Pour Joel, la survie est une préoccupation quotidienne qu’il gère à sa manière. Mais quand son chemin croise celui d’Ellie, leur voyage à travers ce qui reste des États-Unis va mettre à rude épreuve leur humanité et leur volonté de survivre.
Chronique : Cette saison 1 est une très bonne adaptation du premier jeu du même nom, qui nous en redonne l’esprit et l’ambiance, sans être dans une adaptation copié-collé qui aurait été inutile. La mise en scène et le casting sont bien menés, et Pedro Pascal et Bella Ramsay tiennent vraiment bien leurs rôles. Les musiques de Gustavo Santaolalla sont toujours au top, et c’est plaisant de retrouver le même compositeur que pour les jeux. Et quoi que certains « fans » en disent ce n’ont jamais été les infectés qui ont été au centre des jeux, mais les humains et leurs relations qu’ils entretiennent les uns avec les autres, et il est donc normal que ces mêmes relations humaines soient au centre de la série. Enfin le graphisme du steelbook est vraiment sympa et ne jurera pas avec le reste de la collection.
apport de forme : 1.78:1 Classé : Accord parental souhaité Réalisateur : Craig Mazin, Neil Druckmann, Peter Hoar, Jeremy Webb, Jasmila Zbanic Format : 4K Durée : 7 heures et 54 minutes Date de sortie : 19 juillet 2023 Acteurs : Pedro Pascal, Bella Ramsey, Gabriel Luna, Samuel Hoeksema, Olivier Ross-Parent Sous-titres : : Allemand, Castillan, Japonais, Italien, Finnois, Français, Chinois, Coréen, Norvégien, Néerlandais, Suédois, Danois Langue : Italien (Dolby Digital 5.1), Japonais (Dolby Digital 2.0), Allemand (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1), Espagnol (Dolby Digital 5.1), Tchèque (Dolby Digital 2.0) Studio : HBO ASIN : B0BV43LFS5 Pays d’origine : France Nombre de disques : 4
L’expérience familiale juive-américaine est décrite d’une manière alternativement triste et nostalgique dans le long métrage le plus autobiographique de James Gray à ce jour. Tous les films que Gray a réalisés sauf deux se déroulent à New York et c’est peut-être le plus personnel de son œuvre. Il recrée son enfance de banlieue dans le Queens. Au début de l’image, la famille Graff se rassemble autour de la télévision pour regarder une interview du gouverneur de Californie Ronald Reagan dans le cadre de la campagne présidentielle de 1980. Reagan mentionne l’expression « temps d’Armageddon » pour faire référence à l’option nucléaire qui est toujours sur la table avec « l’empire du mal » qui se cache toujours dans l’hémisphère nord. (Le titre se connecte également indirectement avec le téléfilm apocalyptique,, ce qui a poussé Reagan à craindre les armes nucléaires plus que jamais.) Ces implications apocalyptiques possibles ne sont peut-être pas ressenties par Paul Graff (Banks Repetta), 12 ans, mais le plus jeune fils d’Esther (Anne Hathaway) et Irving Graff (Jeremy Strong ) fait face à un présent et un futur incertains. Il n’est pas encore aussi brillant que son odieux frère aîné, Ted (Ryan Sell), mais c’est un garçon talentueux et un artiste en herbe. Paul manque encore de créativité pour peindre ses propres tableaux comme lorsqu’il copie un Kandinsky qu’il a observé au Musée Guggenheim. Mais Aaron (Anthony Hopkins), le grand-père maternel chaleureux de Paul, reconnaît le potentiel de l’élève de sixième et lui achète un ensemble de peintures, ce qui ravit le garçon. Paul a du mal à s’intégrer à l’école car il y a peu de juifs dans sa classe. C’est là qu’il rencontre un nouvel ami, Johnny Davis (Jaylin Webb), un étudiant noir qui, comme Paul, est un non-conformiste rebelle. Johnny peut s’identifier au statut de Paul en tant que minorité car il n’y a pratiquement pas de personnes de couleur à l’école. Paul et Johnny se lient à travers des jeux d’arcade tout en jouant partiellement à l’école buissonnière lors d’une sortie sur le terrain. Johnny initie également Paul à la musique hip-hop dont il ne savait pas qu’elle était à l’horizon après le disco.
Gray critique efficacement les questions de race et de classe dans les arrondissements du Queens. Johnny et sa grand-mère (Marjorie Johnson) ne reçoivent apparemment aucun logement subventionné car ils vivent dans un immeuble où un téléphone de base ne peut pas être installé. Johnny fréquente le « club house » du côté de la maison des Graff qui devient pour lui une demeure secondaire. Sa grand-mère n’a pas les moyens d’acheter des chaussures et des chaussettes décentes pour lui, ce qui lui donne des ampoules et des plaies aux pieds. Paul propose de lui prendre une autre paire de chaussures mais Johnny efface son inconfort en se sentant déjà mieux. Après que Paul ait été transféré à Forest Manor, une école préparatoire, il est entouré de fils et de filles de yuppies. C’est dans la cour de récréation de cette école privée que Gray propose un commentaire sur le racisme de classe incisif. Johnny marche sur le trottoir et aperçoit Paul par derrière. Gray encadre Johnny à travers une clôture grillagée qui est essentiellement une ligne de démarcation entre la progéniture (c’est-à-dire les camarades de classe de Paul mais pas lui) appartenant à un groupe que Marx appelle les
haute bourgeoisie et la classe la plus défavorisée, dont Johnny fait partie. Après que Paul et Johnny aient fini de discuter, l’un des enfants utilise le mot « n » et demande à Paul s’il a déjà traîné avec des Afro-Américains chez lui. Paul ne se sent pas à sa place, c’est le moins qu’on puisse dire. D’après tout ce que j’ai lu et entendu sur Gray (ainsi que directement de lui), le cinéaste new-yorkais a étudié la théorie critique et la philosophie continentale à l’USC School of Cinematic Arts. Gray a sûrement examiné Discipline & Punish du philosophe français Michel Foucaultet ses travaux sur les relations de pouvoir. Paul et Johnny sont victimes de sanctions et de sanctions institutionnelles et sociétales. Gray utilise des plans subjectifs et serrés pour réifier la façon dont les figures d’autorité se rapprochent de Paul et de ses amis. Gray et son équipe de conception sonore utilisent ingénieusement un écho étouffé qui résonne dans les oreilles de Paul pour renforcer la façon dont les ordres aboyants de ces forces autoritaires (hommes et femmes) les enveloppent pratiquement.
Armageddon Time est une étude consciente des tribulations de l’adolescence et un drame de tranche de vie non sentimental mélangé à un humour acerbe bienvenu.
Vidéo :Armageddon Time est encodé MPEG-4 AVC J’ai vu ce huitième long métrage de Gray dans un cinéma il y a moins de deux mois, je peux donc commenter la comparaison entre l’image 2,39: 1 sur ce Blu-ray. Les imprimés ont une teinte brun doré. Le directeur de la photographie Darius Khondji a pris la photo sur un Arri Alexa 65, en utilisant des objectifs Super Baltar que lui et Gray ont empruntés au DP Ed Lachman. Khondji a expliqué son choix à François Reumont du British Cinematographer Magazine: « Nous avons choisi une série Super Baltar de Bausch & Lomb, adaptée à l’Alexa 65 ; de magnifiques objectifs rapides vintage avec une remarquable capacité de mise au point rapprochée. Avec James, nous avons tourné presque tout le film avec deux ou trois focales – pas besoin d’un ensemble complet d’objectifs. Et ceux-ci me permettent vraiment de casser l’ultra-haute définition du capteur de l’appareil photo. » L’équipement d’éclairage et de préhension dérive d’Arri Digital.
Le Flux montre des augmentations notables des détails et de la netteté. La clarté est exceptionnelle même dans les paramètres d’arrière-plan encadrés à distance. Une autre variable importante à prendre en compte lors de l’évaluation de l’image est que Gray voulait qu’Armageddon Time apparaisse comme si vous regardiez un film imprimé sur un film Kodak d’il y a plus de trois décennies. Mais Gray n’a pas trouvé d’appareil photo Panavision vintage qui pourrait lui donner le look qu’il recherchait. Dans une interview sur le podcast ReelBlend, Gray a déclaré qu’il avait appliqué une très ancienne application de grain 35 mm à un fichier numérique. Il décrit ce processus comme « un simulacre de film 35 millimètres créé électroniquement à partir de 1980 ». Le Blu-ray reproduit mieux le grain du faux film. Je pense à un plan moyen de Paul dans sa maison qui fait vraiment ressortir le grain. Pour les extérieurs nocturnes, le BD fait un excellent travail de gestion des sources lumineuses de Khondji. Dans une autre ou la même interview qu’il a menée avec François Reumont pour la Société française des directeurs de la photographie (AFC) Khondhi a abordé la couleur et les niveaux de lumière : « … Je voulais utiliser du tungstène un peu plus sur les scènes extérieures nocturnes, pour se rapprocher au maximum de la couleur des rues à cette époque. Là encore, il s’agissait d’un éclairage simple, avec peu de sources et une luminosité nocturne générale bien inférieure à ce que l’on connaît désormais dans les villes d’aujourd’hui éclairés par des LEDs. Aussi, des effets très verticaux, comme la scène à la fin du film où le père ramène son fils du commissariat. J’ai éteint la plupart des lampadaires, ne laissant que quelques points lumineux ici et là. Quand toi’ Vingt chapitres accompagnent le long métrage de 114 minutes.
Audio : Universal a fourni un mixage DTS-HD Master Audio 5.1 Surround (3313 kbps, 24 bits) comme piste audio par défaut. Les paroles prononcées sont claires et audibles tout au long de la présentation (en particulier celles d’Anthony Hopkins). Alors qu’une grande partie du dialogue et certains des f/x sont principalement relégués aux fronts, il y a beaucoup de basses profondes que j’ai entendues le long des enceintes
Je n’ai pas de spécifications audio pour le flux Prime, mais cela ressemble à un DTS avec perte très solide ou 5.1+. C’est une excellente bande son. Christopher Spelman n’a écrit que quinze minutes de partition mais il fait en sorte que chaque note compte. Interrogé pour le dossier de presse Focus Feature, il dévoile une inspiration surprenante : la partition de Rota pour le 8½ de Fellini (1963). Spelman dit qu’il jouait de la guitare classique, donc on dirait qu’il est joué soit sur une guitare jazz archtop non amplifiée, soit sur une vraie guitare archtop. Cette partie de la partition fonctionne bien car elle s’intègre bien dans le fond de la bande son et n’est pas intrusive. Pour le motif familial, Spelman a écrit dans un xylophone qui s’incline devant d’autres instruments.
Bonus
Scènes coupés (4:14, 1080p) – trois scènes qui ont été omises du montage final : Chacune est affiché sur un écran large anamorphique 2,39: 1 avec 2,0 stéréo (192 kbps). Ils valent la peine et sont intéressants à voir, même s’ils n’améliorent pas beaucoup l’histoire.
Comment interpréter une famille (4:08, 1080p) – la première des trois mini-fonctionnalités de l’EPK de Focus Features. Nous entendons les co-stars Anne Hathaway et Jeremy Strong, le scénariste/réalisateur/producteur James Gray, Sir Anthony Hopkins, Banks Repeta et Jaylin Webb. Les acteurs racontent comment ils ont abordé leurs personnages.
Grandir en étant un Gray (3:50, 1080p) – le meilleur segment de ce petit lot d’extras. Gray discute de l’importance de commémorer les membres de sa famille immédiate et élargie tout en filmant dans la rue même où il a grandi ! Hathaway, Hopkins, Strong et le concepteur de production Happy Massee contribuent également aux remarques.
L’héritage d’un grand-père (3:40, 1080p) – un coup de projecteur sur grand-père Rabinowitz avec Hopkins expliquant brièvement la mini-bio qu’il a écrite sur son éventuel personnage et comment il a interprété le rôle de Rabinowitz dans la vie de Paul. Il y a aussi des extraits d’interviews avec Hathaway, Gray, Repeta et le producteur Rodrigo Teixeira.
Rapport de forme : 1.78:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 17.1 x 13.6 x 1.2 cm; 60 grammes Réalisateur : James Gray Format : Cinémascope, Couleur, DTS stéréo Durée : 1 heure et 54 minutes Date de sortie : 16 mars 2023 Acteurs : Anne Hathaway, Jeremy Strong, Banks Repeta, Jaylin Webb, Anthony Hopkins Doublé : : Anglais, Français Sous-titres : : Allemand, Français, Néerlandais Langue : Allemand (DTS 5.1), Français (DTS 5.1), Anglais (DTS-HD 5.1) Studio : Universal Pictures France
Léo et Rémi, 13 ans, sont amis depuis toujours. Jusqu’à ce qu’un événement impensable les sépare. Léo se rapproche alors de Sophie, la mère de Rémi, pour essayer de comprendre…
Chronique : Lukas Dhont a vraiment l’art de choisir ses stars principales, on l’a remarqué dans Girl (dont Victor Polster est une âme pure), et ce Close confirme cette jeune Eden Dambrine qui nous retourne le cœur comme une crêpe. Son personnage d’enfant à la dérive psychologique et chancelant sous le poids d’une culpabilité indéniable réclame la vérité. Ce qu’on aime dans ce drame poignant, c’est justement la sobriété de la scène, qui ne cherche pas à vous forcer la main avec le violon et le cri du plomb en plans serrés à n’en plus finir (gros sentimental…), mais laissez-vous venir ressentir pour vous-même le malaise à l’intérieur de ce jeune garçon, seul avec un traumatisme dont il se sent coupable. Voir un enfant malheureux suffit à nous briser le cœur, et Lukas Dhont a appris qu’il n’y a plus rien à ajouter.
La photographie est folle, avec une lumière pénétrant l’écran et changeant avec le mouvement du corps, dans un poème presque sans fin. C’est un cinéma qui se vit plus qu’il ne s’explique.
La caméra perce, le cœur bat… la caméra joue avec Eden Dambrine son visage, son corps, et cherche sans cesse à sublimer. Cela semble si facile, sa beauté est si naturelle, mais la façon dont il est intégré à l’image et au son le rend éthéré. C’est à la fois complexe et naturel. C’est la naissance sous nos yeux, et c’est un cadeau. Proche, le film est sûr de faire monter les larmes aux yeux, mais l’authenticité abonde, et au-delà, Lukas Dhont devient la marque de fabrique de ce grand cinéaste à la sensibilité assumée, revendiquée, portée. De la tristesse et de l’émotion comme ça, au cinéma, on en veut tous les jours. Impossible de rater, crient les caméras, et maintenant autour des sièges, c’est beau, totalement…
Réfréner qui l’on est vraiment parce qu’on se sent jugé aux yeux des autres, et finalement à ses propres yeux. Ou comment ce qui vous entoure vous amène à « rentrer dans le rang », et vous empêche de montrer, d’éprouver réellement les choses, que ce soit dans l’amitié comme dans le deuil.
Une exploration de l’adolescence et de l’intime toute en délicatesse, et servie par un casting impeccable. Un mélodrame dur et poignant sur la quête de soi-même.
Video : Le bruit est répandu même dans les scènes bien éclairées ;les problèmes de compression sont peu nombreux et les détails sont assez solides. Les gros plans montrent beaucoup de maquillage appliqué sur les personnages féminins. Les sons sont complètement saturés avec beaucoup de punch et des nuances évidentes. La palette est diversement lumineuse et reste vraie même dans des scènes sombres et/ou brumeuses. Les niveaux de noir sont d’une profondeur satisfaisante et les tons chair sont parfaitement précis.
Audio : La bande-son sans perte livre la marchandise. La piste est abondamment spacieuse et savamment équilibrée. La profondeur de la piste est importante. La basse est régulièrement intense, que ce soit à l’appui de la partition ou de l’action, et souvent une combinaison équilibrée des deux. La musique joue avec une présence scénique transparente, immergeant l’auditeur avec des notes super claires et une présence scénique bien définie, dominante le long de l’avant mais pas du tout timide à propos de l’étirement arrière. Les éléments d’action – divers bruits sourds sont tous finement détaillés et parfaitement placés. Les effets sonores ambiants sont vrais partout. La clarté du dialogue, le positionnement et la hiérarchisation sont excellents.
Classé : Tous publics Dimensions du colis : 18.6 x 13.8 x 0.7 cm; 80 grammes Réalisateur : Dhont, Lukas Format : Couleur, Cinémascope, PAL Durée : 1 heure et 41 minutes Date de sortie : 7 mars 2023 Acteurs : Dambrine, Eden, De, Waele Gustav, Dequenne, Emilie, Drucker, Lea Sous-titres : : Français Studio : DIAPHANA DISTRIBUTION ASIN : B0BPGMW215
Fin des années 70, une équipe de tournage investit une maison isolée du fin fond du Texas pour y réaliser un film X. À la tombée de la nuit, les propriétaires des lieux surprennent les cinéastes amateurs en plein acte. Le tournage vire brutalement au cauchemar.
Chronique : Un groupe d’acteurs a entrepris de faire un film pour adultes dans le Texas rural sous le nez de leurs hôtes reclus – un couple de personnes âgées avec une ferme et une pension à louer. Mais lorsque le couple surprend leurs jeunes invités en flagrant délit, les acteurs se retrouvent dans une lutte désespérée pour leur vie dans ce slasher alléchant du scénariste-réalisateur Ti West.
Ti West creuse certainement dans un look et un sentiment avec X , dégageant cette qualité de film 16 mm chaude d’un film d’horreur des années 1970 ou celle d’un porno bon marché. Il le gère assez bien et les choses sont faites de manière très efficace, se fondant avec une technique et des sensibilités modernes pour une efficacité maximale. Si quoi que ce soit, c’est l’un de ses films les plus maigres, mais peut-être aussi l’un avec le plus de profondeur et de superposition qu’il ait pu faire jusqu’à présent.
Avant que tous les « trucs d’horreur » et l’étrangeté ne prennent le dessus sur X , West passe du temps avec les personnages de son équipe de tournage. Tout d’abord, il les présente comme une sorte de groupe amusant de charicatures et autres, uniquement pour renverser la situation lorsque les choses deviennent sérieuses. C’est presque comme si nous arrivions à être dans le siège / la perspective du personnage du réalisateur dans le film alors que West renverse les choses et humanise ces gens et se met vraiment à interroger le public et la société dans son ensemble tout en défendant les travailleurs du divertissement sexuel champ. C’est l’une des meilleures choses du film, le fait que vous puissiez regarder un massacre après n’est qu’un bonus. Kid Cudi et Brittany Snow faisant « Landslide » suivi d’une conversation solide et d’une grande séquence de « dilemme » sont ce qui va vraiment rester avec vous et vous faire parler beaucoup plus longtemps par la suite.
Maintenant, non pas que l’horreur soit une sorte de déception. Pas du tout. C’est très amusant. Il y a des gains amusants et pleins de suspense tout au long. Des scènes qui vous feront vous détendre et vous asseoir dégoûté sur votre siège. Il y a aussi des modifications étonnantes et super intelligentes à trouver dans le film. Il y a eu un moment où j’ai failli me lever pour applaudir car quand je l’ai vu au théâtre, j’ai été tellement impressionné. C’est un film de deux moitiés différentes, mais les deux offrent un bel équilibre entre les mises en place, les gains, les personnages et le carnage.
X est peut-être le film le mieux ficelé de Ti West. Et qui sait où se trouvent ses avenues prévues pour emmener ce monde au-delà de ce film. Ce film a une quantité surprenante de soin apporté aux personnages et beaucoup à dire au public. Il joue également avec eux, les effraie et les dégoûte bien au-delà de votre hack n ‘slash typique. X termine un voyage assez amusant et complet au cinéma pour l’horreur, le drame, la comédie et le suspense.
Vidéo
X arrive sur Blu-ray standard à peu près impressionnant comme transfert au fur et à mesure. Bien sûr, c’est une image simulée pour évoquer une époque différente, mais elle parvient à le faire ET à fournir une grande clarté, netteté et détails. L’une des choses surprenantes sur la vidéo personnelle était à quel point la couleur était éclatante et éclatante pour le film. Toutes les scènes de jour sont vraiment magnifiques avec une forte saturation et des performances. Il a également une forte profondeur pour vraiment montrer à quel point la cinématographie était bonne pour ce petit film. Le film a une profondeur de champ solide comme le roc avec une échelle plutôt impressionnante pour une petite production ainsi qu’un grand espacement et un recul dans n’importe quel environnement intérieur ou extérieur donné. Les mouvements sont naturels et fluides, sans aucun problème d’action rapide formant un flou ou une gigue. Les noirs sont profonds et proches du naturel. Il y a des scènes vraiment sombres ici, mais cela réussit à donner plus de ton qu’à cacher toute sorte d’informations ou le bas prix du film. Aucun écrasement constaté.Les couleurs sont assez frappantes et ressortent très bien. On pourrait penser que le film n’aurait pas cette qualité, mais il est assez coloré. La robe rouge de Brittany Snow est remarquable, mais tous les vêtements et même les bruns «normaux» et autres sont audacieux et se décollent vraiment et donnent à l’écran un caractère amusant.Les tons chair sont naturels et constants du début à la fin du film. Les traits du visage tels que les taches de rousseur, le chaume, les rides, les éraflures, les ecchymoses, le sang séché, la sueur, le maquillage et bien d’autres apparaissent assez proprement, même si le film est filtré et chronométré pour donner l’impression qu’il a une certaine authenticité d’époque pour les médias.
Audio : X prouve qu’il tire le meilleur parti de son expérience 5 canaux. Jouant astucieusement avec les volumes, l’ambiance et le placement sonore, la piste audio des films sait être ludique, susciter l’effroi et provoquer un grand à-coups. C’est un mélange merveilleusement équilibré et la musique et la partition sonnent très bien. Il y a beaucoup de profondeur et de superposition ici pour donner une belle sensation de réalité accrue au carnage à l’écran ou vous donner l’impression d’être dans les boonies un après-midi tranquille.
The X Factor (HD, 11:37) – Une réalisation assez brève de la featurette qui comprend à peu près tous les acteurs avec Ti West se félicitant les uns les autres et donnant leurs réflexions rapides sur le projet et l’excitation d’être là.
Rapport de forme : 1.78:1 Classé : 16 ans et plus Dimensions du colis : 17.3 x 13.8 x 1.4 cm; 100 grammes Réalisateur : Ti West Format : Couleur, Cinémascope Durée : 1 heure et 46 minutes Date de sortie : 16 février 2023 Acteurs : Mia Goth, Jenna Ortega, Brittany Snow, Scott Mescudi, Martin Henderson Doublé : : Anglais, Français Sous-titres : : Français Langue : Anglais (DTS-HD 2.0), Français (DTS-HD 2.0), Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS-HD 5.1) Studio : Kinovista
Deux parents divorcés se sont mariés impulsivement, mais ont ensuite décidé de l’appeler un jour. Soudain, ils apprennent que leur fille Lily part en voyage de troisième cycle à Bali et décide d’épouser un local.
Chronique : David et Georgia (George et Julia) sont un couple divorcé depuis longtemps qui a une fille, Lily (Kaitlyn Dever), qui vient de terminer ses études universitaires. Elle a de grands projets pour se lancer directement dans son travail d’avocate, mais d’abord, elle a l’intention de visiter Bali avec sa meilleure amie Wren (Billie Lourd). À son arrivée, elle rencontre Gede (Maxime Bouttier), un humble cultivateur d’algues. Le couple s’est immédiatement entendu, et bien sûr, une romance s’épanouit rapidement.
Une fois le lien amoureux scellé, le mariage est inévitable. Lorsque David et Georgia apprennent qu’un mariage a lieu à Bali, les deux doivent faire équipe pour essayer d’arrêter le mariage. Pourquoi? Parce que le couple voit des parallèles avec leur propre relation et de cette façon, ils n’ont aucun désir de voir leur fille avoir les mêmes problèmes qu’eux. Pas de mariage, pas de problème, non ? Ainsi, David et Georgia prévoient d’être synchronisés pour planifier une situation de « cheval de Troie » afin de rompre les deux.
Ticket To Paradise a l’étoffe d’une comédie romantique typique dès le début. Les personnages que nous avons déjà vus. Le scénario a été fait et refait une fois ou deux également. Parfois, même de meilleures manières ( Le mariage de mon meilleur ami, l’un de mes films préférés de Roberts, est un excellent exemple de ce scénario réalisé le mieux.) La grâce salvatrice de cette incarnation est la lueur de tout cela. George Clooney et Julia Roberts illuminent toujours l’écran. Les voir, sans âge et engagés comme ils sont ici est un vrai bonheur cinématographique. C’est quelque chose que nous avons manqué ces derniers temps. Kaitlyn Dever continue d’être une lumière similaire à l’écran, avec un rôle plus petit, plus réservé, mais tout aussi adorable et énergique… et puis il y a Billie Lourd. Nous savons qu’elle est la fille de Carrie Fisher, mais ce qu’elle a fait dans les derniers films dans lesquels nous l’avons vue, elle est tellement brillante. Lourd se taille vraiment une place de choix dans les annales des actrices de personnages. J’attends avec impatience ses moments chaque fois qu’elle apparaît à l’écran.
Au final, Ticket To Paradise a son cœur au bon endroit. C’est une comédie prévisible, douce, souriante plus que riante, mais voir cette esthétique du « vieil Hollywood » revenir au cinéma et maintenant à la maison est en quelque sorte rafraîchissant et merveilleux. C’est un film solide qui devrait laisser les fans du genre au chaud.
Vidéo : Des espaces intérieurs au cadre magnifique de Bali, nous avons droit à des bonbons colorés pour les yeux. L’image est nette, les couleurs sont riches,la clarté ressort particulièrement sur le terrain. Les verts, les bleus et les beiges éclatent et les moments où le soleil se couche, les choses ont une lueur résiduelle qui est vraiment quelque chose de spécial.La profondeur est idéale pour une présentation 1080p. Les choses semblent répandues et destinées au spectateur le plus pointilleux. Dans l’ensemble, c’est un film sans faille dans le département de la profondeur.Les niveaux de noir de ce film sont également impeccables. Il n’y a aucun élément d’écrasement, et le peu de temps que le film passe dans les zones sombres n’est aidé que par l’amour mis dans l’étalonnage des couleurs que j’aborderai ci-dessous. Il s’agit d’une présentation de couleurs luxuriantes. Les choses sont propres, immersives et colorées avec amour. De magnifiques verts, bleus, rouges et jaunes abondent. J’adore le look de ce film.
Audio : La bande-son DTS-HD est à la fois immersive, utilisable et bien plus que ce à quoi je m’attendais. Dans l’ensemble, il y a beaucoup d’amour mis dans les repères de source, le dialogue et l’activité surround légère dans les entourages avant et arrière. D’un point de vue dynamique, nous avons ici une piste très complète. Les dialogues, les effets sonores et la musique sonnent tous de manière égale et complémentaire. les basses sont réservées à certains effets liés à une scène dans un avion et à d’autres effets sonores répartis dans l’ensemble. La musique serait le prochain endroit où vous trouverez la basse au travail. Les sons de Bali abondent dans les canaux surround. L’océan, le bruit de la famille, les bateaux, l’ambiance générale… Quel travail magnifique a été fait dans l’ensemble. Le dialogue est toujours parfaitement intelligible et reproduit avec amour. Rien n’est perdu ou difficile à entendre.
Rapport de forme : 1.78:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 16.6 x 13.5 x 1.2 cm; 70 grammes Réalisateur : Ol Parker Format : Couleur, Cinémascope Durée : 1 heure et 44 minutes Date de sortie : 22 février 2023 Acteurs : George Clooney, Julia Roberts, Kaitlyn Dever, Maxime Bouttier, Billie Lourd Doublé : : Allemand, Anglais, Français, Italien Sous-titres : : Italien, Allemand, Néerlandais, Français Langue : Italien (DTS-HD High Res Audio), Français (DTS-HD High Res Audio), Allemand (DTS-HD High Res Audio), Anglais (DTS-HD 7.1) Studio : Universal Pictures France ASIN : B0BMSXWR4P
Michel OCELOT (Kirikou, Azur et Asmar) nous émerveille une fois de plus en nous transportant dans 3 contes merveilleux: une épopée de l’Égypte antique, une légende médiévale de l’Auvergne et une fantaisie du XVIIIe siècle dans des costumes ottomans et des palais turcs, pour être emporté par des rêves contrastés, peuplés de dieux splendides, de justiciers réjouissants, d’amoureux astucieux, de princes et de princesses n’en faisant qu’à leur tête dans une explosion de couleurs.
Chronique : Depuis le royaume du Soudan il y a 3000 ans jusqu’au Maroc du XVIIIe siècle, en passant par les bourreaux du Moyen Âge, le réalisateur et scénariste français Michel Ocelot fouille le passé des contes, s’en inspire, en remanie les trames dans Le pharaon, le sauvage et la princesse, un film d’animation qui met en lumière toute la rigueur du scénariste.
« Conteuse, quelle histoire veux-tu nous raconter ? — ce que tu veux, c’est la réponse de l’artiste à un public avide d’évasion. Face à la multitude de propositions présentées lors de la conférence, la conteuse (Aïssa Maïga) recueille les idées et rapidement dans le forme de trois nouvelles qu’elle a relayées.La première est Le Pharaon, une histoire inspirée d’un passage inscrit sur la « Stèle du Rêve » (VIIe siècle avant J. Tanouékamani (Oscar Lesage) devient pharaon afin de pouvoir épouser Nasalsa (Claire de La Rüe du Can), surprotégée par une mère sévère (Anne Mercier.) Bien que prévisible, comme dans la plupart des contes de fées, l’intrigue transporte le spectateur dans un lointain hier, où les dieux conversent avec les mortels et où la bonté et la sagesse triomphent des mauvaises émotions.
Pour plonger le spectateur dans l’atmosphère spécifique de chaque histoire, Ocelot a imaginé trois univers graphiques qui participent intimement à la création de l’atmosphère. L’Egypte se reconnaît à plusieurs clichés, notamment le manque de perspective dans les peintures, les personnages, l’opulence des pharaons ou des dieux Khnoum, Osiris ou Amon, qui cadrent bien avec l’histoire.
Pour accentuer le Moyen Âge, les cartographes ont opté pour la pierre grise et les personnages aux ombres noires, donnant du poids à l’atmosphère et évoquant la brutalité de cette époque de bourreaux.
Naturellement, nous passons au troisième étage, où pastèque, beignets à la cannelle, brochettes arméniennes, yaourt bulgare, groseilles à maquereau, délice turc et autres délices sont tous sous notre nez dans le marché public sous le ciel bleu marocain. Montrez-vous, vous souvenez-vous de leur parfum ? Vous pouvez presque le sentir.
Le père de Kirikou est non seulement un grand conteur, mais aussi un réalisateur de documentaires qui contribue à enrichir la culture des enfants en déterrant ici des livres anciens. On lui reprochera cependant quelques stéréotypes, notamment la belle mise en scène – le prince et la princesse sont esthétiquement parfaits – et la relation amoureuse tout aussi prévisible. Mais entrer dans le monde des contes de fées, c’est aussi insister sur la réalité, et aussi sublime soit-elle, nous en sommes tous pourvus.
Rapport de forme : 1.78:1 Classé : Tous publics Dimensions du produit (L x l x h) : 14 x 0.9 x 18.6 cm; 90 grammes Audio description : : Français Réalisateur : Michel Ocelot Format : Couleur, Cinémascope, PAL Durée : 1 heure et 20 minutes Date de sortie : 21 février 2023 Doublé : : Français Langue : Français (Dolby Digital 5.1) Studio : Diaphana
Hank est un chien enjoué qui rêve d’être samouraï dans un monde où ce privilège n’est réservé… qu’aux chats ! Moqué, refusé par toutes les écoles de samouraïs, il rencontre un gros matou grincheux, un maître guerrier qui finit par accepter de lui enseigner les techniques ancestrales des samouraïs.
Chronique : Le Film est centré sur un beagle malchanceux mais au bon cœur nommé Hank (Michael Cera) qui se retrouve dans une ville appelée Kakamucho, un village plein de chats qui ont besoin d’un héros pour défendez-les d’un chat méchant impitoyable, Ika Chu (Ricky Gervais), dont le plan ultime est d’effacer leur village de la carte. Avec l’aide et la formation fournies par son professeur réticent Jimbo (Samuel L. Jackson), Hank doit apprendre à accomplir son destin de devenir le plus grand samouraï de la ville pour sauver la ville et ses habitants de la colère d’Ika Chu.
L’acteur Michael Cera fournit la voix de Hank, un beagle qui se retrouve à Kakamucho et veut être un samouraï en herbe. En revanche, le nominé aux Oscars Samuel L. Jackson exprime Jimbo, un chat de smoking et un samouraï échoué qui devient le mentor réticent de Hank. Cera et Jackson font parfaitement leur travail car ils s’amusent car tout ce qu’ils ont toujours voulu, c’est l’amitié et l’acceptation sociale, leurs personnages montrant leur horrible passé ensemble.
Les principaux réalisateurs du film sont Rob Minkoff et Mark Koetsier, la direction supplémentaire étant assurée par Chris Bailey. Pour ceux qui connaissent le réalisateur Rob Minkoff, il a réalisé « Le Roi Lion » de Disney en 1994, qui reste le film d’animation 2D le plus rentable au monde, pendant son mandat aux Walt Disney Animation Studios. Il a également réalisé les deux premiers films « Stuart Little » et « Mr. Peabody and Sherman », qui ont été produits par DreamWorks Animation en 2014. Avant de se lancer dans « The Lion King », il a réalisé deux des trois courts métrages « Roger Rabbit » sous la supervision de Steven Spielberg. Et oui, c’est un travail impressionnant.
Le film est une comédie animée amusante que toute la famille peut apprécier ensemble. Le film ne se prend jamais au sérieux, brisant souvent le quatrième mur, avec des personnages faisant des commentaires sur le fait qu’il s’agit d’un film. Le film est rapide, avec beaucoup de gags à vue rapide, de jeux de mots et de jeux de mots. Il existe également de nombreuses références à la culture pop, certains des acteurs de la voix faisant même référence à leurs propres projets passés, tels que Jimbo de Samuel Jackson faisant une déclaration similaire à une célèbre citation de Star Wars, ou Ohga de George Takei délivrant la signature de l’acteur « Oh My ! ».
Le film présente une distribution de voix incroyable et l’humour est parfaitement adapté à chaque personnage pour correspondre au talent vocal derrière eux. Les personnages ont tous l’air si mignons et amusants, et ajoutent à cela les plaisanteries hilarantes (dont certaines ont été improvisées), et il en résulte un moment vraiment divertissant. Bien que la plupart de l’humour soit intelligent et plein d’esprit, le film recourt à de l’humour de toilette littéral, ainsi qu’à des blagues sur les pets à environ 70 minutes.
Le film se déroule dans un format d’histoire de héros assez standard, avec le premier acte mettant les choses en place, le deuxième acte suivant la formation de Hank, l’orgueil et l’échec initial, et le dernier acte étant la grande confrontation et la rédemption. J’ai vraiment apprécié le style d’animation 3D du film, qui capture tous ces personnages amusants et adorables dans les moindres détails et leur donne vraiment vie, ainsi qu’à leur monde. Il existe également quelques scènes de flashback qui déploient un look comique pop colorisé 2D fortement stylisé pour les différencier des scènes qui se déroulent dans le présent. Dans l’ensemble, j’ai passé un bon moment à regarder ce film, encore plus la deuxième fois. Il a une histoire divertissante et pleine d’action, avec beaucoup d’humour et des personnages vraiment amusants. Je regarderais certainement une suite s’ils en faisaient un.
La version DVD sonne bien, avec une image nette et détaillée qui capture toute la beauté colorée et les détails de l’animation. La piste audio Atmos est incroyablement immersive, donnant vie à l’action à l’écran dans votre salon. Cela était particulièrement visible lors des séquences d’action, comme lorsque la ville est attaquée et que des galops peuvent être entendus tout autour de vous.
Qualité vidéo
Avec un transfert étincelant en 1080p. Du début à la fin, les téléspectateurs ont droit à une gamme éblouissante de couleurs qui sautent pratiquement de l’écran avec la large gamme de teintes saturant chaque pouce du cadre. Les niveaux de noir sont très profonds sans aucune trace d’artefacts de compression ou d’anomalies numériques de ce type. Il y a énormément de soin et de détails mis dans chaque environnement unique qui brille vraiment ici. Les textures de ces lieux et la conception des personnages ne sont jamais moins qu’impressionnantes et donnent au film une réelle profondeur. Les conceptions des personnages sont soigneusement conçues et se fondent parfaitement dans le monde.
Qualité audio
Ce dvd surprend vraiment avec une piste qui donne à ce film cinétique une présentation totalement immersive. Le dialogue passe clairement sans jamais être supprimé par la partition ou les effets sonores concurrents. Les canaux avant attirent beaucoup l’attention sur les sons principaux, mais l’activité se fait sentir dans les environs et les arrières à la fois dans les morceaux orientés vers l’action et lors de l’établissement de l’environnement. L’ajout des canaux de hauteur ouvre également ce monde encore plus loin avec des sons dynamiques planant au-dessus. Ces haut-parleurs ne portent peut-être pas le poids principal de la piste, mais cela élargit bien les choses. Les effets bas de gamme donnent aux poussières cet effort supplémentaire pour composer le plaisir. Les effets sonores atmosphériques sont rendus de manière appropriée dans le mixage afin que la directionnalité ne soit jamais un problème. La partition complète bien l’action et s’écoule avec une fidélité irréprochable. Cette piste est vraiment agréable tout autour.
Penchés sur une large feuille blanche quelque part entre Montmartre et Saint-Germain-des-Prés, Jean-Jacques Sempé et René Goscinny donnent vie à un petit garçon rieur et malicieux, le Petit Nicolas.
Chronique : Les téléspectateurs qui viendront découvrir une autre adaptation de l’histoire du « Petit Nicolas » seront forcément déçus. Mais ils ont tort ! Car la problématique ici n’est pas de raconter l’histoire dudit Petit Nicolas, mais de retracer sa création et, à travers elle, le souvenir de la rencontre, de la vie, de l’amitié et de leurs débuts des deux auteurs, en gardant le style graphique : Jean- Jacques Sempé est responsable des traits (le premier initiateur du personnage), René Goscinny est responsable du texte, de la scène, de l’histoire… Comme nous le verrons par exemple et par mise en contexte, cette approche à deux auteurs s’appuie nécessairement sur des apports et des ajouts d’un auteur à l’autre, et d’un auteur à l’autre.
Le « Petit Nicolas », c’est plus de 15 millions d’exemplaires vendus dans le monde, traduit en une trentaine de langues nationales et autant de langues régionales. 500.000 mille exemplaires par an encore vendus aujourd’hui. Qui dit mieux ? Astérix ! Du même père à l’écrit, normalement tout le monde sait ça. Un très bel hommage, empreint d’émotions, de sensibilité, de nostalgie.
Le Petit Nicolas s’est vendu à plus de 15 millions d’exemplaires dans le monde et a été traduit dans une trentaine de langues nationales et de nombreuses langues locales. Il se vend encore aujourd’hui à 500 millions d’exemplaires par an. Qui l’a mieux dit ? Astérix ! Paroles du même père, généralement tout le monde le sait. Un très bel hommage, plein d’émotion, de sensibilité et de nostalgie.
Vidéo :
La palette de couleurs est tout simplement incroyable du début à la fin. Les couleurs primaires sont vives, audacieuses et riches à tous les niveaux. C’est un arc-en-ciel de couleurs qui ne se démarque jamais trop, mais qui constitue un équilibre parfait de couleurs élégantes, fidèles à Sempé.
L’animation est fluide et très détaillée. Les textures des visages, des vêtements, de la maison et du village sont magnifiques. L’image ajoutée permet à ces détails de respirer sans jamais se pixelliser ou sembler flous. Les lignes blanches et l’animation sont toujours fantastiques. Il n’y a jamais de problèmes de bandes, d’aliasing ou de bruit vidéo non plus. C’est une image pittoresque et magnifique.
Audio :
Chaque bruit possède une merveilleuse directivité et est dynamique et on reconnait parfaitement Alain Chabat et Laurent Laffite . Les bruits d’ambiance ainsi que les sons de la ville sont également remarquables.
Les haut-parleurs de hauteur n’offrent pas souvent du son, mais quand ils le font, c’est toujours un régal. Les dialogues sont clairs et nets et ne présentent aucun problème audio.
Rapport de forme : 1.85:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 19.2 x 13.7 x 1.7 cm; 50 grammes Audio description : : Français Réalisateur : Amandine Fredon, Benjamin Massoubre Format : Couleur, Cinémascope, PAL Durée : 1 heure et 22 minutes Date de sortie : 9 février 2023
Une croisière pour les super-riches coule laissant ainsi des survivants, dont un couple de célébrités mannequins, piégés sur une île.
Chronique : « Triangle of Sadness » de Ruben Östlund est devenu l’un des lauréats de la Palme d’Or les plus controversés depuis des années. D’un côté, il y a ceux qui pensent que ses thèmes soulignés et ses cibles évidentes sont un peu grossiers et évidents. D’un autre côté, il y a des gens qui diraient que ces cibles méritent d’être embrochées et le scénariste/réalisateur de « Force Majeure »» et « The Square » utilise son esprit pour le faire avec une précision hystérique. Étant donné que cette croisière cinématographique dure presque aussi longtemps qu’une « visite de trois heures », il est facile de voir les deux côtés de ce débat. Il y a indéniablement des échanges de dialogues pointus et des rebondissements divertissants dans le démantèlement d’Östlund de l’élite peu profonde, et pourtant certains d’entre eux, en particulier dans l’acte final, commencent à se sentir redondants, et peut-être même aussi superficiels que les riches que le film recherche. abattre. Pourtant, si « Triangle of Sadness » est en deçà de la grandeur, il vit confortablement au niveau de la bonté, même s’il déballe un si mauvais comportement.
Bien sûr, « Triangle of Sadness » raconte une histoire en trois actes, dont le premier pourrait en fait être mon préféré. Court métrage à part entière, il nous présente deux modèles de rencontres, Carl ( Harris Dickinson ) et Yaya ( Charlbi Dean ) à la fin d’un dîner chic. La facture est restée assez longtemps pour que Carl se rende compte que sa petite amie n’a pas l’intention de payer, même si elle a dit hier soir qu’elle le ferait. Les deux se disputent à propos de ses hypothèses fondées sur le sexe et le dialogue d’Östlund tourne et tourbillonne alors que la discussion revient à l’hôtel que Yaya note qu’elle couvre pour Carl. C’est un prologue très prometteur pour « Triangle of Sadness », une implication que le film va entrer dans les rôles de genre et les relations transactionnelles d’une manière nette et nouvelle.
Et puis ça ne fait pas tout à fait ça. Comme je le sentais aussi avec « The Square », Östlund a l’habitude de se laisser distraire par une idée similaire sans faire le travail pour la rattacher à la précédente de manière satisfaisante. La section médiane de « Triangle of Sadness » se déroule à bord d’un yacht que Yaya et Carl ont été invités à promouvoir socialement. (Elle prendra des photos d’elle-même avec des pâtes près de sa bouche mais ne les mangera pas réellement.) C’est ici qu’Östlund joue un petit « Upstairs, Downstairs », nous présentant à une équipe de personnes si riches qu’elles ont perdu tout contact avec la moyenne. réalité. La plupart d’entre eux ont acquis une richesse générationnelle grâce à des entreprises qui n’ont pas vraiment amélioré le monde, comme le gentil couple de personnes âgées dont la fortune vient des grenades ou le monsieur qui aime dire aux gens qu’il a gagné son argent avec de la merde – c’est un magnat des engrais.
L’intention d’Östlund se traduit par une série d’échanges amers. Une femme ( Mia Benson ) insiste sur le fait que les voiles du navire doivent être nettoyées – le yacht n’a pas de voiles. Carl devient jaloux d’un travailleur torse nu qui attire l’attention de Yaya et le fait donc virer. Un génie du logiciel milquetoast ( Oliver Ford Davies ) prend vie lorsque deux jolies femmes prennent une photo avec lui. Un passager ( Sunnyi Melles ) insiste pour que tout l’équipage aille se baigner. Dans le choix le plus déconcertant d’Östlund, une autre femme ( Iris Berben ) a été handicapée par un accident vasculaire cérébral et ne peut que répéter les mots « In Den Wolken », qui signifie « Dans les nuages ». De toute évidence, c’est là que Östlund pense que la plupart de ces personnes vivent, loin d’une réalité ancrée.
C’est assez évident, mais cela crée un terrain fertile pour un démantèlement potentiel des attentes de la société. Ces gens ont clairement été mis en place pour tomber des piédestaux sur lesquels ils vivent. Cela vient dans la pièce maîtresse de « Triangle of Sadness », une séquence ridicule mais captivante dans laquelle les passagers s’assoient pour un somptueux dîner du capitaine par une nuit orageuse. En tant que Woody Harrelson le capitaine fatigué du monde mange un hamburger au lieu de la concoction que les chefs ont imaginée pour impressionner les passagers, Östlund incline sa caméra d’avant en arrière avec les vagues, nous faisant nous sentir presque aussi nauséeux que les personnages à l’écran. La nuit se transforme en une expression chaotique de fluides corporels qui détruisent fondamentalement toutes les structures sociétales et mettent en place l’acte final, celui qui inverse les rôles et place l’un des ouvriers du navire (un mémorable Dolly De Leon) dans une position de pouvoir inattendu.
Il est difficile de secouer le sentiment qu’Östlund pense qu’il en dit plus ici qu’il ne l’est réellement – je pense que l’intention prétentieuse est à l’origine de la plupart du côté haineux de la division de ce film – mais cela n’a pas rendu le film beaucoup moins divertissant comme une satire sociale pour moi. Östlund est en train de tirer du poisson dans un baril, mais le poisson l’a eu, et il les fait cuire dans un repas savoureux, avec de l’oursin et de l’émulsion de calmar sur le côté. J’aurais aimé que le voyage ait été à la hauteur de son prologue – Carl et Yaya, malgré une performance captivante de Dean, deviennent des acteurs mineurs de manière inattendue alors qu’Östlund s’intéresse plus aux thèmes qu’aux personnes – mais je ne regrette pas d’embarquer sur le navire.
est DVD:
Image :Une image au piqué affuté, extrêmement détaillée et aux couleurs profondes. Belle tenue des noirs. Les ambiances sont parfaitement retranscrites et le support se révèle d’une grande efficacité. Les contrastes donnent un volume et une profondeur à l’image à la hauteur de l’ensemble
Son : Le son bénéficie d’une grande qualité sonores.Les effets sonores du film envahissent les différents canaux, avec beaucoup de précision et de dynamique.
Bonus : Côté Bonus, les interviews du réalisateurs sont intéressantes ce qui qui nous permet de découvrir de l’intérieur la création de ce film ainsi que les scènes coupés et rush des casting
Rapport de forme : 2.35:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 19.5 x 13.5 x 1.8 cm; 100 grammes Réalisateur : Ruben Östlund Format : Couleur, PAL, Cinémascope Durée : 2 heures et 21 minutes Date de sortie : 26 janvier 2023 Acteurs : Harris Dickinson, Charlbi Dean, Vicki Berlin, Oliver Ford Davies, Arvin Kananian Doublé : : Anglais, Français Sous-titres : : Français Langue : Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1) Studio : M6 Vidéo
Tout le monde a toujours aimé Jeanne. Aujourd’hui, elle se déteste. Surendettée, elle doit se rendre à Lisbonne et mettre en vente l’appartement de sa mère disparue un an auparavant. À l’aéroport elle tombe sur Jean, un ancien camarade de lycée fantasque et quelque peu envahissant.
Chronique : Le premier film de Céline Devaux et le premier vrai rôle au grand écran de Blanche Gardin. Elle est vraiment bien là-bas, tout en sobriété, presque discrète, mais renversante. A ses côtés, Laurent Lafitte est tout aussi délicieux. C’est une comédie dramatique avec plus de douceur que d’amertume, plus de soleil que de tristesse ou de nostalgie. Une belle chronique du deuil et de la perte d’un parent, de la dépression qui en résulte, puis du retour à la surface. Tout est écrit avec une grande sensibilité. C’est aussi plein d’humour et souvent excentrique. L’esprit et la conscience de l’héroïne sont montrés à travers des voix off et des courts métrages animés par une sorte de petit personnage, un petit fantôme poilu, c’est donc un premier long métrage très réussi pas comme les autres. Et vous ne vous ennuierez pas une seconde. Un très bon film, original, touchant, plein d’espoir et une très belle surprise. Comédie de la dépression et du deuil, « Tout le monde aime Jeanne » réussit à nous faire rire sur un sujet grave.
Vidéo : Il n’y a pas beaucoup d’énergie dans la saturation des couleurs, le bleu est une force dominante. Les tons chair se réduisent à une teinte pâle. Les primaires abandonnent leur contrôle. Le contraste faiblit également, étouffé par le classement et rarement proéminent.
Hormis quelques instants prévus, le bruit n’est pas pris en compte. L’encodage maintient la clarté, totalement transparent pour un film de source numérique. Au milieu de l’action, il se produit parfois des échecs, clairement un appareil photo plus petit et plus polyvalent utilisé pour ces prises de vue complexes. Chacun est trop bref pour provoquer une alarme.
Une résolution stable apporte des détails complets, rendus proprement. Les détails du visage résolus impressionnent, et étant donné à quel point Tout Le Monde Aime Jeanne repose sur des gros plans serrés, c’est important. Les extérieurs ont fière allure aussi, naturellement nets et riches en définition.
Son :La conception du son soulève l’action souvent à petite échelle en générant de l’énergie dans le bas de gamme. Les hors champs et l’ambiance de la jouent bien, séparant l’audio pour créer une scène sonore convaincante.
Bonus:
Trois courts-métrages de Céline Devaux : Vie et mort de l’illustre Gregori Efimovitch Raspoutine (2013), Le Repas Dominical (2016), Gros Chagrin (2017)
Entretien musical avec Flavien Berger, compositeur de la musique du film
Rapport de forme : 2.35:1 Classé : Tous publics Dimensions du produit (L x l x h) : 13.5 x 1.3 x 19 cm; 82 grammes Audio description : : Français Réalisateur : Céline Devaux Format : Couleur, Cinémascope, PAL Durée : 1 heure et 33 minutes Date de sortie : 17 janvier 2023 Acteurs : Blanche Gardin, Laurent Lafitte, Maxence Tual, Nuno Lopes, Marthe Keller Doublé : : Français
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