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Al et Birdy habitent dans la banlieue grise de Philadelphie. Le premier, viril, dynamique et extraverti, ne pense qu’à séduire les filles. Tandis que l’autre timide et réservé, n’a de passion que pour les oiseaux qu’il observe en toutes occasions, rêvant même de pouvoir voler comme eux.

Chronique : Le roman extraordinaire de William Wharton a été jugé impossible à filmer. Racontées à la première personne par les deux personnages principaux, les pensées des garçons sont délimitées par le simple expédient d’avoir les souvenirs d’un personnage en caractères normaux et ceux de l’autre en italique. Wharton voulait du type noir et du type rouge, mais cela a été jugé trop coûteux. C’est un moyen humble mais efficace de déclencher qui vous écoutez dans le film de l’œil de l’esprit que vous créez lorsque vous lisez une grande histoire. Mais il y a beaucoup de pensée intérieure et d’envolées littérales de l’imagination. Stanley Kubrick a dit un jour : « Si cela peut être pensé, cela peut être filmé ». Mais Birdy était encore une demande difficile donnée quand il a été fait. Avec un drone 2019 ou un CGI astucieux, cette impossibilité disparaît tout simplement. Après coup, je découvre que Keith Gordon en parle dans l’un des Extras (tout comme le réalisateur Alan Parker et le médiateur Justin Johnson dans le commentaire). Mais Parker disposait de la technologie de 1984 et les tentatives d’installation d’une plate-forme volante ont échoué après deux prises et un crash qui a fait pleurer l’opérateur «Sky-cam». L’histoire d’un garçon obsédé par les oiseaux et le vol pourrait difficilement être cinématographiquement terrestre. Parker a improvisé et c’est tout à son honneur, ainsi qu’à celui de son équipe, que le film qui en résulte est captivant et magnifiquement réalisé.

Birdy est avant tout l’histoire d’une amitié improbable anéantie par la guerre malgré ce que l’auteur lui-même voudra peut-être vous faire croire. Il y a plus sur cette délicieuse petite question d’interprétation plus tard. Dans le roman, c’est la Seconde Guerre mondiale. Parker a mis à jour l’histoire et utilise la guerre du Vietnam beaucoup plus moralement boueuse pour traumatiser les deux amis, l’un dont le visage est rafistolé et l’autre dont le traumatisme l’a envoyé dans un état catatonique d’impuissance après avoir été absent pendant un mois en territoire ennemi. . L’histoire d’Alfonso (« Al ») Columbato et de son amitié naissante avec « Birdy » est racontée avec une structure éblouissante qui, sur le papier, a peut-être intrigué le lecteur, mais les transitions de l’éditeur Gerry Hambling sont si claires que vous vous sentez guidé à travers l’histoire. par un maître narratif. Il y a des moments dans le film qui présentent des plans uniques entrecoupés où nous passons du présent, du fantasme présent, de la mémoire passée, du retour au présent, puis du passé à nouveau. Vous n’êtes jamais confus et toujours intrigué. Je vais créditer Hambling pour cela car je ne peux pas imaginer que l’ordre de tournage soit répertorié dans le scénario et j’ai l’impression que Parker a vraiment fait confiance à son éditeur (c’était leur sixième film ensemble). Hambling est décédé à l’âge de 86 ans en 2013, nous ne pouvons donc pas lui demander. S’il est un métier du cinéma qui ne peut jamais être apprécié en voyant simplement le film, c’est bien le montage. Personne, sauf le réalisateur et le monteur – ceux qui vivent intimement avec les rushes – ne sait qui était responsable de quelles décisions créatives. Le travail d’un monteur consiste à porter à l’écran la vision du réalisateur. Comment quelqu’un en dehors de la salle de coupe peut-il juger ‘ meilleur montage », alors que le réalisateur peut être responsable de la plupart des décisions ? D’après mon expérience, juger le «meilleur montage» revient à prétendre qu’il est possible de reconstituer et d’identifier les tomates à partir d’une délicieuse sauce bolognaise. Seul le cuisinier peut le savoir…

Les deux garçons de Philadelphie sont réunis par l’attrait de gagner de l’argent avec des pigeons voyageurs. Tous deux sont issus de milieux pauvres. Al est le jock, le champion de lutte qui rencontre pour la première fois le garçon que nous ne connaissons que sous le nom de « Birdy » en se battant pour un couteau volé. La seule chose dans le film qui n’est pas tout à fait convaincante, c’est que Nicolas Cage semble beaucoup plus âgé que ses vingt ans réels. Ça n’aide pas que torse nu, il ressemble à un dieu. Mais passons à côté de cela. Je soupçonne qu’il n’y avait pas beaucoup de gymnases à Philadelphie dans les années 60, mais pour être honnête, ils s’entraînent avec des haltères à l’écran dans les bidonvilles et il y a plus d’haltères dans le gymnase de l’hôpital psychiatrique. Alors, ignorez simplement mon observation de gym alors. Leur amitié naissante est entrecoupée de scènes dans ledit hôpital psychiatrique de nos jours où Al rend visite à son ami pour tenter de le sortir de son état catatonique. Au début du film, on ne nous dit jamais comment les deux hommes se sont retrouvés comme ils l’ont fait, mais il y a suffisamment de confiance dans la narration pour que les blancs soient remplis très facilement. Nous sautons d’avant en arrière tout au long du film qui approfondit la relation entre les deux avec Al constamment perplexe et frustré par l’obsession abstraite de Birdy et avec Birdy insensible à ce que l’on suppose qui passe habituellement par l’esprit d’un garçon de dix-huit ans.

Je dois distinguer les performances de Matthew Modine et de Nicolas Cage. Ils rendent la relation de Birdy et Al sans effort et, d’une manière étrange, inévitable. Tout sous-texte homoérotique que certains commentateurs meurent d’envie d’insérer dans des amitiés homosexuelles est pris en charge au début du film avec Cage bandé disant au psychiatre de Birdy « nous n’étions pas queer les uns pour les autres ou quelque chose comme ça ». Je ne sais pas où en est la société aujourd’hui sur le mot ‘q’ donc si je dois me défendre de l’utiliser, c’est dans le film. Ce qui est le plus frappant, ce sont les changements que traversent les deux hommes. Modine n’est pas tenu de faire grand-chose à l’asile bien que sa représentation physique de la catatonie d’inspiration aviaire soit très convaincante. Et c’est un âge loin de l’âme insouciante et du charme enfantin avant que le Vietnam ne lui mette le camp d’entraînement. Dans les premières scènes d’amitié, Modine semble toujours être capable de voir les choses à quelques centimètres derrière l’épaule gauche d’Al, un monde qu’il cherche désespérément à rejoindre mais dont l’entrée est à jamais refusée. L’adhésion dépend de la capacité à prendre l’air. Cage a eu recours à l’extraction des dents parce qu’il estimait que c’était mieux pour le personnage après la blessure. Engagement respectueux ou folie théâtrale ? Sa transformation physique et psychologique est profondément choquante. Cette confiance impétueuse et fluide se déverse en fait de lui en tant que jeune homme à son apogée, pré-Vietnam. De l’autre côté de la guerre, il est une coquille desséchée, moins un homme et plus un symptôme de six pieds des instincts les plus stupides et les plus destructeurs de l’humanité. Toujours le plus félin des déménageurs, Cage opère une étonnante métamorphose. Sa démarche traînante met des décennies sur lui et il ‘ Je suis d’avis qu’à l’âge tendre de vingt ans, je n’ai pas vu une performance aussi immensément sympathique de sa part depuis. Il est tout à fait convaincant en tant que rapatrié endommagé, choqué par les obus et blessé. Et il juge la rage, le chagrin et l’émerveillement d’Al d’une manière que ses performances ultérieures n’ont jamais vraiment touchée. Cette opinion est renforcée par le commentaire, quelque chose que je trouve à la fois gratifiant et ennuyeux (pour la raison fréquente que Slarek et moi sommes en proie à arriver à des conclusions indépendamment avant d’ entendre les figurants). La fin de ce film me laisse un gâchis émotionnel et bien sûr, le film est dans mon top trois des « Fin de tournage les plus satisfaisantes » de toute ma carrière cinématographique. Et je ne me souviens pas des deux autres pour le moment…

Peter Gabriel était une grande pop star dans les années 80 et Parker voulait travailler avec lui. Il avait temporairement suivi le film avec des percussions créatives de ses albums solo, mais on lui a dit que Gabriel travaillait à un rythme qui ne lui convenait pas à Hollywood. Alors Parker a eu son gâteau temporaire et l’a mangé aussi. Gabriel a travaillé avec de la musique existante et l’a remixée et retravaillée pour le film. Et ça marche si bien. Ses morceaux plus lents ont une qualité éthérée, un miroir pour l’esprit de l’oiseau, mais lorsque l’action l’exige, la force et la puissance de la percussion sont saisissantes. La partition de Birdy est autant tissée dans le tissu émotionnel du film que tout autre élément et l’aide à s’envoler. Modine appelle Gabriel son partenaire dans sa performance, une générosité qui mérite d’être célébrée.

Lors de mon énième visionnage, j’ai remarqué à quel point le scénario était intelligent. L’un des avantages de plonger profondément dans les films est que la compétence et l’intention des cinéastes sont parfois intensifiées. Connaissant si bien le film, j’ai enregistré deux livraisons en ligne de Birdy’s qui avaient une signification particulière que je n’avais pas réalisée auparavant. C’était l’équivalent ridicule de mon moi de quarante-huit ans il y a un certain temps, réalisant soudainement que l’album de Bowie Aladdin Saneétait un jeu de mots. Lorsqu’il est en danger de mort alors qu’il est suspendu à une gouttière qui se brise à quarante pieds, la livraison de Modine de la ligne « Non Al. Je vais voler », est en fait livrée avec un petit rire. Cela s’est logé dans ma mémoire et une nouvelle audition a ramené le film avec une telle vivacité. Si je devais critiquer quoi que ce soit (seulement si je devais le faire)… Supposons-nous que Birdy et Al ont dégagé un chemin lisse dans la décharge ? C’est tourné comme s’ils parcouraient les poubelles et je ne sais pas à quel point ce serait crédible. L’accélération optique des garçons est nécessaire pour que Birdy ait au moins un certain élan pour prendre son envol, mais la technologie à l’époque signifiait que vous vous éloigniez d’une génération du négatif et de l’impression d’origine et il y a donc une variation de qualité dans la prise de vue accélérée . Les plans accélérés d’actions humaines courantes courent toujours le risque de risibilité.

Il y a un problème similaire dans l’insertion de trois plans de bibliothèque dans la scène culminante du Vietnam impliquant Birdy. Comme on pouvait s’y attendre, les plans de la bibliothèque étaient granuleux en 1984, soit à l’origine sur 16 mm et soufflés jusqu’à 35 mm, soit filmés en 35 mm, mais à plusieurs générations du négatif original. Alors que l’équipage a travaillé dur pour créer un Vietnam crédible (ils ont fait pousser le bon feuillage bien à l’avance et ont ajouté l’étrange oiseau exotique, à savoir un calao), la nature granuleuse des plans insérés ne sert que de petit coup dans l’immersion totale du scène et sa puissance émotionnelle. Il y a aussi une vanité éditoriale avec laquelle Hambling s’en tire parce que la plupart des critiques n’ont pas d’expérience en cinéma d’histoire naturelle. Birdy tend la main au calao. L’oiseau lève les yeux, voit un plan de bibliothèque de créatures volantes et c’est l’impulsion pour que le calao les rejoigne. Il y a deux éditions plus importantes des essaims de dépliants de la bibliothèque. Il n’y a qu’un petit problème. Ce ne sont pas des oiseaux. Je suis un peu étonné que personne n’ait relevé cela en post-production. Était-il supposé que parce que ces créatures avaient des ailes, elles étaient des oiseaux ? Ou est-ce que Parker et Hambling savaient et supposaient que personne ne s’en soucierait ? Vous pouvez dire que les cinéastes étaient fous de prendre ce risque. On pourrait dire qu’ils étaient chauves-souris, car les dépliants l’étaient certainement – des chauves-souris frugivores. À la fin et à la fin, personne ne s’en soucie vraiment. Le meilleur reste à venir… c’étaient des oiseaux? Ou est-ce que Parker et Hambling savaient et supposaient que personne ne s’en soucierait ? Vous pouvez dire que les cinéastes étaient fous de prendre ce risque. On pourrait dire qu’ils étaient chauves-souris, car les dépliants l’étaient certainement – des chauves-souris frugivores. À la fin et à la fin, personne ne s’en soucie vraiment. Le meilleur reste à venir… c’étaient des oiseaux? Ou est-ce que Parker et Hambling savaient et supposaient que personne ne s’en soucierait ? Vous pouvez dire que les cinéastes étaient fous de prendre ce risque. On pourrait dire qu’ils étaient chauves-souris, car les dépliants l’étaient certainement – des chauves-souris frugivores. À la fin et à la fin, personne ne s’en soucie vraiment. Le meilleur reste à venir…

son et vision

Présenté dans le rapport d’aspect de 1,85: 1, Birdy a l’air d’une propreté étincelante et exempt de tous les suspects habituels en ce qui concerne les tirages de films, des choses comme les rayures, les étincelles ou la poussière. Quelqu’un a soit trouvé une impression impeccable, soit fait un beau et subtil travail de restauration. Bravo, Rita Belda. La merveilleuse cinématographie de Michael Seresin est magnifiquement préservée; les couleurs vibrantes et vivantes dans les flashbacks, calmes et assourdies dans le présent clinique. Le contraste est au rendez-vous. Avec les quatre blips étant une balade à vélo optiquement accélérée et trois plans de bibliothèque douteux (de chauves-souris), le film a l’air absolument génial.

La bande-son stéréo a une belle plage dynamique complète avec tous les dialogues clairs et les basses de la partition percutante et dynamique de Gabriel sont entièrement arrondies. Mélangeur de doublage légendaire (appelé aux États-Unis, un mélangeur de réenregistrement) Bill Rowe a mélangé une partition exquise, puissante et pourtant douce, émotionnelle et immersive.

Il existe de nouveaux sous-titres anglais améliorés pour les sourds et les malentendants.

fonctionnalités supplémentaires

L’abstraction de la guerre
Je n’avais jamais vu Modine en tant que Modine auparavant, tout comme Birdy et Private Joker ( Full Metal Jacket) et le reste de ses personnages. Parlant doucement et toujours avec une chevelure pleine, il se souvient du processus de casting dans lequel il a en fait auditionné pour le rôle d’Al pensant qu’il ne convenait pas au personnage de Birdy. Il parle de son côté spirituel et, s’arrêtant avec une mise en garde de « interprétez cela de toute façon », il attribue le mérite aux âmes des victimes du SSPT qui se précipitent à l’intérieur de lui pour le porter à travers le personnage. D’accord … Il s’attribue le mérite de l’image réelle perchée au bout du lit avec Parker annonçant prétendument que « Modine dirige le film maintenant! » après avoir senti qu’il avait obtenu les clichés qu’il voulait. Il y a de jolis détails sur la façon dont sa relation avec Cage a commencé en pré-production et en rencontrant Peter Gabriel à Cannes sans savoir qui il était.Birdy plus et ne se concentre pas sur ses rôles les plus célèbres pour des réalisateurs plus loués. Sa réponse à cela était charmante et réconfortante.

Haut Vol
Il s’agit d’un excellent et enthousiaste mémoire des deux scénaristes originaux. Ils mentionnent que le livre a tout en termes de narration même si ça « rebondit beaucoup » mais si « on enlève les plumes, ça a une colonne vertébrale solide ». Il est clair qu’il s’agit d’un partenariat qui a résisté à l’épreuve du temps. Les deux ont cliqué dans leurs passions mutuelles. Il y a une belle rupture du lien entre les deux chronologies distinctes. Aussi le changement dans « qui aide qui? » est touché.

Peter Gabriel ; la musique réinventé
Dans une technique séculaire (au moins 15 ans) de présentation de matériel de définition standard plus ancien dans un cadre HD, nous rétrécir l’écran de M. Gabriel pour que les définitions correspondent. Je comprends l’utilisation de clips du film au cas où ces fonctionnalités supplémentaires seraient autonomes, mais il est un peu ennuyeux de passer d’un extra à l’autre et d’être présenté avec les mêmes clips. Juste un petit C’est probablement parce que la société de Gabriel a reconditionné l’ancienne interview dans un nouveau cadre sans savoir quels clips provenaient du supplément précédent dans la liste. Compte tenu de la façon dont le film m’a affecté, je suis surpris d’entendre à quel point il était peu connu ou est.Gabriel nous fait part de la créativité atmosphérique qui donne à Birdy‘s marque un son si unique. Il nous raconte son histoire d’amour bien connue avec le sampler Fairlight. Les crédits montrent que les sections Gabriel ont été tirées d’un documentaire de 2002 qui contredit l’année 2000 répertoriée. « J’ai un très bon ami à Wome qui s’appelle Nittus Pickus. »

Prendre la plume
Keith Gordon est un cinéaste et un acteur qui montre un grand respect pour ses collègues cinéastes et films et il est clair qu’il est à la fois intelligent et sensible , des aspects de son personnage qui ne peuvent tout simplement pas s’adapter dans Jaws 2. Gordon prend le style intérieur du romancier Wharton et dit que c’est parfait pour les films parce que pénétrer dans la tête de quelqu’un est ce que les films font le mieux. Et il y a le tour du chapeau ! Les mêmes clips du dernier deux figurants en moins de 90 secondes dans celui-ci ! Est-ce un complot ? Wharton a pris contact après avoir vu l’adaptation par Gordon de son livre A Midnight Clear. Les yeux d’Ethan Hawke n’étaient pas assez bleus apparemment… J’accueillerais ce genre de critique avec plaisir ! Un bon point est fait sur le « réel » par rapport au « poétique ». Il a beaucoup à dire sur les cinéastes utilisant de la musique existante plutôt que sur mesure. Et son résumé de la valeur et de la valeur de Birdy est quelque chose avec lequel cet écrivain est entièrement d’accord.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.85:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 19.2 x 14.2 x 2.1 cm; 330 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Alan Parker Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 2 heures Date de sortie ‏ : ‎ 7 décembre 2022 Acteurs ‏ : ‎ Matthew Modine, Nicolas Cage, John Harkins, Sandy Baron, Karen Young Doublé : ‏ : ‎ Anglais, Français Sous-titres : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Anglais (DTS-HD 2.0), Français (DTS-HD 2.0) Studio  ‏ : ‎ Wild Side Video

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Ayant besoin d’argent pour couvrir les frais médicaux de sa femme, un vétéran fait équipe avec son frère adoptif pour voler 32 millions de dollars à une banque de Los Angeles.

Chronique : Aussi rapidement qu’Ambulance se précipite dans un pandémonium d’action explosif et criard, le dernier spectacle tapageur de Michael Bay de style trivial sur une substance creuse est tout aussi facilement oublié. Tout comme les poursuites policières diffusées sur les flux médiatiques en direct, seuls les flashs arbitraires et les faits saillants de la poursuite elle-même sont mémorisés après un certain temps, principalement les points forts impliquant les collisions scandaleuses et les actes de violence aléatoires, qui sont en abondance ici. L’histoire et les événements spécifiques menant à la poursuite sont, honnêtement, de peu de conséquence ou de pertinence, en dehors d’une tentative fragile de fonder l’intrigue ou de donner aux personnages un motif plutôt superficiel pour justifier un braquage de banque lourdement armé. Il y a rarement un moment où le travail de caméra signature de Bay, dont il y a aussi une grande abondance, 

Au centre de cette aventure passionnante à travers les rues encombrées de Los Angeles se trouve le vétérinaire militaire Will (Yahya Abdul-Mateen II), qui a subi des pressions pour participer au vol parce qu’il a besoin de l’argent pour la chirurgie expérimentale de sa femme qui a été refusée par leur compagnie d’assurance. En quelques minutes, son introduction et la situation tragique de sa famille révèlent immédiatement les lacunes de Bay en tant que cinéaste narratif, compensant ce manque par des visuels très stylisés et un travail de caméra richement effronté qui ne sert jamais réellement l’histoire. Ou comme dans ce cas précis, une exposition massive martèle sur la tête du public que notre très réticent mais néanmoins futur criminel est vraiment un bon gars injustement pris dans un dilemme moral, qui, soit dit en passant, n’est jamais entièrement abordée ou traitée de manière significative. En fait, il a accordé les sorties les plus paresseuses et les plus insatisfaisantes, une seconde chance qui est franchement ridiculement stupide. 

En face de Will d’Abdul-Mateen se trouve son frère aîné Danny (Jake Gyllenhaal), qui a convaincu Will de cambrioler la banque avec la promesse que Danny ne l’avait jamais laissé tomber auparavant. . . jusqu’à présent, bien sûr. En plus d’être le seul responsable de la spirale de la vie de Will dans le chaos et du cerveau (?) Derrière le braquage, on ne sait jamais tout à fait ce que Gyllenhaal ou son personnage font ici avec une performance quelque peu déroutante d’un sociopathe déchaîné. Danny de Gyllenhaal est essentiellement le travail de caméra excentrique excentrique de Bay qui prend vie. EMT Cam Thompson (Eiza González) est entraîné au milieu de ce gâchis et de ces querelles entre frères et sœurs. excès. Dans son propre chemin vers la rédemption, 

Pourtant, malgré toutes mes objections grincheuses, je dois avouer que j’ai quand même passé un bon moment avec Ambulance , un remake du film danois de 2005 du même nom. En tant que spectacle de pop-corn amusant et insensé, Bay accomplit ce qu’il avait prévu de faire depuis le début – un spectacle à sensations fortes à la minute. À son meilleur, la production rappelle largement ses premiers longs métrages lorsqu’il collaborait avec Jerry Bruckheimer. Le film souffre un peu du montage rapide et du travail de caméra extravagant qui est malheureusement devenu typique du travail de Bay depuis Bad Boys II , mais l’action est néanmoins compréhensible et passionnante, comme si elle apprenait de ce qui a fonctionné dans son drame de guerre 13 heures .. On peut dire que tout ce qui manque, c’est un Bruckheimer pour retenir les pires penchants de Bay à en faire le récit déchirant, axé sur les personnages et bourré d’action qu’il veut si clairement être.

Examen vidéo

Le thriller d’action palpitant éblouissant de qualité de référence, frappé directement à partir d’une paire de sources de caméra RED capables de résolutions 6K et 8K. Du début à la fin, le transfert natif fraîchement créé présente des détails d’une netteté remarquable, exposant les rayures infimes sur tous les véhicules, les fissures et les marques dans les rues et les bâtiments de la ville, et les plus petits objets décorant l’intérieur de l’ambulance. Même pendant l’action et le montage rapides, les plus petits débris et décombres d’explosions et d’épaves restent distincts et indubitables lorsqu’ils volent à travers l’écran. Les teints du visage sont très révélateurs avec des textures réalistes saisissantes, mettant à nu tous les pores et les imperfections négligeables sur les visages du casting tout en montrant un teint de peau sain et rose pêche qui est fidèle à la vie. 

De plus, la présentation augmente le style visuel caractéristique de Bay jusqu’à onze tandis que la photographie orange-sarcelle baigne l’action dans de somptueuses primaires, comme les rouges richement animés allant des nuances rubis sombres dans le sang à la rose cramoisie vive dans la sirène. lumières. Les teintes secondaires sont tout aussi impressionnantes, enflammant l’écran avec une gamme variée de couleurs vives, des oranges ardents des explosions et des jaunes de souci chauds du soleil de Los Angeles aux notes vives de roses et de violets en arrière-plan, ainsi qu’une variété dynamique de couleurs néon comme l’ambulance peinte en chartreuse. 

Pendant tout ce temps, les visuels sont continuellement saturés de niveaux de noir plus riches et plus veloutés, fournissant à chaque scène des différences de gradation exceptionnelles dans les différentes nuances. Et des ombres succulentes et soyeuses pénètrent profondément dans l’écran avec une excellente visibilité dans les coins les plus sombres et les plus sombres et quelques intérieurs mal éclairés, offrant à l’image 2,35: 1 un magnifique attrait cinématographique en trois dimensions. La photographie hautement stylisée arrive également avec un équilibre de contraste parfait et juste pour l’argent, fournissant à chaque instant des blancs resplendissants et parfaits, notamment dans les photos aériennes panoramiques à couper le souffle de Los Angeles. La mise à niveau la plus appréciable est les reflets spéculaires nets et rayonnants, fournissant à l’action une lueur étonnamment plus étroite et plus étroite, permettant des détails nettement meilleurs dans les points les plus chauds.

Examen audio

Le spectaculaire Bayhem typique s’écrase dans les cinémas maison avec une bande-son fantastique et digne d’une démo, qui bombarde presque constamment l’auditeur avec un bruit chaotique à la fois à l’intérieur et à l’extérieur de l’ambulance. 

Bien sûr, la majorité de l’action est répartie sur les fronts où une variété d’activités d’arrière-plan se déplace sans effort et de manière convaincante entre les trois canaux, dans les hauteurs supérieures et l’espace hors écran, créant une scène sonore en demi-dôme incroyablement large et spacieuse à partir de indemnite. Au milieu du chaos, une plage dynamique étendue maintient une clarté et une définition extraordinaires pendant les segments les plus bruyants et les plus véhéments, présentant une distinction digne d’une démonstration dans les hautes fréquences tandis que la partition de Lorne Balfe maintient une séparation et des détails acoustiques saisissants. Même dans le vif du sujet, le dialogue reste toujours clair et précis, gardant la priorité sur la confusion sonore.

Les canaux latéraux et arrière sont également utilisés souvent et assez actifs pendant la majeure partie de la durée d’exécution, consistant en grande partie dans l’agitation de la ville. La majeure partie de cette activité est subtile et à distance mais néanmoins efficace pour un paysage sonore engageant et enveloppant, et elle est périodiquement interrompue par le son des sirènes qui retentissent de chaque côté alors qu’elles se précipitent vers l’écran. De même, les hauteurs de plafond sont engagées de la même manière que les environs, mais de manière beaucoup plus faible et délicate, principalement réservées à l’écho retentissant des coups de feu et à divers autres effets ambiants légers, tels que le bruit de la circulation urbaine. Bien sûr, ils sont nettement plus actifs pendant les nombreuses séquences d’action avec des débris soufflant dans toutes les directions et pleuvant d’en haut. Une fois que les hélicoptères sont impliqués dans la poursuite.

Rapport de forme ‏ : ‎ 2.35:1 Classé ‏ : ‎ 12 ans et plus Dimensions du colis ‏ : ‎ 17.1 x 13.6 x 1.2 cm; 90 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Michael Bay Format ‏ : ‎ Cinémascope, Couleur Durée ‏ : ‎ 2 heures et 16 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 27 juillet 2022 Acteurs ‏ : ‎ Jake Gyllenhaal, Yahya Abdul-Mateen II, Eiza González, Garret Dillahunt, Keir O’Donnell Doublé : ‏ : ‎ Allemand, Français, Italien, Anglais Sous-titres : ‏ : ‎ Néerlandais, Norvégien, Anglais, Danois, Finnois, Allemand, Suédois, Français, Italien, Estonien, Lituanien, Letton Langue ‏ : ‎ Italien (Dolby Digital Plus), Français (Dolby Digital Plus) Studio  ‏ : ‎ Universal Pictures France ASIN ‏ : ‎ B09XN9LX6P Pays d’origine ‏ : ‎ France

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Maire d’une ville du 93, Clémence livre avec Yazid, son directeur de cabinet, une bataille acharnée pour sauver le quartier des Bernardins, une cité minée par l’insalubrité et les « marchands de sommeil ».

Chronique : La politique n’est pas forcément un sujet qui plaît à tous. Et ce n’est pas non plus un sujet très courant sur le grand écran et pourtant ce domaine nous a offert quelques pépites. En France on se souvient par exemple de « L’exercice de l’état » ou de « Quai d’Orsay » et aux États-Unis de l’excellent « Les Marches du pouvoir » qu’avait mis en scène Georges Clooney. Ces films ont su rendre ce sujet intéressant et divertissant. Pas sûr que « Les Promesses » soit aussi tout public, si on peut qualifier les œuvres citées précédemment comme telles. En effet, cette œuvre est plutôt austère et complexe et il faut s’accrocher quand on ne goûte pas à ce milieu élitiste et si particulier. C’est peut-être son principal défaut d’ailleurs: d’être réservé à une base de spectateurs courageux et aptes à ce type de sujets. Mais si on aime cela ou que l’on fait l’effort, ce long-métrage est passionnant de bout en bout.

Second film de Thomas Kruithof après « La Mécanique de l’ombre », un film qui braconnait déjà un peu dans la sphère politique, il nous déroule une histoire qui sur le papier ferait fuir n’importe qui par son côté à la fois banal, nébuleux et, à priori, inintéressant. Mais par la grâce d’un scénario d’une précision chirurgicale rare, ultra méticuleux et particulièrement documenté, toutes ces réserves sautent les unes après les autres. On est littéralement plongé dans la vie d’une mairesse d’une grande ville de banlieue tiraillée entre un problème de rénovation d’une cité insalubre, une nouvelle course aux municipales et la possibilité de devenir ministre. Tout est décortiqué avec attention dans les moindres détails et on ressent le réalisme des situations comme jamais. On les vit presque et c’est peut-être ce qui, comme par magie, permet de nous captiver avec un récit de prime abord presque répulsif. Et cette histoire anodine et banale de gestion d’une ville et de rapports de hiérarchie politique de devenir addictive et aussi tendue qu’un thriller. Mais il faut s’accrocher, c’est complexe et peut-être que la partie avec le logement aurait pu être remplacée par un sujet plus compréhensible par tous. Qu’importe, pour ceux qui font l’effort c’est un rollercoaster cinématographique et politique.

La mise en scène est aussi froide, distancée et clinique que le sujet. Tout est gris. Comme tous ces relations de forces, ces arrangements, cette corruption et ces mensonges propres à un corps politique généralement pas net et gangréné par la corruption. Mais « Les Promesses » ne se fait pas dénonciateur, il est juste réaliste, objectif et dissèque avec précision ce qu’est le monde de la politique aujourd’hui, d’une manière presque documentaire. Mais tout ceci serait bien moins réussi si Isabelle Huppert ne nous offrait pas encore une de ces compositions magistrales, impeccables et absoute de toute critique. Elle est incroyable dans la peau de cette mairesse, juste plus vraie que nature. Et Reda Kateb lui tient la dragée haute, c’est dire, dans un pas de deux parfait. Ce long-métrage c’est une heure et demie de joutes politiques jubilatoires et excitantes, de dialogues ciselés, de retournements de situation qui tiennent en haleine et d’informations passionnantes. Alors ce n’est peut-être pas très avenant vu de l’extérieur et peut-être que le sujet n’est pas très attirant, mais tout bon cinéphile ne peut qu’admirer les qualités intrinsèques et instructives de cette chronique politique et sociale magistrale.

Classé ‏ : ‎ Tous publics Audio description : ‏ : ‎ Français Réalisateur ‏ : ‎ Thomas Kruithof Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope, PAL Durée ‏ : ‎ 1 heure et 34 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 8 juin 2022 Acteurs ‏ : ‎ Isabelle Huppert, Reda Kateb, Naidra Ayadi, Jean-Paul Bordes, Soufiane Guerrab Doublé : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1), Français (DTS 5.1) Studio  ‏ : ‎ Wild Side Video ASIN ‏ : ‎ B09W7LP7VG

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Chronique : Magnifique film sociétal sur la difficulté des relations familiales, bien que cela se passe dans la société américaine où tout est forcément plus dur, voire plus trash, on y reconnaît des caractéristiques universelles qui forment le fond des difficiles relations parents-enfants. La relation père-fille est particulièrement bien rendue et pour cause, elle forme toute la trame de ce film exceptionnel par les qualités psychologiques et le réalisme de cette histoire basée sur une histoire vraie. Une histoire qui entrera en résonance avec celle de beaucoup de spectateurs qui ont aussi connu à moindre échelle ces difficultés. Un scénario américain (au bon sens du terme) pour une histoire forte et empreinte d’authenticité, un film à cœur ouvert. le film un peu haché et décousu, sentiment appuyé par l’agitation frénétique de la caméra et les changements permanents de plans sur les images du passé en 8mm. Je me suis cependant laissé griser par la bonne musique et les images splendides pour comprendre que ces parents toxiques et ces relations torturées créent de magnifiques personnages blessés et émouvants. La mise en scène et le montage rendent l’histoire très vivante et y introduisent un charme mélancolique, comme une épine du passé glissée par un facteur facétieux dans la fente de notre mémoire : le spectateur retrouvera dans un bout de scène quelque chose qui lui parle.

Vidéo : Des tons froids recouvrent les visuels de Flag Day . Il n’y a pas beaucoup d’énergie dans la saturation des couleurs, le bleu est une force dominante. Les tons chair se réduisent à une teinte pâle. Les primaires abandonnent leur contrôle. Le contraste faiblit également, étouffé par le classement et rarement proéminent.

Hormis quelques instants prévus (notamment l’ouverture), le bruit n’est pas pris en compte. L’encodage maintient la clarté, totalement transparent pour un film de source numérique. Au milieu de l’action, il se produit parfois des échecs, clairement un appareil photo plus petit et plus polyvalent utilisé pour ces prises de vue complexes. Chacun est trop bref pour provoquer une alarme.

Une résolution stable apporte des détails complets, rendus proprement. Les détails du visage résolus impressionnent, et étant donné à quel point Flag Day repose sur des gros plans serrés, c’est important. Les extérieurs ont fière allure aussi, naturellement nets et riches en définition.

Son :La conception du son soulève l’action souvent à petite échelle en générant de l’énergie dans le bas de gamme. Le moteur de la voiture de Sean Penn crée un grondement régulier et impressionnant, accablant les choses d’une manière intelligente.

Les champs de débris et l’ambiance de la jouent bien, séparant l’audio pour créer une scène sonore convaincante. Les voitures se déplacent entre les canaux avec une précision totale.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.85:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 19.3 x 13.7 x 1.7 cm; 90 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Sean Penn Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope, PAL Durée ‏ : ‎ 1 heure et 45 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 2 février 2022 Acteurs ‏ : ‎ Dylan Penn, Sean Penn, Josh Brolin, Norbert Leo Butz, Dale Dickey Doublé : ‏ : ‎ Anglais, Français Sous-titres : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ Le Pacte