Une mère célibataire et ses deux filles arrivent à Taipei pour ouvrir une petite cantine au cœur d’un marché nocturne de la capitale taiwanaise. Chacune d’entre elles doit trouver un moyen de s’adapter à cette nouvelle vie et réussir à maintenir l’unité familiale.
Avec Left Handed Girl, la réalisatrice Tsou Shih-Ching livre un film d’une grande délicatesse, à la frontière du drame social et du portrait intime, qui capte avec une précision rare les fragilités du lien familial face au déracinement. Ancré dans le tumulte sensoriel des marchés nocturnes de Taipei, le film raconte l’installation d’une mère célibataire et de ses deux filles dans une ville aussi vibrante qu’indifférente.
Dès les premières scènes, le décor devient un personnage à part entière. Les néons, les odeurs de friture, la foule compacte et le vacarme permanent contrastent avec la solitude intérieure des protagonistes. La petite cantine qu’elles ouvrent agit comme un fragile refuge, mais aussi comme un révélateur de tensions enfouies. Chacune des trois femmes affronte cette nouvelle vie à sa manière, entre désir d’émancipation, sentiment d’abandon et besoin vital de rester soudées.
La mise en scène de Tsou Shih-Ching se distingue par sa sobriété. Elle privilégie les gestes du quotidien, les silences, les regards qui s’évitent ou se cherchent. Le récit progresse sans effets appuyés, laissant au spectateur le soin de percevoir les micro-fractures qui menacent l’équilibre familial. Cette approche quasi documentaire donne au film une authenticité bouleversante, sans jamais tomber dans le misérabilisme.
Janel Tsai incarne la mère avec une retenue remarquable. Son jeu, tout en intériorité, traduit la fatigue d’une femme qui porte seule la responsabilité du foyer, tout en tentant de préserver ses filles de ses propres renoncements. À ses côtés, Nina Ye impressionne par la justesse avec laquelle elle exprime les contradictions de l’adolescence : le besoin de liberté face à la peur de trahir les siens. La cadette, plus silencieuse, agit comme un miroir sensible de cette cellule familiale en recomposition.
Au-delà de son récit intime, Left Handed Girl esquisse une réflexion plus large sur la place des femmes dans une société urbaine en perpétuel mouvement, où la réussite économique se paie souvent d’une grande solitude. Le film parle de transmission, de résilience et de cette capacité à réinventer une famille malgré les fractures.
Œuvre discrète mais profondément humaine, Left Handed Girl touche par sa douceur mélancolique et par la justesse de son regard. Un cinéma du sensible, qui s’attarde sur l’essentiel : la difficulté d’aimer et de rester ensemble quand tout pousse à la dispersion.
Rapport de forme : 2.35:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 17 x 14 x 14 cm; 85 grammes Réalisateur : Tsou Shih-Ching Format : Blu-ray Durée : 1 heure et 48 minutes Date de sortie : 22 janvier 2026 Acteurs : Blaire Chang, Huang Teng-Hui, Janel Tsai, Ma Shi-Yuan, Nina Ye Sous-titres : : Français Langue : Mandarin (DTS-HD 5.1) Studio : Le Pacte ASIN : B0FWG3548W
Pierrot, 45 ans, est autiste et vit dans un foyer médicalisé. Déterminée à lui offrir une vie digne, sa sœur Camille le prend chez elle et se met en quête d’un endroit mieux adapté à sa différence. Le chemin est long mais c’est la promesse d’une nouvelle vie, au sein de laquelle chacun trouvera sa place.
Avec Une place pour Pierrot, Hélène Medigue signe un film profondément humain, d’une grande délicatesse, qui aborde l’autisme adulte sans pathos ni simplification. Le récit s’attache à Pierrot, 45 ans, autiste vivant en foyer médicalisé, et à sa sœur Camille, qui décide de le prendre chez elle pour lui offrir une existence plus digne et plus juste. Un geste d’amour, mais aussi un parcours semé d’obstacles administratifs, émotionnels et intimes.
La force du film réside dans son regard posé, respectueux, presque pudique. La mise en scène choisit la sobriété : peu d’effets, une caméra discrète, souvent à hauteur d’homme, qui accompagne les personnages sans jamais les enfermer dans un discours démonstratif. Le quotidien de Pierrot est montré dans sa complexité, entre routines nécessaires, fragilités, mais aussi désirs et élans d’autonomie. Le film rappelle avec justesse que l’inclusion ne se décrète pas : elle se construit, lentement, au prix d’efforts partagés.
L’interprétation est l’un des grands atouts du long métrage. Grégory Gadebois incarne Pierrot avec une retenue admirable, loin de toute caricature. Son jeu repose sur les silences, les gestes, les regards, et donne au personnage une épaisseur bouleversante. À ses côtés, Marie Gillain compose une Camille crédible, tiraillée entre amour, fatigue, culpabilité et détermination. Leur relation fraternelle, au cœur du film, est traitée avec une rare justesse émotionnelle. Patrick Mille apporte quant à lui une présence secondaire mais précieuse, ancrant le récit dans une réalité sociale concrète.
Sur le plan de l’image et du son, Une place pour Pierrot privilégie le naturel. La photographie, douce et réaliste, accompagne les variations d’humeur sans les souligner excessivement. Le travail sonore est particulièrement soigné : les ambiances du quotidien, parfois envahissantes pour Pierrot, deviennent un outil de mise en empathie avec son ressenti, sans jamais basculer dans l’effet appuyé.
Sans angélisme ni misérabilisme, Une place pour Pierrot interroge la notion de “place” dans la société, la famille et le regard porté sur la différence. Un film sensible, nécessaire, qui touche par sa sincérité et par la dignité qu’il accorde à ses personnages. Une œuvre discrète mais profondément marquante.
Rapport de forme : 2.35:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 19 x 14 x 1,4 cm; 85 grammes Réalisateur : Hélène Médigue Format : PAL Durée : 1 heure et 35 minutes Date de sortie : 20 janvier 2026 Acteurs : Grégory Gadebois, Marie Gillain, Mathilde Labarthe, Patrick Mille, Vincent Elbaz Langue : Français (Dolby Digital 5.1) Studio : Diaphana ASIN : B0FVRJY3P2
Alpha, 13 ans, est une adolescente agitée qui vit seule avec sa mère. Leur monde s’écroule le jour où elle rentre de l’école avec un tatouage sur le bras.
Avec Alpha, Julia Ducournau poursuit son exploration radicale des corps, de la peur et de la filiation, dans un film à la fois intime et profondément dérangeant. Plus frontal que Grave, moins spectaculaire que Titane, Alpha s’inscrit dans une veine plus sourde, presque clinique, où l’horreur naît du réel et de l’incompréhension.
Alpha a 13 ans. Elle est nerveuse, abrasive, sur le fil. Elle vit seule avec sa mère, dans une relation déjà fragile, tendue par les non-dits et une inquiétude diffuse. Le récit bascule lorsqu’elle rentre de l’école avec un tatouage sur le bras. Un geste anodin en apparence, mais qui agit comme un déclencheur. Chez Ducournau, le corps parle toujours avant les mots. Ici, cette marque devient symptôme, menace, fracture. Elle ouvre une brèche où s’engouffrent la peur sociale, la transmission du traumatisme et l’angoisse parentale.
La mise en scène est d’une rigueur implacable. Plans serrés, cadres oppressants, lumière froide : la réalisatrice enferme ses personnages dans un espace mental autant que physique. Le film avance par sensations plus que par explications, laissant volontairement le spectateur dans l’incertitude. Cette ambiguïté, signature de Ducournau, nourrit un malaise constant, sans jamais céder à l’esbroufe.
La révélation du film est Mélissa Boros, impressionnante de justesse. Son Alpha est brute, instable, traversée de pulsions contradictoires. Elle impose une présence magnétique, capable de passer de la provocation à une vulnérabilité désarmante en un regard. Face à elle, Tahar Rahim incarne une figure adulte trouble, ambiguë, dont la seule présence fait planer un danger latent. Son jeu, tout en tension contenue, renforce le sentiment d’insécurité permanente.
Le travail sonore mérite une mention particulière : respirations, silences lourds, bruits étouffés composent une bande-son anxiogène qui amplifie la sensation d’étouffement. L’image et le son avancent de concert pour traduire l’état émotionnel des personnages, sans jamais expliciter inutilement.
Alpha est un film exigeant, parfois inconfortable, mais d’une cohérence remarquable. Julia Ducournau y ausculte l’adolescence comme un territoire de métamorphose et de danger, et interroge la peur de l’autre, du corps qui change, de ce qui échappe au contrôle. Une œuvre radicale, organique, qui confirme la singularité d’une cinéaste désormais incontournable du cinéma contemporain.
Rapport de forme : 2.35:1 Classé : 12 ans et plus Dimensions du colis : 19 x 14 x 1,4 cm; 85 grammes Réalisateur : Julia Ducournau Format : PAL Durée : 2 heures et 3 minutes Date de sortie : 6 janvier 2026 Acteurs : Emma Mackey, Finnegan Oldfield, Golshifteh Farahani, Mélissa Boros, Tahar Rahim Langue : Français (Dolby Digital 5.1) Studio : Diaphana ASIN : B0FVRYSW1F
Floria est une infirmière dévouée qui fait face au rythme implacable d’un service hospitalier en sous-effectif.
En première ligne s’impose comme un film d’une justesse rare, tendu et profondément humain, qui plonge le spectateur au cœur d’un service hospitalier à bout de souffle. En première ligne, réalisé par Petra Biondina Volpe, adopte un point de vue resserré, presque en temps réel, pour raconter une journée – et surtout une nuit – où tout peut basculer.
La mise en scène privilégie l’immersion : caméra à hauteur d’épaule, cadres serrés, déplacements incessants dans les couloirs, tout concourt à faire ressentir l’épuisement physique et mental du personnel soignant. Volpe évite tout pathos inutile pour s’en tenir à une observation précise, presque documentaire, de la surcharge de travail, du manque de moyens et de la violence sourde que génère l’urgence permanente.
Au centre du film, Leonie Benesch livre une performance remarquable. Son interprétation de Floria, infirmière à la fois solide, empathique et progressivement débordée, repose sur une palette de micro-émotions : un regard qui vacille, une respiration qui s’accélère, une fatigue qui s’inscrit dans les gestes. À ses côtés, Sonja Riesen apporte un contrepoint tout en retenue, renforçant la crédibilité et la densité humaine du récit.
Sur le plan de l’image, la photographie froide et réaliste épouse parfaitement le décor hospitalier : néons implacables, couleurs désaturées, absence de toute esthétisation superflue. Le film trouve sa force dans cette sobriété visuelle, qui accentue le sentiment d’urgence et d’enfermement. Le travail sonore est tout aussi essentiel : bips des machines, appels incessants, voix qui se superposent, silences trop courts… Le mixage crée une pression constante, presque oppressante, plaçant le spectateur dans le même état de tension que l’héroïne.
En première ligne n’est pas seulement un film sur l’hôpital, c’est un film sur le soin comme combat quotidien, sur l’impossibilité de « bien faire » quand tout manque, et sur la dignité de celles et ceux qui tiennent malgré tout. Un cinéma engagé, mais jamais démonstratif, qui touche par sa précision, son humanité et sa lucidité.
Rapport de forme : 1.85:1 Classé : Tous publics Réalisateur : Petra Biondina Volpe Format : PAL Durée : 1 heure et 29 minutes Date de sortie : 16 janvier 2026 Acteurs : Alireza Bayram, Leonie Benesch, Selma Adin, Selma Jamal Aldin, Sonja Riesen Sous-titres : : Français Langue : Allemand (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1) Studio : Wild Side Video
Hugo a 19 ans. Comme chaque été, il passe ses vacances sur une île atlantique, dans la petite maison familiale
Avec L’Épreuve du feu, Aurélien Peyre signe un premier long métrage d’une étonnante maturité, traversé par un sentiment d’été qui colle à la peau, mais aussi par une tension sourde qui se déploie à mesure que le film avance. On y suit Hugo, 19 ans, revenu sur une île atlantique où il a toujours passé ses vacances, mais cette fois transformé, accompagné de Queen, jeune femme solaire dont l’exubérance dénote immédiatement dans ce décor de maisons blanches, de silences de famille et de dunes écrasées de lumière.
Le film repose sur ce contraste : un couple qui apparaît presque comme un corps étranger dans un environnement trop petit pour supporté leur différence. Les regards se braquent, les jugements s’installent, et Aurélien Peyre observe avec une précision clinique la manière dont une communauté peut se refermer, comment la violence sociale se loge dans les sourires polis. Félix Lefebvre confirme son talent pour les rôles en subtilité, naviguant entre fragilité et colère rentrée, tandis qu’Anja Verderosa offre une composition vibrante : Queen est une femme directe, drôle, parfois inconfortable — mais toujours intensément vivante. Le choc entre ces deux présences rend le film profondément attachant.
L’image, captée avec une grande délicatesse, accentue ce sentiment de huis clos à ciel ouvert. Les couleurs chaudes, presque salines, traduisent l’atmosphère lourde de l’île, entre beauté et suffocation. La caméra se fait le témoin discret des tensions : plans fixes qui laissent s’installer le malaise, gros plans qui trahissent les fractures intérieures. Le travail sur la lumière, très naturaliste, donne à chaque scène l’impression d’être vécue plutôt que filmée.
Le son participe lui aussi de cette immersion sensible. Les ambiances marines, les pas dans le sable, le souffle du vent sur les rochers créent une texture acoustique enveloppante, presque organique. Les dialogues — parfois murmurés, parfois tranchants — ressortent avec une clarté qui souligne la finesse d’écriture. La musique, utilisée avec parcimonie, laisse au silence un rôle dramaturgique puissant : le non-dit devient matière sonore.
Les bonus enrichissent encore la découverte du film. L’entretien avec Aurélien Peyre éclaire les intentions du réalisateur : son désir de filmer la transformation, la pression sociale et le regard des autres comme des feux qui transforment ou consument. Il y détaille la méthode de travail avec les acteurs, et notamment la liberté accordée à Anja Verderosa pour construire la sensibilité de Queen.
Le making-of offre un accès privilégié aux conditions de tournage sur l’île, à la manière dont l’équipe a tiré parti de la géographie pour renforcer les émotions. On y voit la précision avec laquelle la lumière naturelle a été gérée, et la complicité du duo d’acteurs dans un cadre pourtant exigeant.
Le moyen métrage du réalisateur, inclus dans l’édition, permet de mieux comprendre la cohérence de son univers : même attention aux gestes, même goût pour les espaces qui observent les personnages, même exploration des zones d’ombre qui façonnent une identité.
L’ensemble compose un portrait délicat de l’âge où l’on se cherche encore, où le regard des autres pèse trop lourd, où aimer devient une manière de se battre. L’Épreuve du feu marque une entrée remarquable d’Aurélien Peyre dans le paysage du jeune cinéma français, portée par deux interprètes en état de grâce et par une mise en scène d’une sensibilité rare.
Rapport de forme : 1.66:1 Classé : Tous publics Réalisateur : Aurélien Peyre Format : PAL Durée : 1 heure et 41 minutes Date de sortie : 16 décembre 2025 Acteurs : Anja Verderosa, Félix Lefebvre, Sarah Henochsberg, Suzanne Jouannet, Victor Bonnel Langue : Français (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1) Studio : Blaq Out ASIN : B0FSMXBQHX
De retour de la guerre de Troie après 20 ans d’absence, Ulysse échoue sur les côtes d’Ithaque, son ancien royaume.
Avec The Return, Uberto Pasolini revisite l’un des mythes fondateurs de la littérature occidentale : le retour d’Ulysse à Ithaque. Mais il le fait en s’éloignant délibérément de l’épopée homérique pour livrer un drame épuré, crépusculaire, presque charnel, où la légende devient une expérience intime et sensorielle. Ici, pas de dieux ni de prodiges, mais le combat silencieux d’un homme meurtri pour retrouver une femme qui, elle, a dû apprendre à survivre sans lui.
Le film repose en grande partie sur l’incroyable duo formé par Ralph Fiennes et Juliette Binoche, qui insufflent au mythe une humanité brute. Fiennes compose un Ulysse loin du héros conquérant : taciturne, brisé par les guerres, presque étranger à lui-même. Binoche, elle, signe l’une de ses plus belles performances de ces dernières années : une Pénélope digne, déterminée, dont la souffrance contenue devient le véritable moteur dramatique du film. Entre eux, chaque silence pèse plus lourd qu’un discours. Le film trouve sa force dans cette tension retenue, dans ces regards qui portent vingt ans d’attente, de doute et d’amour suspendu.
Pasolini filme les paysages comme des personnages à part entière : falaises battues par le vent, mers sombres, clair-obscur de grottes et de cabanes… La nature impose sa loi, rappelant que le retour d’Ulysse n’est pas un accomplissement héroïque mais une trajectoire violente, presque animale. La mise en scène refuse l’esbroufe et privilégie la lenteur, l’immobilité, les gestes. Cette simplicité offre au récit une gravité inhabituelle, un dépouillement qui permet une lecture profondément moderne du mythe.
IMAGE – Une photographie d’une beauté austère
L’édition Blu-ray et 4K rend un hommage splendide au travail visuel du film. • Les contrastes sont magnifiquement restitués, notamment dans les scènes en clair-obscur où la texture des peaux, des étoffes et des surfaces rocheuses ressort avec une précision remarquable. • La palette froide, entre acier et ocre, accentue le sentiment d’un monde à la fois réel et déjà englouti par la légende. • Les plans larges filmés en 4K gagnent une profondeur saisissante : la mer devient presque un personnage tragique, menaçant et hypnotique.
Visuellement, The Return est un film de textures, de matières, de lumière naturelle. L’édition vidéo sublime cette approche.
SON – Une expérience sensorielle
Le mixage sonore, déjà marquant en salle, bénéficie d’un rendu particulièrement enveloppant : • Les bruits du vent, du bois, du souffle, véritable colonne vertébrale du film, sont précis et immersifs. • Les voix, souvent murmurées ou prononcées à voix basse, conservent toute leur intensité émotionnelle. • La bande originale minimale accompagne sans jamais écraser, permettant au silence – élément dramatique essentiel – de respirer.
L’ensemble crée une expérience sonore organique, presque tactile, qui renforce l’impression d’assister à un mythe dépouillé de ses artifices.
BONUS
• Masterclass exceptionnelle de Juliette Binoche La véritable pépite de cette édition. Pendant cette intervention passionnée, Binoche revient sur son approche du personnage de Pénélope : – construction psychologique, – rapport au silence, – travail corporel, – échange artistique avec Ralph Fiennes et Uberto Pasolini.
Rapport de forme : 1.85:1 Dimensions du produit (L x l x h) : 13,5 x 1 x 17,5 cm; 90 grammes Réalisateur : Uberto Pasolini Format : Blu-ray et DVD Durée : 116 minutes Date de sortie : 3 décembre 2025 Acteurs : Juliette Binoche, Ralph Fiennes Sous-titres : : Français Langue : Anglais (Dolby Digital 5.1) Studio : ESC Editions
Au XVe siècle, le Prince Vladimir renie Dieu après la perte brutale et cruelle de son épouse. Il hérite alors d’une malédiction : la vie éternelle. Il devient Dracula. Condamné à errer à travers les siècles, il n’aura plus qu’un seul espoir : celui de retrouver son amour perdu.
Avec Dracula, Luc Besson signe l’un de ses films les plus ambitieux depuis une décennie, un projet ample, sombre et romantique qui revisite l’icône de Bram Stoker en s’intéressant à ce que le personnage porte de plus intime : la douleur, l’éternité comme châtiment, et le besoin obsessionnel de retrouver un amour perdu. Loin des relectures modernes parfois ironiques ou purement horrifiques, Besson revient à un Dracula tragique, façonné par une blessure originelle qui, au XVe siècle, brise Vladimir et fait naître le monstre.
Le film s’ouvre sur une séquence magistrale, visuellement saisissante, où la perte de l’épouse de Vladimir cristallise la naissance de la malédiction. Besson déploie ici tout son savoir-faire de metteur en scène : ampleur du cadre, maîtrise de la lumière, direction d’acteurs inspirée, utilisation de décors grandioses qui ancrent immédiatement l’œuvre dans une dimension épique. Le prince renie Dieu, non comme un acte de provocation, mais comme un cri primal, une rupture avec le monde des vivants à laquelle Christoph Waltz apporte une profondeur déchirante.
Le film dessine ensuite une errance à travers les siècles où Dracula devient un être condamné, poursuivi à la fois par la mémoire de son amour et par sa propre monstruosité. Caleb Landry Jones incarne avec une intensité rare un visage plus jeune, plus impulsif, plus sauvage de ce mythe flottant entre deux mondes. Son jeu physique, nerveux, presque hanté, crée un contrepoint bouleversant au Dracula plus expérimenté et résigné de Waltz. Entre les deux, Guillaume de Tonquédec surprend dans un rôle inattendu, apportant nuance et ambiguïté à un personnage pris dans l’ombre du vampire.
Visuellement, le film est une réussite totale. Couleurs saturées, nuits profondes, mouvements de caméra fluides et organiques : Besson livre une mise en scène qui convoque autant le fantastique classique que le geste contemporain. Certaines séquences — un bal spectral, une traversée nocturne de Paris, une confrontation dans une cathédrale en ruine — comptent parmi les plus belles images de sa filmographie récente. On sent la volonté d’atteindre un souffle gothique au sens noble du terme : celui où l’émotion prime sur l’horreur, où les ténèbres sont le reflet d’un cœur brisé.
Le scénario explore l’origine du mythe, mais surtout ses zones silencieuses : que reste-t-il d’un homme quand le temps n’a plus de fin ? Comment aimer quand le monde change sans vous ? Et que vaut l’immortalité si elle n’est qu’une errance privée de sens ? Besson aborde ces questions avec une sincérité désarmante, préférant l’émotion à la surenchère, la tragédie au folklore. Dracula n’y est pas un monstre à abattre, mais un homme condamné à ne jamais cesser de souffrir.
Le film s’autorise des moments d’action et de tension, mais ce qui domine est avant tout une atmosphère : celle d’une poésie sombre, élégante, qui fait du mythe une méditation sur le deuil et la survie. Le budget conséquent de 45 millions d’euros se voit dans chaque plan : décors naturels, effets spéciaux soignés, ampleur des reconstitutions, costumes somptueux. Mais jamais la technique ne prend le pas sur l’émotion, et le film trouve sa force dans son mélange de modernité visuelle et de fidélité spirituelle au roman originel.
Dracula version Besson est un film ample, mélancolique, habité par une intensité rare. Christoph Waltz y brille par une présence souveraine, Caleb Landry Jones par une folie contrôlée, et le réalisateur par une vision claire : celle d’un vampire qui n’est pas un prédateur, mais un homme enfermé dans une éternité qu’il n’a jamais désirée. Une relecture ambitieuse, visuelle et profondément humaine d’un mythe que l’on croyait déjà connaître.
Image
Cette édition révèle pleinement l’ambition visuelle de Luc Besson. Le master Ultra HD propose une image d’une précision chirurgicale, idéale pour magnifier les jeux d’ombre — omniprésents dans ce récit d’origine. Le contraste, très appuyé, met en valeur le clair-obscur qui structure la mise en scène :
noirs profonds, jamais bouchés,
lumières dorées et rouge sang qui subliment les décors gothiques,
textures de peau et costumes extrêmement détaillés,
une restitution remarquable des brumes et matières vaporeuses caractéristiques du film.
Le Blu-ray standard reste très solide et permet réellement de saisir la pleine ampleur du travail pictural : un traitement qui oscille entre réalisme cruel et tableau baroque, parfaitement cohérent avec la relecture psychologique du mythe.
Son
Les pistes audio se montrent à la hauteur du spectacle visuel. La spatialisation donne à la bande originale et aux effets sonores une dimension immersive impressionnante :
les chœurs religieux enveloppent l’espace,
les grognements, souffles et murmures vampiriques surgissent de toutes parts,
les scènes d’action profitent d’un mixage ample et puissant,
les voix — y compris celle, glaçante, de Christoph Waltz — restent claires même dans les scènes les plus chargées.
Le travail sonore renforce l’émotion tragique du film : on ressent la solitude, la rage, puis la mélancolie d’un Dracula condamné à errer dans l’histoire.
Bonus
Cette édition se distingue par la qualité de ses bonus, plus informatifs que promotionnels.
• Making-of (14 min)
Présent sur la version Blu-ray et la version 4K, il offre un aperçu concis mais éclairant du tournage. On y voit :
la direction précise de Luc Besson,
le travail sur la lumière et les décors,
la transformation physique des acteurs,
les choix artistiques entourant la figure de Dracula. Un module court, mais qui donne les clés principales du projet.
• Documentaire « Dracula – L’Immortel » (30 min)
Le véritable point fort de cette édition. Avec les interventions de Luc Besson et de Kim Newman, auteur et critique spécialiste du mythe vampirique, ce documentaire propose :
un retour historique sur la figure de Dracula,
une analyse des influences de Bram Stoker,
une réflexion sur les différents “Dracula” de la culture pop,
une lecture comparée entre l’œuvre originale et la version Besson.
C’est un complément passionnant, érudit et accessible, qui enrichit considérablement la vision du film.
Classé : 12 ans et plus Dimensions du colis : 16,8 x 13,5 x 1,2 cm; 60 grammes Réalisateur : Luc Besson Format : Blu-ray Durée : 2 heures et 8 minutes Date de sortie : 2 décembre 2025 Acteurs : Caleb Landry Jones, Christoph Waltz, Matilda De Angelis, Salomon Passariello, Zoë Bleu Sous-titres : : Français Langue : Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS-HD 5.1) Studio : M6 Vidéo
Magalie est une star du web hors sol et sans morale qui gagne des fortunes en postant des contenus choc sur les réseaux
Avec L’Accident de piano, Quentin Dupieux poursuit son exploration du réel détraqué, de l’absurde chirurgical et de la satire grinçante. Une nouvelle fois, le cinéaste transforme une situation en apparence anodine — un accident sur un tournage — en un labyrinthe narratif déjanté, où la bêtise humaine, la manipulation et l’ego surdimensionné deviennent les véritables moteurs du chaos.
Au centre du film : Magalie, influenceuse amorale et hors-sol, incarnée avec une liberté désarmante par Adèle Exarchopoulos. Dupieux lui offre l’un de ses rôles les plus radicaux : celui d’une jeune femme prisonnière d’un monde d’images et d’artifices, incapable de percevoir la réalité qu’elle déforme à longueur de vidéos. L’“accident” qui donne son titre au film marque une bascule : lorsqu’elle se retire en montagne pour échapper au scandale, Magalie découvre qu’elle est désormais prise au piège d’un chantage, et que la machine médiatique qu’elle pensait maîtriser se retourne contre elle.
Dupieux orchestre cette spirale avec sa précision habituelle : montage ciselé, dialogues décalés, situations déraillantes mais rigoureusement écrites. L’absurde n’est jamais gratuit : il devient un révélateur, un miroir déformant mais implacable de notre époque saturée d’images performatives.
Autour d’Exarchopoulos, le casting excelle. Jérôme Commandeur, en assistant patient mais au bord de la rupture, apporte une douceur mélancolique inattendue. Sandrine Kiberlain, dans un rôle entièrement habité par la folie douce, injecte une énergie jubilatoire. Karim Leklou, quant à lui, pose une gravité discrète qui stabilise le film au moment où tout menace d’exploser.
La mise en scène, faussement simple, relève du tour de force : Dupieux filme les montagnes comme un décor mental, un refuge impossible où la vérité finit toujours par se fissurer. L’humour est omniprésent, mais jamais confortable : le rire se teinte d’un malaise délicieux, propre au cinéma de Dupieux, où le bon sens est continuellement malmené et où le non-sens finit par révéler l’essentiel.
L’Accident de piano est une œuvre plus noire qu’il n’y paraît, une satire sur la toxicité des images, la solitude contemporaine et la logique implacable des réseaux, qui broient aussi bien les victimes que ceux qui cherchent à en tirer profit. Un film lucide, tordu, hilarant, qui confirme la place de Quentin Dupieux comme l’une des voix les plus singulières du cinéma français.
Un petit bijou de cynisme maîtrisé, porté par des acteurs flamboyants et un réalisateur en état de grâce.
🎬 Image
La restauration et le master du film offrent une image d’une netteté remarquable, parfaitement adaptée à l’esthétique dupieuxienne : contrastes marqués, lumière froide en montagne, couleurs légèrement désaturées qui renforcent le malaise comique propre au réalisateur. Les scènes d’intérieur, plus feutrées, gagnent en précision, avec un grain maîtrisé qui conserve le naturel du tournage. Le résultat : une image propre, stable, volontairement minimaliste, fidèle à l’esprit décalé de Dupieux.
🔊 Son
La piste sonore met en valeur le travail si reconnaissable de Mr. Oizo, alias Quentin Dupieux derrière les platines. Le mixage fait ressortir :
les ambiances étranges et feutrées, typiques de son univers,
les ruptures sonores, utilisées comme éléments de comédie,
une bande-son électronique subtile, qui accompagne les glissements vers l’absurde sans les alourdir.
Les dialogues sont parfaitement clairs, même dans les scènes où l’action se dérègle. L’ensemble offre une expérience sonore précise, nerveuse et cohérente avec l’humour noir du film.
📀 Bonus
L’édition propose deux suppléments particulièrement intéressants pour prolonger l’expérience :
• Making-of de la bande-son (Mr. Oizo)
Un module passionnant qui dévoile le travail musical de Dupieux : manipulation de sons, création de motifs électroniques, construction d’une ambiance sonore entre farce et tension. Un bonus rare qui permet de comprendre comment la musique devient un moteur de la comédie absurde.
• Scènes de répétition
Des extraits bruts qui révèlent le processus de jeu, l’énergie des comédiens et la direction d’acteurs de Dupieux, entre liberté totale et précision millimétrée. Une plongée intime dans la mécanique comique du film.
Rapport de forme : 1.77:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 18,7 x 13,7 x 1,4 cm; 70 grammes Audio description : : Français Réalisateur : Quentin Dupieux Format : PAL Durée : 1 heure et 24 minutes Date de sortie : 4 novembre 2025 Acteurs : Adèle Exarchopoulos, Clara Choï, Jérôme Commandeur, Karim Leklou, Sandrine Kiberlain Langue : Français (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1) Studio : Diaphana
Lancé dans une course effrénée vers le succès, un comédien biscornu abandonne ses plus fidèles alliés. Seul face à lui-même, une vision troublante le percute. Direction le Pérou pour une aventure spirituelle.
Avec I Love Peru, Raphaël Quenard signe, en tandem avec Hugo David, une œuvre aussi barrée qu’introspective, un objet cinématographique non identifié qui oscille entre comédie absurde, satire du milieu artistique et quête spirituelle improbable. Fidèle à sa personnalité d’acteur hors normes, Quenard s’amuse ici à dynamiter les codes du cinéma d’auteur tout en livrant une réflexion aussi sincère qu’hilarante sur l’ego, la célébrité et la vacuité du succès.
Le point de départ est simple : un comédien en pleine ascension, ivre de reconnaissance, finit par trahir ceux qui l’ont toujours soutenu. Mais son vide intérieur le rattrape. Une vision, une illumination, un délire mystique — difficile à dire — le pousse à tout plaquer pour partir au Pérou, à la recherche d’un sens, d’un souffle, d’une vérité. Ce qui aurait pu n’être qu’un caprice d’artiste devient peu à peu un road-movie existentiel, où le burlesque côtoie la mélancolie et où la dérision devient un moyen de survie.
Raphaël Quenard, magnétique, s’offre un rôle à la hauteur de son talent : celui d’un homme en crise, à la fois pathétique et sublime, grotesque et profondément humain. Son jeu, oscillant entre improvisation contrôlée et sincérité désarmante, fait de chaque scène une expérience imprévisible. Hugo David, complice de longue date, lui donne la réplique dans un équilibre parfait entre la folie et la lucidité. Ensemble, ils livrent un duo de cinéma d’une alchimie rare, porté par une mise en scène inventive et nerveuse, quelque part entre le mockumentaire et le trip halluciné.
Le film doit aussi beaucoup à son ton volontairement dissonant : mélange de documentaire truqué, de fable initiatique et de satire du showbiz. Quenard y tourne en dérision son propre statut d’acteur « phénomène », mais sans cynisme : derrière la farce, il y a la douleur, le doute, la solitude. Le rire naît de la fragilité, et c’est sans doute ce qui rend I Love Peru si touchant.
Visuellement, le film joue avec les contrastes : images nocturnes urbaines, éclairages mélancoliques, séquences en studio qui dévoilent les coulisses de la création, et plans splendides tournés dans la nature andine, où la spiritualité affleure dans la lumière. L’ensemble compose une œuvre à la fois poétique et punk, portée par une liberté de ton totale.
Les bonus du DVD/Blu-ray prolongent cette immersion : un court-métrage (L’Acteur, ou la surprenante vertu de l’incompréhension), un entretien passionnant avec les réalisateurs et plusieurs scènes coupées qui révèlent l’envers du tournage.
I Love Peru est une fable drôle, sauvage et terriblement lucide sur le rapport à soi, à la réussite et à la création. Un film à la croisée du geste d’artiste et de l’aveu intime, où Raphaël Quenard se met littéralement à nu — avec son humour ravageur comme unique armure.
Rapport de forme : 1.85:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 17 x 14 x 0,2 cm; 80 grammes Audio description : : Français Réalisateur : Hugo David, Raphaël Quenard Format : PAL Durée : 1 heure et 4 minutes Date de sortie : 12 novembre 2025 Acteurs : Eric Judor, Gilles Lellouche, Gustave Kervern, Hugo David, Raphaël Quenard Langue : Français (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1) Studio : Le Pacte
Après s’être fait dérober un précieux artefact, cadeau de sa mère, un tueur en série s’extirpe de sa tombe pour entamer une quête vengeresse. Il va traquer un groupe de jeunes qui se racontent son histoire.
Récompensé du Grand Prix au Festival de Gérardmer 2025, In a Violent Nature s’est imposé comme l’une des expériences les plus singulières du cinéma d’horreur récent. Premier long-métrage de Chris Nash, déjà remarqué pour ses courts radicaux, le film revisite les codes du slasher avec un parti pris aussi déroutant qu’hypnotique : raconter le massacre du point de vue du tueur.
Le récit débute avec la profanation d’un talisman, cadeau de sa mère, dérobé sur une tombe. Cet acte réveille Johnny (Ry Barrett), une silhouette imposante, mutique et implacable, qui entame une lente traque contre un groupe de jeunes campeurs inconscients du danger. Là où le cinéma d’horreur classique adopte le regard des victimes, Nash nous place dans celui du monstre, caméra collée à ses pas, dans une progression contemplative où la nature devient personnage à part entière.
Cette approche sensorielle, entre silence, paysages forestiers et soudaines explosions de violence, désarçonne autant qu’elle fascine. Les meurtres, filmés avec une précision chirurgicale, renouent avec l’extrême brutalité du cinéma gore tout en refusant les artifices habituels du montage frénétique. Le spectateur est contraint d’endurer, de regarder, de ressentir.
Au-delà de son radicalisme formel, In a Violent Nature s’inscrit dans une tradition qui va de Vendredi 13 à Terrence Malick, croisant les codes du slasher et l’esthétique contemplative. Résultat : un objet unique, à la fois film de genre et geste artistique, qui questionne notre rapport à la violence à l’écran.
L’édition DVD proposée par ESC Éditions contient :
Le film (1h34, VOSTFR)
Le making-of Behind the Scenes (13 min)
Le segment inédit Le meurtre Yoga (4 min)
La bande-annonce officielle
Avec son esthétique radicale et ses fulgurances gore, In a Violent Nature est destiné à devenir une œuvre culte pour les amateurs d’horreur qui cherchent autre chose qu’un simple frisson.
CREOTIVE MEDIA 