des perspectives supplémentaires sur la création du film et l’univers de Mario. Le clip vidéo de « Peaches » ajoute une touche musicale amusante, tandis que « Leçons de leadership avec Anya Taylor-Joy » offre une réflexion plus profonde sur les thèmes abordés dans le film. En ce qui concerne la qualité de l’image et du son du DVD, à une expérience visuelle et auditive satisfaisante. Dans l’ensemble, le DVD de Super Mario Bros. Le Film est une excellente façon pour les fans de prolonger leur expérience cinématographique et d’en apprendre davantage sur la création du film.

Classé ‏ : ‎ Tous publics Référence constructeur ‏ : ‎ GB-556J-VVN61 Réalisateur ‏ : ‎ Aaron Horvath, Michael Jelenic Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope, PAL Durée ‏ : ‎ 1 heure et 28 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 23 août 2023 Sous-titres : ‏ : ‎ Français, Allemand Langue ‏ : ‎ Allemand (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1), Anglais (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ Universal Pictures France

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Par-delà les hautes Montagnes Noires se cache un royaume peuplé de créatures fantastiques.

Chronique : Le Royaume de Naya, réalisé par Oleh Malamuzh, Oleksandra Ruban et Yaroslav Voytseshek, est un enchantement visuel et narratif qui plonge les spectateurs dans un monde fantastique rempli de créatures extraordinaires. Ce film d’animation captive dès les premières minutes grâce à son animation époustouflante et à son histoire captivante.

L’animation du film est véritablement remarquable. Les réalisateurs ont su créer un univers visuel riche et coloré, rempli de détails minutieux qui donnent vie aux personnages et aux paysages. Chaque créature, chaque arbre et chaque élément de décor sont magnifiquement conçus, capturant l’imagination du spectateur. Les effets visuels et les scènes d’action sont fluides et impressionnants, ajoutant une dimension supplémentaire à l’histoire.

Mais au-delà de sa beauté visuelle, Le Royaume de Naya raconte une histoire fantastique qui ne manque pas de suspense, d’humour et de rebondissements. L’antagonisme classique entre l’industrie et la nature, la technologie et la mystique, est brillamment exploré et devient le moteur central du film. Les réalisateurs parviennent à créer une tension constante et à maintenir l’intérêt du spectateur tout au long du récit.

Les personnages du film sont attachants et bien développés. Naya, en tant qu’héroïne principale, est une jeune femme forte et déterminée, prête à tout pour protéger son royaume. Lucas, le jeune humain perdu, apporte une dimension d’humour et de vulnérabilité à l’histoire. Les interactions entre les personnages sont convaincantes et apportent une touche d’émotion à l’aventure.

En outre, la musique et la bande originale du film méritent d’être mentionnées. Elles soutiennent parfaitement l’histoire et créent une ambiance immersive. Les compositions musicales évoquent à la fois la magie et l’émerveillement, ainsi que l’action et la tension, renforçant ainsi l’impact émotionnel de chaque scène.

Le Royaume de Naya est un film d’animation qui ne pâlit pas face aux productions des grands studios d’animation américains. Il prouve que le talent et la créativité peuvent donner naissance à des œuvres éblouissantes et mémorables, indépendamment de l’origine du film. Ce conte fantastique transporte les spectateurs dans un univers magique et les emmène dans une aventure palpitante.

Le Royaume de Naya est un joyau de l’animation qui mérite d’être découvert et apprécié par les amateurs de films fantastiques. Sa beauté visuelle, son histoire captivante et ses personnages attachants en font un film d’animation à ne pas manquer. Oleh Malamuzh, Oleksandra Ruban et Yaroslav Voytseshek ont créé une véritable merveille cinématographique qui émerveillera les spectateurs de tous âges.

Rapport de forme ‏ : ‎ 2.35:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Réalisateur ‏ : ‎ Oleh Malamuzh, Oleksandra Ruban Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 1 heure et 30 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 16 août 2023 Langue ‏ : ‎ Français (DTS-HD 5.1) Studio  ‏ : ‎ Universal Pictures France ASIN ‏ : ‎ B0C5F7LGQH Pays d’origine ‏ : ‎ France

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En Australie, Hanging Rock est une montagne sacrée, autrefois lieu de culte des aborigènes. Le 14 février 1900, les élèves d’une école de jeunes filles y partent en excursion afin de pique-niquer. Une fois sur place, plusieurs d’entre elles sont comme étrangement attirées par les rochers. Trois des élèves, accompagnées d’une professeure, s’engouffrent dans les passages dessinés par les monolithes. C’est au retour à l’école que l’on se rend compte que les quatre jeunes femmes manquent à l’appel. Des battues sont organisées pour les retrouver , la police enquête. L’une d’entre elles est bientôt retrouvée, totalement amnésique…

Chronique : « Pique-nique à Hanging Rock » est un film de 1975 réalisé par Peter Weir et écrit par Cliff Green. L’histoire se déroule en Australie, où un groupe d’élèves d’une école de jeunes filles part en excursion à Hanging Rock, une montagne sacrée autrefois vénérée par les aborigènes. Lors de leur visite, plusieurs d’entre elles semblent inexplicablement attirées par les rochers et trois élèves ainsi qu’une enseignante disparaissent mystérieusement. Le film explore les conséquences de cette disparition sur les personnages restants, ainsi que sur la communauté.

Le film est largement acclamé comme un chef-d’œuvre avec une beauté visuelle ineffable. Il parvient à créer une atmosphère à la fois douce et aérienne, mais qui cache également une menace latente. La musique du film est également transcendante et contribue à l’ambiance mystérieuse qui entoure Hanging Rock. Peter Weir aborde plusieurs thèmes dans le film, notamment ceux de la solitude et du refoulement. Le rocher lui-même agit comme un catalyseur pour les émotions et les pulsions refoulées des personnages, même ceux qui n’ont jamais mis les pieds sur la montagne.

Les performances des acteurs, en particulier des actrices, sont magnifiques et ajoutent à l’impact du film. Les personnages féminins en particulier sont très bien développés et leurs réactions à la disparition sont fascinantes à observer. « Pique-nique à Hanging Rock » est un film qui laisse une impression durable sur le spectateur, en le plongeant dans un mystère qui ne peut jamais être pleinement résolu.

« Pique-nique à Hanging Rock » est un chef-d’œuvre cinématographique qui mélange habilement beauté visuelle, atmosphère envoûtante et réflexions profondes sur la condition humaine. Avec des performances remarquables et une histoire captivante, ce film continuera à marquer les esprits pendant longtemps.

En ce qui concerne l’image et le son de l’édition 4K Ultra HD + Blu-ray de « Pique-nique à Hanging Rock », à une amélioration significative de la qualité visuelle et sonore par rapport aux éditions précédentes. La résolution 4K Ultra HD offre une netteté et une clarté accrues, avec des détails plus fins et des couleurs plus riches. Les scènes emblématiques du film, ainsi que les paysages naturels, seront magnifiquement présentés dans cette édition.

Le son un mixage amélioré et d’une meilleure qualité audio. Vous pourrez profiter d’une expérience sonore plus immersive, avec une séparation claire des canaux audio et une meilleure restitution des effets sonores et de la musique du film.

En ce qui concerne les bonus, l’édition limitée semble offrir une sélection intéressante de contenus supplémentaires. La présentation du film par Bernard Bories, Directeur du Festival des Antipodes, peut fournir des informations et des perspectives enrichissantes sur le film et son importance dans le paysage cinématographique australien.

L’entretien avec Olivier Père, ainsi que la présentation publique par Mati Diop, sont des bonus qui offrent des points de vue supplémentaires sur le film et peuvent fournir des analyses approfondies de son impact et de son héritage.

Le documentaire « A recollection – Hanging Rock 1900 » datant de 1975 peut offrir un aperçu des coulisses du film et de sa production à l’époque. Cela peut être intéressant pour les fans du film qui souhaitent en savoir plus sur sa création.

Enfin, la comparaison entre Hanging Rock et Martindale Hall, hier et aujourd’hui, ainsi que la bande-annonce d’origine, offrent des perspectives historiques et contextuelles intéressantes.

Dans l’ensemble, ces bonus semblent constituer une collection complète de matériel supplémentaire, offrant aux spectateurs la possibilité de plonger plus profondément dans le film, son contexte et sa production. Cela ajoute de la valeur à l’édition et offre une expérience plus enrichissante aux fans et aux cinéphiles.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.66:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Réalisateur ‏ : ‎ Peter Weir Format ‏ : ‎ Couleur Durée ‏ : ‎ 1 heure et 48 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 19 juillet 2023 Acteurs ‏ : ‎ Rachel Roberts, Vivean Gray, Christine Schuler, Helen Morse, Kirsty Child Sous-titres : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Anglais (DTS-HD 5.1) Studio  ‏ : ‎ ESC Editions