Deux parents divorcés se sont mariés impulsivement, mais ont ensuite décidé de l’appeler un jour. Soudain, ils apprennent que leur fille Lily part en voyage de troisième cycle à Bali et décide d’épouser un local.

Chronique : David et Georgia (George et Julia) sont un couple divorcé depuis longtemps qui a une fille, Lily (Kaitlyn Dever), qui vient de terminer ses études universitaires. Elle a de grands projets pour se lancer directement dans son travail d’avocate, mais d’abord, elle a l’intention de visiter Bali avec sa meilleure amie Wren (Billie Lourd). À son arrivée, elle rencontre Gede (Maxime Bouttier), un humble cultivateur d’algues. Le couple s’est immédiatement entendu, et bien sûr, une romance s’épanouit rapidement.

Une fois le lien amoureux scellé, le mariage est inévitable. Lorsque David et Georgia apprennent qu’un mariage a lieu à Bali, les deux doivent faire équipe pour essayer d’arrêter le mariage. Pourquoi? Parce que le couple voit des parallèles avec leur propre relation et de cette façon, ils n’ont aucun désir de voir leur fille avoir les mêmes problèmes qu’eux. Pas de mariage, pas de problème, non ? Ainsi, David et Georgia prévoient d’être synchronisés pour planifier une situation de « cheval de Troie » afin de rompre les deux.

Ticket To Paradise a l’étoffe d’une comédie romantique typique dès le début. Les personnages que nous avons déjà vus. Le scénario a été fait et refait une fois ou deux également. Parfois, même de meilleures manières ( Le mariage de mon meilleur ami, l’un de mes films préférés de Roberts, est un excellent exemple de ce scénario réalisé le mieux.) La grâce salvatrice de cette incarnation est la lueur de tout cela. George Clooney et Julia Roberts illuminent toujours l’écran. Les voir, sans âge et engagés comme ils sont ici est un vrai bonheur cinématographique. C’est quelque chose que nous avons manqué ces derniers temps. Kaitlyn Dever continue d’être une lumière similaire à l’écran, avec un rôle plus petit, plus réservé, mais tout aussi adorable et énergique… et puis il y a Billie Lourd. Nous savons qu’elle est la fille de Carrie Fisher, mais ce qu’elle a fait dans les derniers films dans lesquels nous l’avons vue, elle est tellement brillante. Lourd se taille vraiment une place de choix dans les annales des actrices de personnages. J’attends avec impatience ses moments chaque fois qu’elle apparaît à l’écran.

Au final, Ticket To Paradise a son cœur au bon endroit. C’est une comédie prévisible, douce, souriante plus que riante, mais voir cette esthétique du « vieil Hollywood » revenir au cinéma et maintenant à la maison est en quelque sorte rafraîchissant et merveilleux. C’est un film solide qui devrait laisser les fans du genre au chaud.

Vidéo : Des espaces intérieurs au cadre magnifique de Bali, nous avons droit à des bonbons colorés pour les yeux. L’image est nette, les couleurs sont riches,la clarté ressort particulièrement sur le terrain. Les verts, les bleus et les beiges éclatent et les moments où le soleil se couche, les choses ont une lueur résiduelle qui est vraiment quelque chose de spécial.La profondeur est idéale pour une présentation 1080p. Les choses semblent répandues et destinées au spectateur le plus pointilleux. Dans l’ensemble, c’est un film sans faille dans le département de la profondeur.Les niveaux de noir de ce film sont également impeccables. Il n’y a aucun élément d’écrasement, et le peu de temps que le film passe dans les zones sombres n’est aidé que par l’amour mis dans l’étalonnage des couleurs que j’aborderai ci-dessous. Il s’agit d’une présentation de couleurs luxuriantes. Les choses sont propres, immersives et colorées avec amour. De magnifiques verts, bleus, rouges et jaunes abondent. J’adore le look de ce film.

Audio : La bande-son DTS-HD est à la fois immersive, utilisable et bien plus que ce à quoi je m’attendais. Dans l’ensemble, il y a beaucoup d’amour mis dans les repères de source, le dialogue et l’activité surround légère dans les entourages avant et arrière. D’un point de vue dynamique, nous avons ici une piste très complète. Les dialogues, les effets sonores et la musique sonnent tous de manière égale et complémentaire.  les basses sont réservées à certains effets liés à une scène dans un avion et à d’autres effets sonores répartis dans l’ensemble. La musique serait le prochain endroit où vous trouverez la basse au travail. Les sons de Bali abondent dans les canaux surround. L’océan, le bruit de la famille, les bateaux, l’ambiance générale… Quel travail magnifique a été fait dans l’ensemble. Le dialogue est toujours parfaitement intelligible et reproduit avec amour. Rien n’est perdu ou difficile à entendre.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 16.6 x 13.5 x 1.2 cm; 70 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Ol Parker Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 1 heure et 44 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 22 février 2023 Acteurs ‏ : ‎ George Clooney, Julia Roberts, Kaitlyn Dever, Maxime Bouttier, Billie Lourd Doublé : ‏ : ‎ Allemand, Anglais, Français, Italien Sous-titres : ‏ : ‎ Italien, Allemand, Néerlandais, Français Langue ‏ : ‎ Italien (DTS-HD High Res Audio), Français (DTS-HD High Res Audio), Allemand (DTS-HD High Res Audio), Anglais (DTS-HD 7.1) Studio  ‏ : ‎ Universal Pictures France ASIN ‏ : ‎ B0BMSXWR4P

Michel OCELOT (Kirikou, Azur et Asmar) nous émerveille une fois de plus en nous transportant dans 3 contes merveilleux: une épopée de l’Égypte antique, une légende médiévale de l’Auvergne et une fantaisie du XVIIIe siècle dans des costumes ottomans et des palais turcs, pour être emporté par des rêves contrastés, peuplés de dieux splendides, de justiciers réjouissants, d’amoureux astucieux, de princes et de princesses n’en faisant qu’à leur tête dans une explosion de couleurs.

Chronique : Depuis le royaume du Soudan il y a 3000 ans jusqu’au Maroc du XVIIIe siècle, en passant par les bourreaux du Moyen Âge, le réalisateur et scénariste français Michel Ocelot fouille le passé des contes, s’en inspire, en remanie les trames dans Le pharaon, le sauvage et la princesse, un film d’animation qui met en lumière toute la rigueur du scénariste.

« Conteuse, quelle histoire veux-tu nous raconter ? — ce que tu veux, c’est la réponse de l’artiste à un public avide d’évasion. Face à la multitude de propositions présentées lors de la conférence, la conteuse (Aïssa Maïga) recueille les idées et rapidement dans le forme de trois nouvelles qu’elle a relayées.La première est Le Pharaon, une histoire inspirée d’un passage inscrit sur la « Stèle du Rêve » (VIIe siècle avant J. Tanouékamani (Oscar Lesage) devient pharaon afin de pouvoir épouser Nasalsa (Claire de La Rüe du Can), surprotégée par une mère sévère (Anne Mercier.) Bien que prévisible, comme dans la plupart des contes de fées, l’intrigue transporte le spectateur dans un lointain hier, où les dieux conversent avec les mortels et où la bonté et la sagesse triomphent des mauvaises émotions.

Pour plonger le spectateur dans l’atmosphère spécifique de chaque histoire, Ocelot a imaginé trois univers graphiques qui participent intimement à la création de l’atmosphère. L’Egypte se reconnaît à plusieurs clichés, notamment le manque de perspective dans les peintures, les personnages, l’opulence des pharaons ou des dieux Khnoum, Osiris ou Amon, qui cadrent bien avec l’histoire.

Pour accentuer le Moyen Âge, les cartographes ont opté pour la pierre grise et les personnages aux ombres noires, donnant du poids à l’atmosphère et évoquant la brutalité de cette époque de bourreaux.

Naturellement, nous passons au troisième étage, où pastèque, beignets à la cannelle, brochettes arméniennes, yaourt bulgare, groseilles à maquereau, délice turc et autres délices sont tous sous notre nez dans le marché public sous le ciel bleu marocain. Montrez-vous, vous souvenez-vous de leur parfum ? Vous pouvez presque le sentir.

Le père de Kirikou est non seulement un grand conteur, mais aussi un réalisateur de documentaires qui contribue à enrichir la culture des enfants en déterrant ici des livres anciens. On lui reprochera cependant quelques stéréotypes, notamment la belle mise en scène – le prince et la princesse sont esthétiquement parfaits – et la relation amoureuse tout aussi prévisible. Mais entrer dans le monde des contes de fées, c’est aussi insister sur la réalité, et aussi sublime soit-elle, nous en sommes tous pourvus.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du produit (L x l x h) ‏ : ‎ 14 x 0.9 x 18.6 cm; 90 grammes Audio description : ‏ : ‎ Français Réalisateur ‏ : ‎ Michel Ocelot Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope, PAL Durée ‏ : ‎ 1 heure et 20 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 21 février 2023 Doublé : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ Diaphana

Hank est un chien enjoué qui rêve d’être samouraï dans un monde où ce privilège n’est réservé… qu’aux chats ! Moqué, refusé par toutes les écoles de samouraïs, il rencontre un gros matou grincheux, un maître guerrier qui finit par accepter de lui enseigner les techniques ancestrales des samouraïs.

Chronique : Le Film est centré sur un beagle malchanceux mais au bon cœur nommé Hank (Michael Cera) qui se retrouve dans une ville appelée Kakamucho, un village plein de chats qui ont besoin d’un héros pour défendez-les d’un chat méchant impitoyable, Ika Chu (Ricky Gervais), dont le plan ultime est d’effacer leur village de la carte. Avec l’aide et la formation fournies par son professeur réticent Jimbo (Samuel L. Jackson), Hank doit apprendre à accomplir son destin de devenir le plus grand samouraï de la ville pour sauver la ville et ses habitants de la colère d’Ika Chu.

L’acteur Michael Cera fournit la voix de Hank, un beagle qui se retrouve à Kakamucho et veut être un samouraï en herbe. En revanche, le nominé aux Oscars Samuel L. Jackson exprime Jimbo, un chat de smoking et un samouraï échoué qui devient le mentor réticent de Hank. Cera et Jackson font parfaitement leur travail car ils s’amusent car tout ce qu’ils ont toujours voulu, c’est l’amitié et l’acceptation sociale, leurs personnages montrant leur horrible passé ensemble.

Les principaux réalisateurs du film sont Rob Minkoff et Mark Koetsier, la direction supplémentaire étant assurée par Chris Bailey. Pour ceux qui connaissent le réalisateur Rob Minkoff, il a réalisé « Le Roi Lion » de Disney en 1994, qui reste le film d’animation 2D le plus rentable au monde, pendant son mandat aux Walt Disney Animation Studios. Il a également réalisé les deux premiers films « Stuart Little » et « Mr. Peabody and Sherman », qui ont été produits par DreamWorks Animation en 2014. Avant de se lancer dans « The Lion King », il a réalisé deux des trois courts métrages « Roger Rabbit » sous la supervision de Steven Spielberg. Et oui, c’est un travail impressionnant.

Le film est une comédie animée amusante que toute la famille peut apprécier ensemble. Le film ne se prend jamais au sérieux, brisant souvent le quatrième mur, avec des personnages faisant des commentaires sur le fait qu’il s’agit d’un film. Le film est rapide, avec beaucoup de gags à vue rapide, de jeux de mots et de jeux de mots. Il existe également de nombreuses références à la culture pop, certains des acteurs de la voix faisant même référence à leurs propres projets passés, tels que Jimbo de Samuel Jackson faisant une déclaration similaire à une célèbre citation de Star Wars, ou Ohga de George Takei délivrant la signature de l’acteur « Oh My ! ».

Le film présente une distribution de voix incroyable et l’humour est parfaitement adapté à chaque personnage pour correspondre au talent vocal derrière eux. Les personnages ont tous l’air si mignons et amusants, et ajoutent à cela les plaisanteries hilarantes (dont certaines ont été improvisées), et il en résulte un moment vraiment divertissant. Bien que la plupart de l’humour soit intelligent et plein d’esprit, le film recourt à de l’humour de toilette littéral, ainsi qu’à des blagues sur les pets à environ 70 minutes.

Le film se déroule dans un format d’histoire de héros assez standard, avec le premier acte mettant les choses en place, le deuxième acte suivant la formation de Hank, l’orgueil et l’échec initial, et le dernier acte étant la grande confrontation et la rédemption. J’ai vraiment apprécié le style d’animation 3D du film, qui capture tous ces personnages amusants et adorables dans les moindres détails et leur donne vraiment vie, ainsi qu’à leur monde. Il existe également quelques scènes de flashback qui déploient un look comique pop colorisé 2D fortement stylisé pour les différencier des scènes qui se déroulent dans le présent. Dans l’ensemble, j’ai passé un bon moment à regarder ce film, encore plus la deuxième fois. Il a une histoire divertissante et pleine d’action, avec beaucoup d’humour et des personnages vraiment amusants. Je regarderais certainement une suite s’ils en faisaient un.

La version DVD sonne bien, avec une image nette et détaillée qui capture toute la beauté colorée et les détails de l’animation. La piste audio Atmos est incroyablement immersive, donnant vie à l’action à l’écran dans votre salon. Cela était particulièrement visible lors des séquences d’action, comme lorsque la ville est attaquée et que des galops peuvent être entendus tout autour de vous.

Qualité vidéo

Avec un transfert étincelant en 1080p. Du début à la fin, les téléspectateurs ont droit à une gamme éblouissante de couleurs qui sautent pratiquement de l’écran avec la large gamme de teintes saturant chaque pouce du cadre. Les niveaux de noir sont très profonds sans aucune trace d’artefacts de compression ou d’anomalies numériques de ce type. Il y a énormément de soin et de détails mis dans chaque environnement unique qui brille vraiment ici. Les textures de ces lieux et la conception des personnages ne sont jamais moins qu’impressionnantes et donnent au film une réelle profondeur. Les conceptions des personnages sont soigneusement conçues et se fondent parfaitement dans le monde.

Qualité audio

Ce dvd surprend vraiment avec une piste qui donne à ce film cinétique une présentation totalement immersive. Le dialogue passe clairement sans jamais être supprimé par la partition ou les effets sonores concurrents. Les canaux avant attirent beaucoup l’attention sur les sons principaux, mais l’activité se fait sentir dans les environs et les arrières à la fois dans les morceaux orientés vers l’action et lors de l’établissement de l’environnement. L’ajout des canaux de hauteur ouvre également ce monde encore plus loin avec des sons dynamiques planant au-dessus. Ces haut-parleurs ne portent peut-être pas le poids principal de la piste, mais cela élargit bien les choses. Les effets bas de gamme donnent aux poussières cet effort supplémentaire pour composer le plaisir. Les effets sonores atmosphériques sont rendus de manière appropriée dans le mixage afin que la directionnalité ne soit jamais un problème. La partition complète bien l’action et s’écoule avec une fidélité irréprochable. Cette piste est vraiment agréable tout autour.

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Penchés sur une large feuille blanche quelque part entre Montmartre et Saint-Germain-des-Prés, Jean-Jacques Sempé et René Goscinny donnent vie à un petit garçon rieur et malicieux, le Petit Nicolas.

Chronique : Les téléspectateurs qui viendront découvrir une autre adaptation de l’histoire du « Petit Nicolas » seront forcément déçus. Mais ils ont tort ! Car la problématique ici n’est pas de raconter l’histoire dudit Petit Nicolas, mais de retracer sa création et, à travers elle, le souvenir de la rencontre, de la vie, de l’amitié et de leurs débuts des deux auteurs, en gardant le style graphique : Jean- Jacques Sempé est responsable des traits (le premier initiateur du personnage), René Goscinny est responsable du texte, de la scène, de l’histoire…
Comme nous le verrons par exemple et par mise en contexte, cette approche à deux auteurs s’appuie nécessairement sur des apports et des ajouts d’un auteur à l’autre, et d’un auteur à l’autre.

Le « Petit Nicolas », c’est plus de 15 millions d’exemplaires vendus dans le monde, traduit en une trentaine de langues nationales et autant de langues régionales. 500.000 mille exemplaires par an encore vendus aujourd’hui. Qui dit mieux ? Astérix ! Du même père à l’écrit, normalement tout le monde sait ça. Un très bel hommage, empreint d’émotions, de sensibilité, de nostalgie.

Le Petit Nicolas s’est vendu à plus de 15 millions d’exemplaires dans le monde et a été traduit dans une trentaine de langues nationales et de nombreuses langues locales. Il se vend encore aujourd’hui à 500 millions d’exemplaires par an. Qui l’a mieux dit ? Astérix ! Paroles du même père, généralement tout le monde le sait. Un très bel hommage, plein d’émotion, de sensibilité et de nostalgie.

Vidéo :

La palette de couleurs est tout simplement incroyable du début à la fin. Les couleurs primaires sont vives, audacieuses et riches à tous les niveaux. C’est un arc-en-ciel de couleurs qui ne se démarque jamais trop, mais qui constitue un équilibre parfait de couleurs élégantes, fidèles à Sempé.

L’animation est fluide et très détaillée. Les textures des visages, des vêtements, de la maison et du village sont magnifiques. L’image ajoutée permet à ces détails de respirer sans jamais se pixelliser ou sembler flous. Les lignes blanches et l’animation sont toujours fantastiques. Il n’y a jamais de problèmes de bandes, d’aliasing ou de bruit vidéo non plus. C’est une image pittoresque et magnifique.

Audio :

Chaque bruit possède une merveilleuse directivité et est dynamique et on reconnait parfaitement Alain Chabat et Laurent Laffite . Les bruits d’ambiance ainsi que les sons de la ville sont également remarquables.

Les haut-parleurs de hauteur n’offrent pas souvent du son, mais quand ils le font, c’est toujours un régal. Les dialogues sont clairs et nets et ne présentent aucun problème audio.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.85:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 19.2 x 13.7 x 1.7 cm; 50 grammes Audio description : ‏ : ‎ Français Réalisateur ‏ : ‎ Amandine Fredon, Benjamin Massoubre Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope, PAL Durée ‏ : ‎ 1 heure et 22 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 9 février 2023

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Tout le monde a toujours aimé Jeanne. Aujourd’hui, elle se déteste. Surendettée, elle doit se rendre à Lisbonne et mettre en vente l’appartement de sa mère disparue un an auparavant. À l’aéroport elle tombe sur Jean, un ancien camarade de lycée fantasque et quelque peu envahissant.

Chronique : Le premier film de Céline Devaux et le premier vrai rôle au grand écran de Blanche Gardin. Elle est vraiment bien là-bas, tout en sobriété, presque discrète, mais renversante. A ses côtés, Laurent Lafitte est tout aussi délicieux. C’est une comédie dramatique avec plus de douceur que d’amertume, plus de soleil que de tristesse ou de nostalgie. Une belle chronique du deuil et de la perte d’un parent, de la dépression qui en résulte, puis du retour à la surface. Tout est écrit avec une grande sensibilité. C’est aussi plein d’humour et souvent excentrique. L’esprit et la conscience de l’héroïne sont montrés à travers des voix off et des courts métrages animés par une sorte de petit personnage, un petit fantôme poilu, c’est donc un premier long métrage très réussi pas comme les autres. Et vous ne vous ennuierez pas une seconde. Un très bon film, original, touchant, plein d’espoir et une très belle surprise. Comédie de la dépression et du deuil, « Tout le monde aime Jeanne » réussit à nous faire rire sur un sujet grave.

Vidéo : Il n’y a pas beaucoup d’énergie dans la saturation des couleurs, le bleu est une force dominante. Les tons chair se réduisent à une teinte pâle. Les primaires abandonnent leur contrôle. Le contraste faiblit également, étouffé par le classement et rarement proéminent.

Hormis quelques instants prévus, le bruit n’est pas pris en compte. L’encodage maintient la clarté, totalement transparent pour un film de source numérique. Au milieu de l’action, il se produit parfois des échecs, clairement un appareil photo plus petit et plus polyvalent utilisé pour ces prises de vue complexes. Chacun est trop bref pour provoquer une alarme.

Une résolution stable apporte des détails complets, rendus proprement. Les détails du visage résolus impressionnent, et étant donné à quel point Tout Le Monde Aime Jeanne repose sur des gros plans serrés, c’est important. Les extérieurs ont fière allure aussi, naturellement nets et riches en définition.

Son :La conception du son soulève l’action souvent à petite échelle en générant de l’énergie dans le bas de gamme. Les hors champs et l’ambiance de la jouent bien, séparant l’audio pour créer une scène sonore convaincante.

Bonus:

• Trois courts-métrages de Céline Devaux : Vie et mort de l’illustre Gregori Efimovitch Raspoutine (2013), Le Repas Dominical (2016), Gros Chagrin (2017)
• Entretien musical avec Flavien Berger, compositeur de la musique du film

Rapport de forme ‏ : ‎ 2.35:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du produit (L x l x h) ‏ : ‎ 13.5 x 1.3 x 19 cm; 82 grammes Audio description : ‏ : ‎ Français Réalisateur ‏ : ‎ Céline Devaux Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope, PAL Durée ‏ : ‎ 1 heure et 33 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 17 janvier 2023 Acteurs ‏ : ‎ Blanche Gardin, Laurent Lafitte, Maxence Tual, Nuno Lopes, Marthe Keller Doublé : ‏ : ‎ Français

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MOONAGE DAYDREAM de Brett Morgen est une immersion dans l’art visuel et musical de David Bowie.

Chronique : Dans Moonage Daydream , le nouveau film documentaire de Brett Morgen, David Bowie raconte l’histoire de sa vie et de sa carrière avec un son extrait d’une multitude d’interviews au fil des années et des décennies. Il n’y a pas de « têtes parlantes » pour nous guider (il n’y a même pas de sous-titres), la seule voix que nous entendons est celle de Bowie et des différents intervieweurs du monde entier qui lui ont parlé. Tout cela est réglé sur des images de David Bowie étant David Bowie. Qu’il s’agisse de jouer en direct sur la tournée Ziggy Stardust en 1972/3, de se promener en Extrême-Orient (du documentaire Ricochet de 1984), de jouer dans des films ( The Man Who Fell To Earth ) ou simplement de parler à Russel Harty.

À un égard, le documentaire est assez traditionnel, avec l’histoire sonore de Bowie globalement dans l’ordre chronologique. Il nous parle de son éducation « ordinaire », de sa relation cool avec sa mère (« on s’entend »), de l’influence positive de son demi-frère Terry (qui a passé la majeure partie de sa vie à l’hôpital à cause de la schizophrénie) et au début des années 1970, son attitude détendue envers la (bi)sexualité. Nous traversons les différentes phases de sa vie créative, alors qu’il part pour l’Amérique pour s’imprégner des influences (comme une mouche dans un carton de lait !), se rend à Berlin pour enregistrer avec Eno et Visconti, décide de devenir un « artiste » au début des années 80 avec Let’s Danceet se retrouve ensuite dans le ghetto créatif du rock d’entreprise parrainé par Pepsi pendant la majeure partie du reste de cette décennie. Il renoue avec son désir d’être artistique, se jure de se faire plaisir dans les années 1990, rencontre sa seconde épouse Iman (il n’est pas question d’Angie), tombe amoureux et est enfin satisfait.

C’est là que la convention s’arrête. Visuellement , Moonage Daydream est un festin, à la limite parfois de l’excès. Pendant que Bowie nous parle, Morgen superpose souvent un visuel pertinent pour la période, avant de juxtaposer d’autres clichés de David d’époques complètement différentes de sa vie et de sa carrière. Ziggy sur scène dans 73 coupes directement à un Bowie pensif en étant filmé en Extrême-Orient une décennie plus tard, avant de revenir en arrière. 1991 « Sound + Vision » Bowie revient régulièrement tout au long des années 1970 (de nombreuses séquences sont utilisées à partir de la vidéo « Fame ’90 ») et pendant une séquence « Let’s Dance », il y a un rythme effréné dans le montage qui passe frénétiquement d’Earls Court dans ‘ 78 à Ziggy en 73, à David Liveà LA, à Footstompin’ sur The Dick Cavett Show et ainsi de suite. Des animations époustouflantes et des visuels célestes y sont souvent intégrés; coupes de visuels emblématiques de la culture pop du XXe siècle (par exemple Kubrick’s 2001: A Space Odyssey); des séquences familières (documentaire Cracked Actor d’ Alan Yentob de 1975) et moins familières (film époustouflant de Bowie dans les studios Hansa à Berlin).

L’audio et les visuels de la parole reposent sur un lit de musique qui lie tout ensemble. La conception sonore est incroyable et avec l’aide de Tony Visconti, les chansons sont souvent déconstruites et reconstruites au cours d’une séquence avant de se transformer en autre chose. Cela fournit une expérience kaléidoscopique et parfois désorientante. Morgen est clairement influencé par les techniques d’écriture lyrique « cut-up » de Bowie au milieu des années 70 (un concept emprunté à William Burroughs) où il écrivait des paroles, les découpait et les mélangeait dans le but d’inspirer de nouvelles idées. Morgen s’en inspire et utilise visuellement cette technique non linéaire, avec laquelle Steven Soderbergh a joué dans son film de 1999 The Limey .

En tant que réalisation technique et créative, c’est important et on ne peut que se demander combien de temps il a fallu à Morgen (qui a «écrit», réalisé et monté le documentaire) pour assembler ce puzzle d’un million de pièces. Ce fut sûrement une obsession dévorante pendant quelques années.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 17.4 x 13.7 x 1.4 cm; 40 grammes Audio description : ‏ : ‎ Anglais Réalisateur ‏ : ‎ Brett Morgen Format ‏ : ‎ Cinémascope, Couleur Durée ‏ : ‎ 2 heures et 15 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 21 décembre 2022 Acteurs ‏ : ‎ David Bowie Doublé : ‏ : ‎ Anglais Sous-titres : ‏ : ‎ Allemand, Français, Italien, Néerlandais Langue ‏ : ‎ Anglais (DTS-HD 5.1), Anglais (PCM Stéréo) Studio  ‏ : ‎ Universal Pictures France ASIN ‏ : ‎ B0BGQ5KZTX

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Becky et Hunter sont deux amies passionnées d’escalade. Constamment à la recherche de sensations fortes et endeuillées après un terrible accident, elles décident de relever un nouveau défi : grimper une tour de télécommunication désaffectée de plus de 600 mètres. Malgré leur niveau d’expertise, les deux jeunes femmes se retrouvent accidentellement coincées au sommet, sans ressource, sous un soleil cuisant…

Chronique : Pour les meilleures amies Becky (Grace Caroline Currey) et Hunter (Virginia Gardner), la vie consiste à vaincre ses peurs et à repousser ses limites. Mais après avoir grimpé à 2 000 pieds au sommet d’une tour de radio isolée et abandonnée, ils se retrouvent bloqués sans aucun moyen de descendre. Maintenant, les compétences expertes en escalade de Becky et Hunter seront mises à l’épreuve ultime alors qu’ils se battent désespérément pour survivre aux éléments, au manque de fournitures et aux hauteurs vertigineuses dans ce thriller alimenté par l’adrénaline .

Les horreurs / thrillers de survie minimalistes sont assez amusants lorsque le choix du décor ou de l’environnement est l’un des plus amusants pour votre argent que l’on puisse avoir au cinéma. Des efforts comme l’original Saw ou Phone Booth à des trucs comme The Shallows , il y a du suspense dans la lutte d’un humain pour survivre, des capacités de réflexion critique et de grandes chances de risque prises pour espérer sortir de leur situation. Il y a quelque chose que nous aimons dans le fait de regarder les gens poussés à leurs limites mentales et physiques et, espérons-le, de s’en sortir à la fin. Peut-être sommes-nous contents que ce ne soit pas nous, peut-être prenons-nous des notes ? Néanmoins, cela peut être très amusant.

Grace Caroline Currey et Virginia Gardner jouent les personnages que nous sommes soumis à regarder lutter au sommet d’une vieille tour de télévision rouillée de 2 000 pieds de haut au milieu du désert. Le réalisateur Scott Mann tire tellement des deux protagonistes sympathiques ici dans l’effort et ils réussissent ce qui ne peut pas être une tâche facile. Le scénario et le film ajoutent cependant des peluches inutiles et des rebondissements de conflit qui ne semblent pas assez nécessaires et qui, en fin de compte, ressemblent à un claquement dur sur l’un des personnages pour justifier en quelque sorte grossièrement un certain aspect du film. Sans ce détail, c’est peut-être encore plus efficace d’un film et probablement encore meilleur en 80 minutes plus serrées au lieu de 105.

C’est une avenue étrange ici avec les effets visuels du film. La technologie numérique pour supprimer la malédiction dans le film n’est pas vraiment perceptible du tout. Et des accessoires pour construire une tour de 100 pieds sur laquelle filmer et avoir une bonne idée de l’échelle pour certains plans ainsi que quelque chose pour aider les acteurs à se perdre dans l’instant. Pour la plupart, les effets numériques sont plutôt bons, mais il y a de nombreux moments où nous « regardons vers le bas » que la toile de fond numérique et les personnages ne s’alignent pas via un problème d’éclairage combiné à un faux zoom global. . Vous pouvez probablement attribuer cela au fait que le film est assez agressif et veut y aller là où le temps et l’argent n’étaient probablement pas là en post-production. Bravo à eux pour cela,

Fall est un exercice assez solide de suspense de survie qui est entravé par des peluches inutiles et des effets numériques qui ne peuvent pas correspondre à l’ambition de l’équipe créative. Dans l’ensemble, cela en vaut vraiment la peine et parvient certainement à réaliser des séquences de morsures d’ongles extrêmement divertissantes avec deux protagonistes très capables qui auraient pu faire ce film tout seuls si nécessaire. Cela fonctionne assez bien pour être facilement recommandé et ferait une excellente soirée double ou triple avec d’autres thrillers de survie similaires piégés dans un espace isolé des 10 dernières années comme The Shallows , 127 Hours et 47 Meters down .

Video : Fall  arrive sur Blu-ray standard avec une belle image vive et lumineuse. C’est assez net et net avec beaucoup d’informations et de détails assez clairs et proprement la scène. C’est un film super tourné numériquement avec les noirs qui ont l’air un peu gris et qui ont le béguin. Il y a des problèmes qui auraient pu être résolus en utilisant la technologie 4K, mais cela a peut-être aussi rendu les arrière-plans numériques évidents encore plus évidents. La profondeur de champ est assez forte, bien que les effets numériques la gênent un peu et que vous puissiez voir et sentir clairement une séparation entre un acteur et un arrière-plan numérique. Le mouvement est fluide et naturel avec un flou ou une gigue très minime à cause d’un mouvement rapide ou d’un coup de caméra. Les Noirs ont tendance à lutter dans les séquences nocturnes. Il y a beaucoup d’effet d’écrasement et d’entraînement, ce qui n’est pas idéal. Heureusement, il n’y a pas vraiment beaucoup d’action à gêner dans les séquences nocturnes, mais il a du mal à saturer le ciel et, dans certains plans, se débat avec les étoiles.Il s’agit d’un film très vif avec de belles couleurs vives. C’est un désert et très brun. Les filles portaient des vêtements plus sombres mais pas flamboyants. Cependant, des choses comme le drone et leurs étuis pour téléphones portables sont joliment colorés et donnent un peu de pop.Les tons chair sont naturels et constants du début à la fin. Les traits et la texture du visage sont clairs et discernables dans n’importe quelle prise de vue. Aucun problème avec les ajustements numériques du visage / de la bouche, car je ne pouvais même pas remarquer où ces choses étaient faites.

Audio Fall est livré avec un mix 5.1 solide comme le roc qui fait de son mieux pour simuler l’enfer que traversent les filles dans ce film. Il est bien équilibré avec une bonne stratification et de la profondeur. Le mélange garde constamment à l’esprit une expérience à 360 degrés et fait de son mieux pour vous jeter sur cette petite tour minuscule, les basses sont là pour une grande partie de la partition et certains des moments les plus en plein essor lorsque les choses se groupent et tombent à des degrés efficaces. il s’agit d’une expérience assez bien arrondie avec le vent soufflant, les corbeaux et plus provenant des canaux arrière de manière cohérente. Ils accordent également une grande attention aux mouvements de la caméra et conservent ce qui n’est peut-être plus à l’écran. Le débattement est assez bon, efficace et précis entre les enceintes réparties dans la pièce.

Bonus : FALL : Making Of (HD, 15:42) –  Il s’agit d’une featurette assez solide qui, bien que basée sur la promotion du film, fait une bonne part de réflexion sans spoilers avec une bonne compréhension de tous les détails ( construire le décor, tourner, simuler profondément le dialogue en plusieurs parties) qui a rendu celui-ci possible.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 17 x 13.9 x 1.3 cm; 70 grammes Audio description : ‏ : ‎ Français Réalisateur ‏ : ‎ Scott Mann Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 1 heure et 47 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 7 décembre 2022 Acteurs ‏ : ‎ Grace Caroline Currey, Virginia Gardner, Mason Gooding, Jeffrey Dean Morgan, Jasper Cole Doublé : ‏ : ‎ Anglais, Français Sous-titres : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS-HD 5.1) Studio  ‏ : ‎ Wild Side Video