Vic, malchanceux jeune Américain d’origine russe, conduit un minibus pour personnes handicapées à Milwaukee. Alors que des manifestations éclatent dans la ville, il est déjà très en retard et sur le point d’être licencié.
Chronique : La très grande force du film réside dans la conversion cinématographique d’une expérience individuelle et autobiographique en énergie humaine capable de célébrer l’homme dans sa diversité fondamentale. Prendre un ingénu en guise de personnage principal évoque les récits d’apprentissage que la littérature du XIXe siècle appréciait tant, dans la mesure où lui seul était capable de porter un regard a priori neutre – c’est-à-dire dénué de toute grille idéologique – sur la société et ses constantes révolutions. Et inscrire ce jeune Russe déraciné dans une ville américaine bien délimitée et à l’identité forte, en l’occurrence Milwaukee, elle-même confrontée à des troubles, c’est chanter ce qu’est l’Amérique, en somme : une terre d’intégration où la cohabitation entre les différentes cultures occasionne une grande violence, mais permet surtout la communion de personnes là par hasard mais rassemblés par choix. Give Me Liberty narre une émancipation – comme l’indique son titre – qui semble gagner notre héros en guise de clausule, l’émancipation d’un être qui a pris conscience de la différence et l’a acceptée. Et de la même manière qu’il collectionne les vieux vinyles qu’il revivifie à l’aide de deux trois objets bricolés, il symbolise ce carrefour où se répercutent des identités, des expériences, des flux de paroles insatiables qui ont néanmoins une trajectoire similaire : rappeler à quel point la vie est un combat magnifique. Ce van, personnage à part entière, sillonne les immensités désertiques sans que le réalisateur ne s’attarde à en montrer frontalement l’étendue. Nous demeurons avec les protagonistes, nous partageons leur quotidien, leur point de vue. Tantôt drôle tantôt étouffant toujours poignant, le film secoue un je-ne-sais-quoi enfoui au plus profond du spectateur, cette énergie humaine qui le convie à tendre l’oreille pour écouter des histoires, s’émerveiller de dessins, regarder des corps discrédités en raison de leur différence et réunis ici dans une grande fête qu’est l’humain et que porte le cinéma. Give Me Liberty se vit telle une ivresse. Il est, à coup sûr, une expérience artistique des plus magnifiques.
Note : 9/10
Réalisé et co-écrit par Kirill Mikhanovsky Avec Chris Galust, Lauren « Lolo » Spencer, Maksim Stoyanov
Les Men In Black ont toujours protégé la Terre de la vermine de l’univers. Dans cette nouvelle aventure, ils s’attaquent à la menace la plus importante qu’ils aient rencontrée à ce jour : une taupe au sein de l’organisation Men In Black.
Chronique : Men in Black: International s’ouvre sur une base gênante mais confiante qui met toute la production en contradiction avec elle-même, nous laissant ainsi admirer ce qui aurait pu être par rapport à ce qu’elle est finalement. Tout comme Molly, la géniale Tessa Thompson, se pavane au siège du MiB à New York, persuadée qu’elle a dupé tout le monde en lui faisant croire qu’elle y arrive. Malheureusement, ce spin-off / reboot ne trompe personne avec des gags visuels et un humour hors du commun plus susceptible de lever les sourcils sceptiques avec des expressions douteuses que de mobiliser un rire sincère. Un problème majeur est une histoire envahie par la nostalgie nourrie à la cuillère et une intrigue qui semble dériver du premier couple Will Smith-Tommy Lee Jones.
Le scénario de Art Marcum et Matt Holloway ( Iron Man , Transformers: The Last Knight ) entre en action avec deux séquences de flashback déroutant, ce qui signifie que la première est programmée il y a quatre ans et que la seconde saute vingt ans en arrière avant de revenir à la présent. Certes, les séquences mettent les choses en mouvement et ajoutent un peu d’arrière-plan à notre paire de combattants du crime extraterrestres – et l’arnaque de Lilo & Stitch est heureusement livrée avec un gain éventuel qui est certes amusant – mais deux flashbacks avec des sauts étranges entre eux sont plutôt maladroits et agréables incroyablement amateur d’un cinéaste beaucoup mieux qualifié. Sa recherche de la vérité à l’âge adulte et la découverte facile de l’emplacement ultra-secret du MiB ne font que poser la question de l’efficacité de la succursale de New York dans le contrôle des visites extraterrestres non autorisées. Il semblerait que depuis la retraite de l’agent K, l’agence mystérieuse est en déclin.
Quant à l’agent H ( Chris Hemsworth) on nous dit sans cesse qu’il est le principal agent de la succursale de Londres et régulièrement informé de son courageux héroïsme. Nous ne voyons jamais cela, cependant. Nous venons tout juste de prendre conscience du fait que, maintes et maintes fois, nous nous sommes cognés à la tête comme si le fusil de Tchekhov était une chose réelle, rappelant avec ennui son importance pour l’acte final. Au lieu de cela, ce que nous voyons est un agent présumé languissant et présomptueux qui se débat d’un événement épisodique à l’autre sans rien d’autre que son charme personnel et sa beauté. Hemsworth n’est que son plus attrayant lors du partage de l’écran avec Thompson. Ce n’est pas tout à fait aussi amusant que ce que nous avons vu dans Thor: Ragnarok , mais les deux forment un formidable couple copain-flic, se faisant passer pour un ricochet avec suffisamment de charme naturel et apporter un sourire quand les voir ensemble.
Malheureusement, tout ce charisme étincelant entre Thompson et Hemsworth est plutôt gaspillé dans Men in Black: International , une quatrième entrée dans la série destinée à raviver l’intérêt de la franchise pour un public trop jeune pour avoir expérimenté le charme fantasque de l’original. Malheureusement, cette tentative de redémarrage, tout comme les extraterrestres se camouflant en humains, est en définitive un rechapage intelligemment déguisé du premier film. Un couple de personnalités en conflit – un vétéran chevronné et un stagiaire vert maladroit – doit sauver le monde d’un autre parasite ressemblant à un insecte appelé la ruche. Et encore une fois, tout le monde cherche un artefact mystérieux d’une valeur supérieure à ce qu’il semble et une figure intergalactique importante. Pas le retour annoncé mais un film sympathique qui ce laisse regarder mais que on aura oublier assez rapidement .
Note : 7,5/10
Vidéo : Le spin-off de science-fiction fantasmé cherche la vérité de l’univers sur DVD et propose un encodage 1080p / AVC MPEG-4 spectaculaire de qualité de référence qui épatera tout spectateur.
Comédie d’action familiale, cette présentation met en valeur un contraste saisissant et très dynamique, donnant à la bêtise visuelle un éclat brillant et optimiste ainsi que des blancs intensément rayonnants. Les points forts, tels que les explosions, les pistolets laser à énergie pure, sont incroyablement nets et vibrants, permettant une clarté époustouflante des plus petits objets et débris. Dans le même temps, les niveaux de noir sont riches en encre et riches, particulièrement lors des nombreuses séquences nocturnes où des ombres soyeuses pénètrent profondément dans l’écran tout en conservant une visibilité exceptionnelle des détails de l’arrière-plan, ce qui confère à l’image une sensation tridimensionnelle. une qualité cinématique magnifique.
Mieux encore, le nouveau film est rempli de primitives luxuriantes et somptueuses, produisant presque toutes les scènes avec un appel audacieux et énergique, fidèle aux origines de la bande dessinée du film.. Un régal hypnotique pour les yeux, les êtres sont essentiellement des supernovas conscientes, un spectacle brillant et tourbillonnant de riches bronzes beiges, de jaunes citronnés vif et d’oranges tigres profondes et ardentes mélangées à des violets violets, des lavandes éblouissantes, de riches roses fuschia et des blues scintillants de cobalt . Les personnages sont un ajout remarquable, délicieusement imaginatif au film.
Tourné avec une combinaison de caméras Arri Alexa, allant des résolutions de 3,4K et 6,5K, la vidéo atterrit également dans les cinémas à la maison avec une présentation HD presque sans faille, offrant une clarté étonnante et des détails nets dans chaque scène, y compris la moments d’action rythmés. Les poils individuels sont distincts et les textures du tissu dans les vêtements sont très bien définies et réalistes, tandis que chaque petit bouton et toute lumière clignotante du gadget assorti de l’arsenal de MiB sont clairement visibles. Le travail de synthèse de différentes créatures extra-terrestres est incroyablement bon, car il expose chaque détail caractéristique, les cheveux et le pli de la peau avec des détails saisissants et réalistes. Les teints du visage sont également très révélateurs, montrant toutes les rides, pores et imperfections négligeables des visages de la distribution entière. Le seul problème qui empêche l’image parfaite de la perfection réside dans quelques cas de crénelage très trivial le long des bords les plus nets de certains objets.
Audio : Équipés uniquement d’esprit et d’une bande-son 5.1 DTS-HD Master Audio incroyablement attrayante, Men In Black fait son entrée dans les cinémas à la maison avec une clarté phénoménalement nette et une définition superbe à mi-distance, générant un son large et spacieux scène sonore.
Quelle que soit la scène, l’action est continuellement stratifiée avec une activité d’arrière-plan qui se déplace de manière convaincante entre les trois canaux avant et dans l’espace hors écran. Les moments les plus forts et les plus percutants et les fréquences aiguës conservent des détails saisissants, tout en offrant à la partition de Chris Bacon et au motif MiB désormais emblématique de Danny Elfman une chaleur et une fidélité appréciables. Mis à part le marmonnement périodique de l’accent britannique de Hemsworth, le dialogue est toujours précis et bien hiérarchisé au milieu du chaos. Le bas de gamme est puissamment robuste et répond avec précision à quelques moments autoritaires qui confèrent aux éléments visuels un poids et une présence imposants, en particulier dans la bataille décisive dramatique
Pour maintenir l’excitation de la science-fiction, la conception utilise efficacement l’environnement avec une excellente orientation et placement, plaçant le spectateur au beau milieu du chaos fantastique. Les flancs et les arrières s’animent avec enthousiasme au cours des nombreuses batailles, alors que des débris se brisent dans toutes les directions, que des coups de feu se propagent dans la pièce, que le rugissement de la ruche fait écho à tous les haut-parleurs et que des véhicules extra-terrestres fous défilent parfaitement d’un côté à l’autre. Malheureusement, les scènes plus calmes ne sont pas aussi efficaces, car le manque soudain d’activité dans les environs est très apparent, attirant pratiquement l’attention sur lui-même. Heureusement, les séquences d’action explosent avec assez d’énergie pour le compenser.
Bonus :
Nouvelles recrues, costumes classiques (HD, 7 min): Une petite collection d’interviews sur le casting.
C’est parti ! Les coulisses de l’action & des cascades (HD, 6 min): regard sur la chorégraphie.
Développer l’univers de MIB (HD, 6 min): à propos des lieux qui s’ajoutent au mythe du MiB.
Juste ici : gadgets, armes & véhicules (HD, 4 min): bref aperçu de la technologie
Au cas où vous auriez été neuralysé : récapitulatif MIB (HD, 3 min): récapitulatif littéral du film entier
Les Twins donnent tout sur la piste de danse (HD, 2 min): images de la scène de danse BTS dans le club.
Bêtisier (HD, 2 min).
Acteurs : Chris Hemsworth, Tessa Thompson, Rebecca Ferguson, Rafe Spall, Emma Thompson
Réalisateurs : F. Gary Gray
Format : Couleur, PAL
Audio : Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1)
Sous-titres : Français
Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
Karen, une mère célibataire, offre à son fils Andy une poupée high-tech, ignorant tout de sa nature sanguinaire et violente. Un dysfonctionnement va ainsi pousser la poupée à adopter un comportement agressif et psychopathe… Le cauchemar ne fait que commencer…
Chronique : En 2019 le défilé apparemment interminable de redémarrages, de réimaginations et de révisions est un rafraîchissement de la comédie d’horreur Child’s Play, un classique de la comédie d’horreur. Bien que cette version n’ajoute pas grand-chose à la mythologie de Chucky et enlève certains des morceaux les plus juteux de sa légende, elle refuse aussi de se prendre trop au sérieux.
Certaines scènes de films résument parfaitement le ton et l’intention du cinéaste. Nous arrivons à mi-chemin du nouveau Child’s Play. Andy (Gabriel Bateman) vient de se faire deux nouveaux amis après un déménagement, et le trio regarde un film avec la dernière acquisition de jouets d’Andy, Chucky. Ils regardent The Texas Chainsaw Massacre 2 de 1986 dans toute sa gloire sanglante. Ils rient tous avec plaisir de la violence caricaturale et des scalpings alors que Chop-Top et la famille Sawyer se fraient un chemin à travers une bande d’adolescents. Les enfants humains dans la pièce disent (je paraphrase ici), « Ce n’est pas comme ça que le scalping fonctionne » et continuent à aboyer. Chucky regarde toute cette situation avec un grand émerveillement. Non seulement il s’amuse dans ce chaos, mais il est aussi incapable de comprendre la différence entre la violence dans les films et les dommages réels causés aux humains. Pour notre chance, Chucky n’existe qu’à l’écran et il est capable de reprendre là où Leatherface s’arrête. Plus tard, quand Chucky présente un visage scalpé qui contient à la fois des yeux et des dents, nous sommes maintenant le public qui hurle de rire devant le fait que la peau du visage ne fonctionne pas vraiment comme ça. Ne dites pas que Child’s Play ne vous a pas prévenu explicitement – c’est un film idiot.
Le remake de The Child’s Play imite l’original de 1988 de quelques façons importantes, mais l’ignore complètement dans d’autres. Chucky est une poupée tueuse qui appartient à un jeune garçon du nom d’Andy. Le design de la poupée est généralement le même, avec chemise rayée et salopette. Cependant, cette version mise à jour de Chucky est souvent évidemment CGI, plutôt que de maintenir les charmes des effets pratiques originaux de la marionnette. Le changement le plus marqué d’une version à l’autre est la racine des mauvaises manières de Chucky. Dans les années 80, Chucky était possédé par l’âme d’un tueur en série qui l’a transformé en poupée tueur en série. Dans cette version, un ouvrier mécontent de l’usine a supprimé tous les programmes de sécurité de l’IA de la poupée. Ça ne devrait pas forcément rendre une poupée maléfique, mais Chucky y arrive.
Le méchant affaibli, ou du moins moins moins menaçant à l’origine, aurait pu se prêter à un film d’horreur moins divertissant, et il l’est, mais pas au point que vous pouvez craindre. Le refus du film de se prendre au sérieux ajoute au plaisir de la prémisse ridicule. Pour la plupart, c’est une farce idiote. Aubrey Plaza s’amuse à jouer la mère sarcastique et attentionnée. Mark Hamill est la voix parfaite de Chucky. Et même les enfants acteurs sont tous parfaitement utilisables comme amis d’Andy.
Note : 8/10
IMAGE: L’image encodée 2.39: 1 / 1080p / AVC pour cette version est normalement solide, même si elle est un peu trop lisse. Cette production de plans numériques peut sembler un peu fluide à certains moments, mais je soupçonne qu’il s’agit d’un problème de source et que ce transfert dvd n’est pas en cause. La netteté est plus forte dans les gros plans, ce qui révèle une bonne texture et des détails fins. Les plans larges sont un peu plus doux mais offrent quand même une bonne netteté. Les couleurs sont bien saturées et les niveaux de noir sont agréables. Les détails des ombres sont abondants et le film a l’air bien en mouvement.
Audio : Le mixage 5.1 DTS-HD Master Audio offre de nombreux panoramas d’éléments d’action pour supporter le carnage à l’écran. Le dialogue est clair et net, que ce soit via les canaux centraux ou surround. La voix et les pas de Chucky entourent le spectateur. La partition et la bande-son sonnent bien, et les éléments sont bien équilibrés.
Bonus :
– La création de la poupée Chucky
– À la rencontre de l’équipe du film
– La modélisation des scènes de massacre
– La chanson de Buddi
Acteurs : Aubrey Plaza, Gabriel Bateman, Brian Tyree Henry, Tim Matheson, David Lewis
Réalisateurs : Lars Klevberg
Format : Couleur, PAL
Audio : Anglais (Dolby Digital 5.1), Anglais (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 2.0)
Lorsque Fourchette – la nouvelle création fétiche de la petite Bonnie – refuse de se voir comme un jouet mais plutôt comme un déchet, Woody entreprend de lui démontrer toutes les raisons pour lesquelles il devrait se réjouir d’en être un. Embarqué avec ses autres compagnons dans le « road trip » que Bonnie fait avec ses parents, Woody va vivre une odyssée inattendue au cours de laquelle il va retrouver son ancienne amie La Bergère. Des années en solitaire sur la route ont développé chez elle un vrai goût pour l’aventure…
Chronique : Toy Story 4 de Pixar, le quatrième et éventuellement le dernier volet de la franchise. Nous n’avons jamais pris en compte le fait que Woody (Tom Hanks reprenant son rôle emblématique lui garantissant une place permanente dans les halls des légendes américaines) soit parvenu à la même conclusion satisfaisante que les autres jouets, considérant que son voyage n’a peut-être jamais été bouclé ou entièrement résolu. Dans Toy Story 3 , le gang avait la possibilité de faire face à son destin: les jouets étaient finalement oubliés, donnés ou tout simplement perdus, sans toutefois renoncer à son lot de défis et de difficultés. Néanmoins, il est intéressant de regarder cette dernière entrée tout en repensant à son prédécesseur avec le recul. Woody ne s’est pas vraiment vu offrir la même opportunité que ses amis. En fait, il n’a jamais compris sa place et sa raison d’être que dans une perspective étroite et résolue: celle d’un jouet ou d’un objet possédé, n’entraînait que de la joie et de bons souvenirs pour ces propriétaires.
Aussi noble et altruiste que cela puisse paraître à la surface, cette croyance inébranlable qui, rétrospectivement, a de manière surprenante guidé la plupart des motivations de Woody tout au long de la série. Au cœur de l’intrigue de chaque entrée se trouve notre héros cow-boy – l’effigie mythologique américaine de confiance en soi et d’indépendance – s’efforçant sans relâche de maintenir sa propre valeur, définie par un autre, une bataille à la fois en lui-même et contre des forces extérieures incontrôlables. C’est ce qui rend sa relation avec Fourchette (Tony Hale) profondément fascinante et perceptive. En tant que ustensile récupérée par Bonnie, l’ustensile en plastique, destiné à un usage unique, lutte également contre son existence, coincé entre deux mondes, à la fois physiquement à la fourchette et à la cuillère, entre jouet et poubelle. Woody aussi est coincé entre le placard de Bonnie ou avec lequel il joue.Fourchette est essentiellement la conscience de Woody, la petite voix dans sa tête prenant forme et le visuel métaphorique de la sensation de Woody à l’intérieur.
La crise existentielle de Woody – son voyage pour découvrir et créer son propre sens du but et du sens – prend même une forme littérale comme une route sombre et sombre où le dilemme de notre héros est directement abordé et après une séquence de montage montrant Fourchette comme un fardeau lourd et épuisant . Et le shérif le plus raciste et le plus minutieux est aidé dans sa démarche pour se frayer un chemin à l’aide de deux autres jouets, dont l’un n’est pas par hasard vivant dans un magasin d’antiquités appelé « Second Chances ». La croyance de Gabby Gabby (Christina Hendricks) selon laquelle un jouet ne servant qu’un seul but prend une tournure sombre et obsessive, au point de créer une ambiance inquiétante qui vient tout droit de Shining de Stanley Kubrick. Bien sûr, cela n’aide pas ses sbires à devenir des mannequins ventriloques.
Toy Story 4 réunit non seulement le gang pour une ultime aventure dans l’univers des jouets, mais offre également une conclusion inattendue mais bien méritée au voyage de Woody, dernier chapitre de la vie d’un jouet qui a lutté contre les sentiments. perdu dans un univers toujours changeant et indifférent. En chemin, il se fait de nouveaux et terriblement mémorables amis, comme le Duke Caboom de Keanu Reeves, un casse-cou pour motocycliste qui, ironiquement, doit être arrêté émotionnellement avant de réaliser une cascade dangereuse.Mais, aussi merveilleux que soient les ajouts à la famille Toy Story , cette histoire en particulier appartient sans aucun doute à Woody, qui trouve son propre bonheur, et en tant que traité animé sur l’existentialisme sartrien, Toy Story 4 est sans conteste la meilleure entrée de l’ensemble. la franchise.
Note : 9,5/10
Vidéo : Au cours des vingt-cinq dernières années écoulées depuis le lancement du premier film dans les cinémas, Pixar s’est toujours efforcé d’améliorer la technologie de la caméra et de restituer l’animation. Cette quatrième entrée montre bien le chemin parcouru par le studio. Faites une pause au hasard sur une scène et admirez les coutures incroyablement bien définies du tissu, les minuscules boules de poil et les poils sur les épaules de certains jouets, ainsi que les lignes nettes au rasoir à l’intérieur du véhicule de loisirs, l’intérieur du magasin d’antiquités poussiéreux ou de petites égratignures des manèges divers, un peu âgés de carnaval. Le transfert fraîchement fabriqué affiche également un contraste net et précis et une balance de luminosité exceptionnelle du début à la fin. L’action apparaît en permanence avec des blancs éclatants et parfaits qui font éclater la lumière du soleil éclatant à la lumière du jour et de l’extérieur, mais à l’intérieur du magasin d’antiquités, les rayons sont plus durs et étrangement oppressants sans jamais effacer les plus petits détails. De même, les moments forts du carnaval ont une brillance intense et radieuse, ce qui rend ces scènes de nuit d’autant plus attrayantes et hypnotisantes. Dans le même temps, ces mêmes moments sont également baignés de noirs foncés et d’ombres soyeuses d’un noir intense, tout en conservant des différences de gradation remarquables et des détails détaillés dans les coins les plus sombres, offrant à l’image 2,39: 1 une sensation saisissante en trois dimensions.
Pendant tout ce temps, chaque scène est imprégnée d’une palette de couleurs magnifique et hypnotique. Les somptueuses écoles primaires sombrent dans une palette extatique et électrisante dans tous les lieux et toutes les situations, notamment les rouges de lumière et les verts du feuillage environnant. De même, des teintes secondaires animées et animées envahissent le carnaval de roses vives, de violets et de jaunes ensoleillées tandis que le magasin d’antiquités baigne dans des tons de terre ambrée, à l’exception de la scène où le rayon du soleil rayonne à travers les lustres, bien sûr. Le dernier quart du film qui traverse le carnaval est composé de couches chaudes d’oranges et de jaunes, faisant de cette sortie une qualité de référence pure et l’une des plus impressionnantes de Pixar à ce jour.
Audio : En tant que meilleur film de la série, Toy Story 4 trouve également un foyer et un lieu d’appartenance grâce à une bande son excellente, bien que légèrement déroutante, de DTS-HD Master Audio 7.1. Ne vous méprenez pas. C’est une bonne piste avec de nombreux effets d’arrière-plan qui vont et viennent sans à-coup et de façon convaincante entre les canaux avant et dans l’espace hors écran, générant ainsi une scène sonore spacieuse et très accueillante. Les voix sont intelligibles avec une intonation remarquable dans les talents vocaux et les moments les plus dramatiques, tandis que les graves bas de gamme palpables fournissent un poids et une présence généreux à l’action et à la musique.
La préoccupation est le manque d’activité Surround, ce qui en fait une présentation très lourde devant, ce qui en soi n’est pas une mauvaise chose. Cependant, les côtés et les arrières sont utilisés non seulement de manière très sélective, mais également de façon sporadique, attirant parfois davantage l’attention vers eux-mêmes que de créer un champ sonore immersif et gratifiant. Mais du côté positif, quelques scènes sont satisfaisantes et agréables avec la boîte de nuit de la machine à flippers de Duke et la séquence de carnaval à la fin donnant vie à la salle.
Lorsque nous soulignons d’autres problèmes, nous revenons à l’activité principale. Aussi large et large que puisse être la scène sonore, le médium semble plutôt terne. Ce n’est pas si terrible, car il y a beaucoup de clarté et de distinction à admirer ici et là, mais pour mieux l’apprécier, le volume principal doit être élevé à -5 à partir de la référence. Ce qui est encore plus décevant, c’est que le sentiment d’imagerie est plat et uniforme, sans jamais vraiment s’étendre aux fréquences les plus hautes, ce qui donne l’impression que les séquences d’action les plus fortes sont contenues.
En fin de compte, le mix sans perte offre toujours une excellente écoute qui complète bien les visuels.
Bonus :
Commentaire audio de Josh Cooley et Mark Nielsen: Le réalisateur Mark Nielsen se joint au réalisateur Josh Cooley pour discuter des divers aspects de la production, des personnages et du talent derrière la suite.
Réalisateurs : Josh Cooley
Format : PAL
Audio : Néerlandais (Dolby Digital 5.1), Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1), Néerlandais belge (Dolby Digital 5.1)
Sous-titres : Français, Néerlandais
Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
Sue Ann, une femme solitaire vit dans une petite ville de l’Ohio. Un jour, une adolescente ayant récemment emménagé, lui demande d’acheter de l’alcool pour elle et ses amis ; Sue Ann y voit la possibilité de se faire de nouveaux amis plus jeunes qu’elle. Elle propose aux adolescents de traîner et de boire en sûreté dans le sous-sol aménagé de sa maison. Mais Sue Ann a quelques règles : ne pas blasphémer, l’adolescent qui conduit doit rester sobre, ne jamais monter dans sa maison et l’appeler MA. Mais l’hospitalité de MA commence à virer à l’obsession. Le sous-sol qui au début était pour les adolescents l’endroit rêvé pour faire la fête va devenir le pire endroit sur terre.
CHRONIQUE : Avec Winter’s Bone et La Couleur des sentimens sous la ceinture de Tate Taylor, Ma n’est pas ici avec un débutant. Je ne reproche à personne d’essayer de jouer dans le genre de l’horreur. C’est ainsi que des personnalités créatives inattendues ont fait des entrées impressionnantes.
J’étais vraiment intéressée de voir Octavia Spencer glisser hors de la zone de confort de son aimable personnalité amicale . C’est amusant de voir les choses aller mal, donc bravo à elle pour lui avoir donné une idée. Ce film n’a rien à voir avec un film d’épouvante/horreur, cela va induire en erreur beaucoup de personnes. La réalisation est vraiment soignée, et Tate Taylor ose des plans compliqué. Comme un plan filmé avec une demi-bonette, système permettant que le premier et l’arrière plan ne soient pas flouté, même si il y a une profondeur de champ. Matériel très complexe d’utilisation, qui prouve les bonnes idées que le film propose. Octavia Spencer est formidable, elle sais transmettre la peur et le malaise en un regard, dans une scène pourtant pas censé être effrayante. Elle sort de sa zone de confort pour jouer une psychopathe, un rôle qu’elle n’avait jamais vraiment pu jouer auparavant. Elle s’en sort merveilleusement bien. Le film, prend du temps pour imposer son ambiance, et la vraie action ne démarre que 20-30 minutes avant la fin. Mais autant vous dire que si vous êtes patients, vous ne serez pas déçu. Mais malgré, pendant l’installation du film, on perçoit des choses anormales, étranges, qui nous met une pression et un suspense alors que le vif du sujet n’est pas encore totalement enclenché. Le film ressemblait beaucoup à un teen movie sur la bande annonce, mais il s’avère que ce n’est pas trop le cas, et qu’il se démarque de ses « prédécesseurs » tel que Action ou Vérité, qui n’a aucun scénario et aucune profondeur. L’écriture du film et des personnages est vraiment travaillée, et le personnage de Sue-Ann (Ma) est vraiment très bien écrit. On arrive à voir un côté humain à certains moments, on veut pleurer avec elle quand elle pleure (vous comprendrez), on veut la tuer à certains moments. Un personnage assez particulier, qui peut nous attendrir comme nous effrayé en un seul regard. Ce n’aurai probablement pas été possible sans Mme Spencer, je le répète formidable. De bonnes idées également, le fait qu’au fur et à mesure elle s’adapte aux styles vestimentaires de ses hôtes, leurs manières de s’exprimer/parler… Le film peut être vraiment dérangeant vers la fin, avec une certaine violence psychologique. Mais ce n’est pas le pire en terme de violence, il reste plutôt (je dis bien plutôt) soft. Bon, je pense avoir fait le tour, et comme vous l’aurez compris Ma mérite d’être vu, par des amateurs du genre où bien par des cinéphiles, qui sauront reconnaître les nombreuses qualités du film. Sur ce, allez le voir, fan de thriller ou non, vous ne serez pas déçu, et vous passerez (qui l’aurait cru), un moment de cinéma mémorable (en dehors des aspects teen movie, petit défaut du film).
Note : 8,5/10
Vidéo : Tourné numériquement et provenant d’une DI 2K, Ma prépare un transfert solide de 2,39: 1 1080p. Les détails sont de premier ordre. À partir de la première image, j’ai été très impressionné par les détails des traits du visage, des vêtements et des décors de production. Spencer se distingue particulièrement dans ce département car elle assiste à la présentation d’un costume physique au fur et à mesure qu’elle acquiert de la confiance en elle et s’ouvre à devenir flashy et amusante pour les enfants qui l’ont acceptée. Sa maison est également une excellente représentation de son personnage et tout est montré à l’écran. Comme le film est censé se dérouler au début de l’automne, des tons gris / marron plus foncés dominent la journée – mais les films primaires passent leur temps au soleil. Le sang rouge est assez cramoisi et a fière allure dans une séquence particulièrement épineuse. Les niveaux de noir et les ombres sont sur le point avec des noirs profonds d’encre et une grande profondeur d’image.
Audio : Ma arbore un puissant mix DTS-HD MA 5.1 qui roule avec le punch et devient vraiment vivant au dernier acte du film. Une partie du film est une atmosphère avec de petits sons ici et là pour garder les côtés et les canaux arrière actifs – mais rien de trop dynamique. Lentement, au fur et à mesure que le film avance, les choses commencent à s’améliorer. Au moment où tous les écoliers font la fête chez ma mère, vous avez une excellente activité d’immersion. Le point culminant est tout aussi remarquable – mais pas de spoilers! Le dialogue est clair et net et une source de grande comédie puisque Ma est encline à marmonner pour elle-même.
Bonus : Les bonus pour Ma sont un peu délicats. Les scènes de fin et de scénes alternatives sont intéressantes – mais c’est tout. Le reste des fonctionnalités sont des making of de base en tête de conversation qui ne se prêtent à aucune exploration du personnage ou à des détails du film.
Rocketman nous raconte la vie hors du commun d Elton John, depuis ses premiers succès jusqu à sa consécration internationale. Le film retrace la métamorphose de Reginald Dwight, un jeune pianiste prodige timide, en une superstar mondiale. Il est aujourd hui connu sous le nom d Elton John. Son histoire inspirante sur fond des plus belles chansons de la star nous fait vivre l incroyable succès d un enfant d une petite ville de province devenu icône de la pop culture mondiale.
Chronique : Les étoiles renaissent de leurs cendres. Ou dans le cas de Reginald Kenneth Dwight (Taron Egerton), des débuts modestes. Très humble. Un prodige du piano à un jeune âge, Reginald a grandi dans un foyer strict sous le pouce de sa mère Sheila (Bryce Dallas Howard) et de son père Stanley (Steven Mackintosh), souvent en colère. Le seul membre de la famille qui a soutenu et encouragé ses rêves de fréquenter la Royal Academy of Music était sa grand-mère Ivy (Gemma Jones). Contrairement à ce que la société et sa famille attendent de lui, Reginald s’élèvera pour devenir l’une des pop stars les plus célèbres et les plus infâmes d’une génération – Elton John. Mais son mode de vie excessif de sexe et de drogue peut détruire tout ce qu’il a construit avec son ami et parolier Bernie Taupin (Jamie Bell).
Honnêtement, je n’aime pas trop les biographies, car elles ont tendance à mettre en évidence les réalisations et à éliminer les défauts de caractère pour que certaines personnes paraissent mieux sous un angle historique. J’aime les comédies musicales — The Music Man et Hello ! Dolly sont deux de mes préférées, mais je n’aime pas le genre. Je suis souvent découragé quand le chant surgit de nulle part et qu’une longue chanson remplace une simple conversation facile.
À cette fin, Rocketman était un peu louche. D’un côté, j’aime beaucoup Elton John et ses chansons classiques. D’un autre côté, je ne voulais pas qu’on me chante pendant deux heures. Alors que Rocketman commence avec Elton qui fait irruption dans une réunion de désintoxication en costume costumé, j’étais intrigué de savoir où cela pourrait mener. Puis le premier numéro de chanson et de danse a éclaté. Et puis le suivant. Et puis le jeune Reginald est au lit en train de fantasmer sur la direction d’un orchestre complet qui joue du rocketman.
Je suis d’accord avec les chansons et les numéros de danse s’il y a une raison pour qu’on soit là quand et où ils arrivent. Si c’est juste un moyen d’entasser autant de morceaux remarquables que tout le monde reconnaît, je suis un peu frustré. J’ai l’impression que l’idée maîtresse de l’histoire et le progrès narratif sont en train d’être subvertis pour avoir un moment showy. Et j’étais frustré par Rocketman – au début. Tandis que les morceaux de chansons et de danses qui me semblaient déplacés et aléatoires prenaient un peu de temps pour m’y habituer, j’ai trouvé mon rythme avec le film et j’ai apprécié l’approche. La vie et la carrière d’Elton ont été une série de hauts et de bas. Bonheur et dépression extrême. Sobriété et lucidité à plat sur le dos en ayant une crise cardiaque et près de la mort.
Bien que je ne sois pas immédiatement tombé amoureux de Rocketman, j’ai trouvé mon rythme avec lui. Je connaissais certains des éléments qui s’y trouvaient. Je savais qu’il ne venait pas de l’argent et qu’il devait se battre et gratter. Je savais qu’il devait se débrouiller seul, mais je ne savais pas quand et comment ses grandes ruptures et les personnages importants de sa carrière se mêlaient à cette vie. Ainsi, bien qu’il suive certains des rythmes biopic éprouvés et vrais, j’ai apprécié qu’il n’ait pas essayé de cacher les côtés obscurs d’Elton. C’était en fait d’une franchise rafraîchissante lorsqu’il traitait avec ses camarades de groupe, sa famille ou même avec Bernie Taupin.
Note : 9/10
Video : Rocketman fait un spectacle avec un transfert 1080p 2.40: 1 éclatant! Dès le départ, le film parle de costumes et de couleurs. Elton était certainement bien connu pour ses costumes flashy et son style de vie et ce disque affiche ces images à l’écran sous une belle forme. Les détails sont sur place, les traits fins du visage, le chaume de barbe, les cheveux en recul d’Elton sont tous exposés. Les costumes sont la principale caractéristique permettant à toutes les paillettes, paillettes et plumes de briller. Les couleurs disparaissent presque à chaque tour de l’écran, permettant ainsi une présence presque constante. Les niveaux de noir et le contraste sont également à l’ordre du jour avec des blancs croustillants glacés sans aucune floraison involontaire et quelques ombres profondes d’encre qui restent bien hors de portée.
Audio : Ce disque est doté du même mix audio impressionnant Dolby Atmos que son frère Blu-ray 4K UHD, que j’ai adoré pour sa juxtaposition de moments de conversation calmes avec des numéros en plein essor de chansons et de danses.
Nom d’un chien, c’est un sacré mélange de Dolby Atmos efficace ! J’aime la juxtaposition des moments de conversation tranquilles et faciles à vivre, où il n’y a presque pas de son, aux chansons vibrantes et aux numéros de danse en plein essor. C’est un peu un coup du lapin, mais c’est le but. En tant que film sur les extrêmes d’Elton, le mixage audio aide à définir cela. La scène d’ouverture où Elton se rend au counseling en toxicomanie en est le parfait exemple. Il est presque silencieux au point que vous vous demandez si vous n’avez pas oublié d’allumer votre installation audio. Et puis les conversations se transforment en une chanson qui se transforme en un numéro de danse chorégraphié !
Le film s’écoule ainsi tout au long du film en utilisant largement les canaux surround, même si l’exiguïté de l’environnement intérieur ne justifie pas un grand besoin. Il y a toujours quelque chose pour définir l’espace et la présence, qu’il s’agisse d’une personne qui passe à côté ou d’une personne qui a une conversation à peine inaudible. Pour ce faire, le dialogue se déroule parfaitement. Certains des accents de l’est de Londres sont peut-être un peu serrés pour certains, mais dans l’ensemble, la clarté des conversations est merveilleuse. De même, lorsqu’une chanson entre en jeu et que divers membres de la distribution sonnent, les voix s’emparent de la scène sans se sentir à plat ni se faire doubler. Les personnages ont tendance à chanter lorsqu’ils se déplacent à l’écran et il y a suffisamment de mouvement dans les canaux pour garder ce mélange vivant et engagé. Je pense que c’était la première comédie musicale que j’ai vue avec un mix Atmos et je suis très impressionné par les résultats !
Bonus : Rocketman est livré avec des bonus assez décents. Il s’agit en grande partie de fichiers EPK typiques, mais le contenu est plutôt bon. Il y a beaucoup de choix ici et devrait vous occuper un peu – surtout si vous êtes fan de l’homme et du film.
Nombres musicaux étendus (HD 14:48)
Scènes supprimées et étendues (HD 19:39)
Ça va être un tour sauvage: vision créative (HD 7:08)
Devenir Elton John: la transformation de Taron (HD 6:52)
Plus grand que nature (HD 8:55)
Full Tilt (HD 10:09)
Musique réinventée (HD 11:33)
Rocketman Lyric Companion avec option de chant d’accompagnement (HD 35:44)
Présentateur d’une émission pour enfants, Jeff reste pour beaucoup de personnes « M. Pickles », une véritable icône du petit écran. Confronté à un drame qui a provoqué l’éclatement de sa famile, il ne peut plus trouver refuge dans les contes de fée ou se cacher indéfiniment derrière des marionnettes pour se sortir d’affaires. La réalité du monde peut se révéler bien cruelle pour quelqu’un qui incarne depuis si longtemps un modèle de gentillesse et de sagesse.
Chronique : Triste et drôle, tantôt légère comme une plume puis soudainement lourde comme une enclume, bref : complexe comme la vie où tout y est amoureusement lié. Une série lyrique illustrée par une superbe photographie à la fois moderne et naturelle, et un Michel Gondry qui nous offre une mise en scène au summum de sa créativité avec des plans séquences à couper le souffle ! Cette réunion après Eternal Sunshine of the spotless mind nous plonge dans une réflexion sur certains aspects de l’humain. Jim Carrey y est excellent et il est très bien entouré, tout ne repose pas sur lui (contrairement à certains de ses films comiques où le réalisateur comptait uniquement sur son talent). Le personnage de sa sœur est par exemple très bien interprété. Si vous vous considérez comme un battant ou quelqu’un qui a réussi sa vie , économisez votre temps et passez votre chemin. Le culte du perdant magnifique est omniprésent ici. Et Jim Carrey se retrouve ainsi dans un rôle fait pour lui. Asseyez vous confortablement , prenez peut être quelque chose à boire ou a manger et regardez ce que sera ou pourrait être votre vie.
Note : 9,5/10
La vidéo et l’audio Kidding est présenté dans un transfert AVC 1080p de 1,78: 1 qui a généralement l’air beau, dans la mesure où il est censé toujours être « beau ». Il y a des erreurs de distorsion vidéo intentionnelles, des vidéos « webcam » (qui sont sujettes à l’écrasement, au crénelage, à la douceur, etc.) et à d’autres petites anomalies, mais toutes ces choses sont évidemment imputables à la façon dont le film est conçu – L’aspect le plus important ici est que le spectateur peut lire clairement le texte à l’écran, ce qui est rendu clairement. La même licence esthétique s’applique à la piste DTS-HD Master Audio 5.1 du film . Le silence (ou le silence relatif de tout, sauf de la frappe au clavier) est un élément important de l’action ici, avec quelques indices de partition minimaux.
Acteurs : Jim Carrey, Frank Langella, Judy Greer, Cole Allen, Juliet Morris
Réalisateurs : Michel Gondry, Jake Schreier, Minkie Spiro
Format : Dolby, PAL
Audio : Italien (Dolby Digital 2.0 Surround), Allemand (Dolby Digital 2.0 Surround), Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 2.0 Surround), Espagnol (Dolby Digital 2.0 Surround)
Quand un charmant garçon des rues du nom d’Aladdin cherche à conquérir le cœur de la belle, énigmatique et fougueuse princesse Jasmine, il fait appel au tout puissant Génie, le seul qui puisse lui permettre de réaliser trois vœux, dont celui de devenir le prince Ali pour mieux accéder au palais…
Chronique : Ce film était incroyable, juste aussi magique que l’original! Meilleur film d’action en live de Disney jusqu’à présent ! Mena Massoud était un Aladdin très amusant et très charismatique, une très bonne chimie avec Will Smith et Naomi Scott! will Smith était un génie incroyable, son génie était très bon et il était si fun Guy Ritchie donne vraiment vie à ce classique animé avec un casting spectaculaire composé à la fois de chansons nouvelles et originales qui ont tant de cœur, d’amour et de puissance en elles. Personne ne pouvait mieux jouer le Génie que Will Smith dans cette adaptation. et Naomi Scott … par où dois-je commencer? La meilleure princesse Jasmine. Naomi Scott en tant que princesse Jasmine était incroyable, elle est une chanteuse extraordinaire et une telle actrice, bien meilleure qu’Emma Watson! Marwan Kenzari en tant que Jafar n’était pas étonnant, c’était médiocre, mais j’aimais beaucoup le nouveau scénario de Jafar et son arrière-plan. Dans l’ensemble, c’était un film étonnant, si vibrant et coloré! Beau film magique, tout le monde doit le voir au moins une fois!
Note : 9/10
Vidéo : Ce remake en direct entraîne le public dans un tout nouveau monde avec un encodage 1080p / AVC MPEG-4 magiquement coloré et magnifiquement animé.
Dès le début, la présentation est un régal pour les yeux, inondant la ville fictive d’Agrabah d’un somptueux éventail de bronzages, de jaunes et d’oranges. Encore mieux est la vaste collection et les costumes élaborés qui viennent dans les roses chauds, les violets, les sarcelles, les riches soucis et les magentas avec des ourlets jaune d’or et d’autres accessoires. De même, les primaires sont richement flamboyantes et frappantes, notamment la variété de rouges et de bleus d’Aladdin et de Génie.
Le transfert fraichement défilé défile également sur les disques Blu-ray avec un contraste saisissant et une balance de luminosité, affichant des blancs brillants et nets dans les vêtements, les murs du palais et diverses tapisseries. Des noirs corbeaux et encens baignent de nombreuses séquences d’ombres de minuit stygiennes sans sacrifier les détails les plus fins, offrant ainsi un format d’image de 2,39: 1 avec une belle profondeur en trois dimensions et un attrait cinématographique.
Tourné sur le système de caméra Arri Alexa, la présentation HD est en grande partie extrêmement nette, avec des détails saisissants dans les costumes complexes, dans les rues altérées d’Agrabah et dans la conception extravagante du palais baroque. La peau du visage est révélatrice de textures réalistes, laissant apparaître toutes les rides, imperfections négligeables et pores de la fonte. Garder la vidéo de ce côté de la perfection, cependant, est une belle dose de douceur dans quelques séquences, dont la plupart sont liées aux plans extrêmement larges de la ville et aux images de synthèse.
Audio : La fantaisie musicale se propage dans les cinémas à la maison avec une bande sonore DTS-HD Master Audio 7.1 excellente et globalement agréable, complétant bien les effets visuels, mais n’est pas du genre à faire planer des audiophiles dans les cieux d’Agrabah.
Compte tenu de toute l’action fantasmatique et de la magie, les alentours sont étonnamment silencieux pendant la majeure partie de la durée d’exécution et font cruellement défaut lorsque Génie est à son comble de l’animation et de la stupidité la plus ridicule. Parfois, des effets aléatoires défilent efficacement sur les côtés et sur les côtés, tels que Genie ou Iago, mais de tels moments sont rares et offrent de meilleurs points de contact pour attirer l’attention et sont plus facilement localisés que pour générer un champ sonore immersif et satisfaisant.
La majeure partie de la concentration et de l’attention est placée sur l’écran, ce qui en fait un design très lourd qui favorise grandement la musique par rapport à l’ambiance. Pour être juste, l’imagerie est assez large et accueillante avec une bonne quantité d’activité d’arrière-plan se déplaçant de manière fluide entre les trois canaux avant. La scène sonore présente également beaucoup de chaleur et de fidélité dans les numéros de chansons et de danses, mais le médium se sent étrangement uniforme et limité, avec pratiquement aucun mouvement dans les fréquences les plus hautes. Les fréquences les plus basses sont un peu meilleures avec quelques instants, offrant à la musique et à l’action un poids et une présence appréciables. Avec des voix bien hiérarchisées et une excellente intonation dans le chant, le mix sans perte est finalement une excellente écoute pour les fans.
Bonus :
Journal vidéo d’Aladdin: Un nouveau point de vue fantastique (HD, 11 min): Tiré de la collection personnelle d’images de Mena Massoud, filmée pendant le tournage et discutant avec les acteurs et l’équipe.
Vidéoclips (HD, 12 min): Trois vidéos présentant les performances de Naomi Scott dans « Speechless » et deux versions de « A Whole New World », Zayn, Becky G et Zhavia Ward.
Guy Ritchie: Un génie cinématographique (HD, 6 min): Plusieurs minutes d’éloges pour le réalisateur.
Un ami comme Genie (HD, 5 min): Will Smith comparé à Robin Willaims.
Chanson supprimée (HD, 2 min): avec une introduction du compositeur Alan Menken.
Bloopers (HD, 2 min).
Scènes supprimées (HD, 11 min).
Acteurs : Will Smith, Mena Massoud, Naomi Scott, Marwan Kenzari, Navid Negahban
Le plus recherché des tueurs à gage goûte une retraite solitaire au bord d’un lac isolé dans le grand Nord-Américain. Une jeune femme grièvement blessée vient trouver refuge dans son chalet. Pour la sauver, il pourrait bien risquer sa propre vie…
Chronique : « Cold Blood Legacy – La mémoire du sang », malgré un début intrigant et bien fichu en apparence, s’essouffle très vite et n’arrive pas à tenir ses promesses. On va même de déception en déception, tant l’intrigue est tirée par les cheveux, le rythme poussif et les rebondissements artificiels au possible. Ce qui est très vite dommage, c’est que l’on comprend de suite les intentions des uns et des autres, et donc qui est qui et qui va faire quoi (!), même si le scénario est un peu alambiqué, tordu et truffé de quelques incohérences. Bien sûr Jean Reno joue de son charisme, de sa présence irradiante en homme des bois, aguerri et coupé de la civilisation. Mais ça ne suffit pas, et le film de Frédéric Petitjean s’apparente très vite à un téléfilm par le jeu des acteurs, le montage haché à la serpe, le manque de crédibilité évident qui en ressort… La palme de la plus mauvaise prestation à ce niveau revient à Joe Anderson, dont la présence à l’écran frise le ridicule ! Franchement, tout ça ne vole pas bien haut et cette histoire n’a finalement rien de bien palpitant à se mettre sous la dent, même si les loups sont là au coin du bois, pour nous croquer quelque part !
Note : 7/10
TEST DVD :
Image :Une image au piqué affuté, extrêmement détaillée et aux couleurs profondes. Belle tenue des noirs. Les ambiances sont parfaitement retranscrites surtout lors des scènes de combats et le support se révèle d’une grande efficacité. Les contrastes donnent un volume et une profondeur à l’image à la hauteur de l’ensemble
Son : Le son bénéficie d’une grande qualité sonores.Les effets sonores du film envahissent les différents canaux, avec beaucoup de précision et de dynamique.
Bonus : Rien
Acteurs : Jean Reno, Sarah Lind, Joe Anderson, David Gyasi, Ihor Ciszkewycz
Réalisateurs : Frédéric Petitjean
Format : PAL
Audio : Russe (Dolby Digital 5.1), Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1)
Dans la sereine petite ville de Centerville, quelque chose cloche. La lune est omniprésente dans le ciel, la lumière du jour se manifeste à des horaires imprévisibles et les animaux commencent à avoir des comportements inhabituels. Personne ne sait vraiment pourquoi. Les nouvelles sont effrayantes et les scientifiques sont inquiets. Mais personne ne pouvait prévoir l’évènement le plus étrange et dangereux qui allait s’abattre sur Centerville : The Dead Don’t Die – les morts sortent de leurs tombes et s’attaquent sauvagement aux vivants pour s’en nourrir. La bataille pour la survie commence pour les habitants de la ville.
Chronique : Bien qu’un film de Jim Jarmusch soit proposé dans de nombreuses versions, vous avez toujours la certitude que ce que vous obtenez a de la profondeur, de l’humour et suffisamment de folie pour le distancer de tout ce qui lui ressemble. Maintenant, après quelques escapades sur le territoire du film de genre, le réalisateur indie / arthouse s’est attaqué aux zombies avec The Dead Don’t Die . Assembler un casting de dynamite devrait suffire au réalisateur pour produire quelque chose de formidable, non? Avec autant de comédies de zombies faisant déjà référence à Romero et à une sensibilité suffisante, y at-il assez de place en enfer pour une autre? Dans la petite ville de Centerville, quelque chose ne va pas. La lumière du jour s’étend tard dans la soirée. Les horloges s’arrêtent. Les téléphones portables sont en panne de courant. Des reporters interrogent des scientifiques sur le déplacement de l’axe de la Terre qui serait lié aux opérations de fracturation polaire. La lune affiche une aura fantomatique de lumière pourpre. Le chef Cliff Robertson (Bill Murray) et son associé au livre de poche, Ronnie Peterson (Adam Driver), sont en patrouille. Au fur et à mesure que les événements étranges se multiplient, Cliff l’enlève tandis que Ronnie répond: «Cela va mal se terminer». Tandis que tout film d’horreur peut avoir un moment de sinistre sinistre, ce n’est pas avant que Ronnie joue la chanson «The Dead Don’t Die» que nous sachions qui est impliqué dans la blague. « C’est la chanson thème », dit-il à une falaise confuse, essayant de se rappeler où il avait déjà écouté la chanson country. Nous apprendrons au fil du film à quel point cette chanson joue dans la vie des personnages. Comme prévu, les morts commencent à sortir de leur tombe, à commencer par «Coffee Zombie» interprété par Iggy Pop qui descend dans le diner local pour se régaler de sang et boire un café. De là, nous avons présenté Mindy Morrison (Chloe Sevingy), la troisième agente de police de Centerville, qui ne croit pas à l’hypothèse de mort-vivant de Ronnie avant d’avoir à faire face aux essaims de personnes récemment décédées entourant le poste de police. Alors que l’apocalypse zombie se rapproche de Centerville, le meilleur conseil que l’on puisse vous donner est de «tuer la tête». Des délinquants juvéniles enfermés aux hipsters qui passent à côté de personne ne sont en sécurité … sauf si vous avez déjà lu le script. Avez-vous?Jim t’a-t-il donné une copie? The Dead Don’t Die a un casting de tueur. Jeu de mots volontaire. Nous avons Tilda Swinton dans le rôle de Zelda, l’homme de la mort écossais brandissant un katana, RZA dans le rôle de chauffeur-livreur WU -PS, et Steve Buscemi dans le ferme grincheux Miller portant le poids de la stratégie anti-conservatrice du film «Make America White Again » chapeau. Ajoutez Selena Gomez, Danny Glover et un mémorable Tom Waits dans le rôle de Hermit Bob dans une distribution pluri-générationnelle dans l’espoir d’échapper aux griffes des morts-vivants. Les performances sont solides, à condition que vous soyez à la pointe de l’école Jarmusch d’humour sans bornes. Il peut sembler que des moments sont perdus ou que certains acteurs ne sont pas utilisés efficacement, mais ce n’est que de la logique qui vous dérange.Le film vise comiquement aux sociétés avides et au gouvernement de ruiner le monde. Que ce soit le chapeau rouge de Miller ou la question polarisante de la fracturation, Jarmusch et sa société ne sont pas en train de mâcher des mots. Cependant, il ne s’agit pas d’une conférence politique, mais plutôt d’un coup de poing sur le destin de la civilisation. Lorsque le film ne fait pas référence à La nuit des morts-vivants , il s’inspire du thème de Romero, du déclin de notre civilisation en désirs modernes insensés. Les zombies de Jarmusch murmurent des choses telles que «Wi-Fi», «Free Cable» et «Xanax» pour mettre à jour les références. Ce lien entre un ton / hommage de zombie Romero et un objectif politique actualisé permet au film mélancolique de faire facilement signe d’un déclin social apparent en Amérique. Malheureusement, The Dead Don’t Die va plaire à certains. Je peux penser que la plupart des publics auront du mal à comprendre le but et la direction du film, convaincus que les films de zombies sont des productions intenses et rapides. Ici, les scènes sont longues et sans hâte. Les personnages littéralement dans le sang et les tripes s’efforcent de minimiser l’horreur. J’admets que j’ai eu du mal à me soucier des personnages quand ils ont eux-mêmes admis être dans un film de Jim Jarmusch. « Après tout ce que j’ai fait pour ce gars.Qu’est-ce qu’une bite? », Répond Bill Murray lorsqu’il apprend qu’Adam Driver a reçu une première copie du script. En effet. The Dead Don’t Die est une superbe collection de vignettes intéressantes définies lors de l’apocalypse des zombies mais, en tant que méta-récit sur le genre, il peine un peu à garder la tête connectée au corps en mouvement.
Note : 7/10
Vidéo : The Dead Don’t Die se lève de la tombe avec un transfert solide.Présentée au format 1,78: 1 en 1080p, l’image offre une excellente finesse des détails et de la profondeur des couleurs.Les couleurs primaires sont chaudes et les tons de terre légèrement assourdis, ce qui permet au chapeau rouge de Farmer Miller de percer la palette de couleurs par ailleurs brun / gris que propose Centerville.Notez les textures dans les traits du visage tels que les rides sur le visage de l’ancien Bill Murray et le chaume de l’après-midi sur Adam Driver.Les scènes nocturnes offrent beaucoup de détails dans les ombres et la faible lumière.Les intérieurs bien éclairés offrent beaucoup de détails sans bruit, ce qui vous permet de voir le remarquable design de la production révélant diverses références d’horreur.
Les effets visuels numériques de The Dead Don’t Die sont acceptables pour la plupart des scènes. Les morts de zombies se heurtent à une brume cendreuse qui me rappelle Avengers: Infinity War, mais qui ne l’inquiète pas suffisamment. Le jet de sang, etc. est aussi parfois numérique, ce qui est attendu de nos jours, je suppose. Heureusement, les travaux pratiques sur les prothèses et les effets de zombies sont vraiment impressionnants pour un film de ce calibre. Les scènes avec de la chair caoutchouteuse déchirée et des organes débordants sont étonnantes. Avec beaucoup de détails fins dans l’image, vous pouvez vraiment apprécier le travail mis dans le film.
Audio : La piste audio solo de The Dead Don’t Die est un impressionnant mix DTS-HD MA 5.1 sans perte.C’est une piste bien équilibrée avec un dialogue clair et net présenté sans sifflement ni distorsion.Les canaux Surround bénéficient d’un flux constant de musique sinistre une fois que la procédure est lancée.Les atmosphères atmosphériques pompent constamment à travers les environs compte tenu du cadre pays du petit village de film.Les canaux basse fréquence du caisson de basse résonnent bien lors des scènes d’action.Les effets et la musique sont bien mélangés dans la texture en maintenant le champ sonore équilibré dans les canaux de la scène.C’est un film lourd de dialogues, alors maintenez le volume au niveau moyen car tout le monde parle avec calme et douceur, sauf lorsque Mindy hurle.
Bonus : Comme on pouvait s’y attendre, les fonctionnalités spéciales font un peu la lumière sur ce disque.Si vous souhaitez plonger un peu plus loin dans la chorégraphie zombienne du film, découvrez la scène en coulisse.
Bill Murray: Une étoile d’action pour la chasse aux zombies (HD 1:21) Un rapide clin d’œil du comédien légendaire à propos de sa conversion dans des films pour zombies et de son sentiment d’être une star de l’action.
Stick Together (HD 2:47) Les acteurs et l’équipe technique réfléchissent rapidement au travail avec Jim Jarmusch et à l’approche unique de ce film vis-à-vis du genre zombie.
Dans les coulisses de The Dead Don’t Die (HD 5:16) Six brèves vignettes de la production du film. Certains zombies fascinants travaillent ici.
Acteurs : Bill Murray, Adam Driver, Tilda Swinton, Chloë Sevigny, Steve Buscemi
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