Peu de temps après les événements relatés dans Split, David Dunn – l’homme incassable – poursuit sa traque de La Bête, surnom donné à Kevin Crumb depuis qu’on le sait capable d’endosser 23 personnalités différentes. De son côté, le mystérieux homme souffrant du syndrome des os de verre Elijah Price suscite à nouveau l’intérêt des forces de l’ordre en affirmant détenir des informations capitales sur les deux hommes…

Chronique : M. Night Shyamalan’s Glass clôt la trilogie du réalisateur d’une manière plutôt attendue pour un drame sur des gens apparemment ordinaires avec des capacités spéciales et extraordinaires vivant parmi nous. Il ne s’agit pas de suggérer que le dernier épisode d’une série qui a été en pause pendant près de dix-sept ans est entièrement satisfaisant ou qu’il apaisera une base de fans fidèles qui attendaient avec impatience son achèvement depuis deux décennies. Cependant, le chapitre final et l’épreuve de force climatique qui s’ensuivra sont une conclusion adéquate à une histoire qui n’a jamais vraiment promis le genre de spectacle d’action à gros budget typique des films de super-héros à gros budget. En fait, la montée en puissance et les retombées sont parfaitement conformes aux attentes des deux films précédents, presque au point d’être même prévisibles puisque ses prédécesseurs ont eux aussi bouclé leurs intrigues respectives sur une note à la fois sobre et modérée. Comme dans les deux autres films, il ne s’agit pas de l’action, mais de personnages avec des conflits internes et externes les uns contre les autres.

Dans cette suite directe, Shyamalan reprend peu après les événements de Split les exploits de David Dunn (Bruce Willis), le protagoniste central d’Unbreakable (incassable), dont l’apparition inattendue a été la surprise habituelle du cinéaste dans cette suite 2016. Avec l’aide de son fils aujourd’hui adulte Joseph (Spencer Treat Clark), David a patrouillé les rues de Philadelphie et est devenu une légende vigilante et une sensation Internet baptisée « The Overseer ».

Malheureusement, les vingt dernières années n’ont pas été bonnes pour David. Accepter son rôle de super-héros s’est avéré être une entreprise exhaustive, peut-être parce qu’il ne se sentait pas à l’étroit dans sa poursuite de petits criminels, mais la possibilité de capturer un méchant meurtrier surnommé « La Horde » (James McAvoy) donne de la vigueur et un sens du but à ses patrouilles de nuit. Leur affrontement initial – et potentiellement explosif – où David sauve une escouade de pom-pom girls est rapidement déjoué – ou plutôt sapé – par le Dr Ellie Staple (Sarah Paulson).

C’est là que le scénario de Shyamalan prend non seulement une tournure intéressante, mettant l’aventure de notre héros dans une direction imprévue et bizarre – pour le personnage, pas pour ceux d’entre nous qui connaissent les avant-premières – mais sert aussi de métaphore plus large du thème sous-jacent de l’histoire. Après deux films qui se déroulent dans notre monde contemporain et qui fantasment des super-héros de bandes dessinées pourraient être inspirés par de vraies personnes aux capacités surhumaines, la science finira tôt ou tard par rattraper et essentiellement écraser ces notions fantasmatiques sur le préternaturel. Dans ce cas, des questions sur la santé mentale de ces personnes sont appelées à se poser, particulièrement dans le cas de Kevin Wendell Crumb de McAvoy, qui souffre de trouble dissociatif de l’identité. En découvrant que le Dr Staple a aussi traité Elijah « Mr Glass » Price de Samuel L. Jackson, dont la maladie osseuse fragile l’a en quelque sorte encouragé à devenir un narcissique égocentrique à l’intelligence surnaturelle, les doutes prennent forme et interrompent ce qui aurait pu être.

Certes, Shyamalan a indiqué une confrontation spectaculaire et à grande échelle via les machinations machiavéliques de M. Glass, mais le super-vilain hautement intellectuel de Jackson a toujours été établi comme un manipulateur hautement qualifié, l’homme derrière le rideau tirant les ficelles avec un talent pour détourner les soupçons. Et ce combat initial dans le premier acte est, en effet, autant un signe avant-coureur du dernier trimestre du film qu’un catalyseur de l’intrigue, rendant la bataille climatique moins importante que les événements qui l’ont précédé, le talent suspect du Dr Staple pour semer le doute et la signification de la surprise toujours certaine – un élément prévisible du Shyamalan. Franchement, la facilité avec laquelle les personnages luttent contre l’incertitude semble fidèle à la signification implicite du titre du film tout en rappelant l’importance de l’histoire, un personnage qui trouve sans doute sa rédemption dans cette finale. Mais c’est une conversation pour un autre jour. En l’état actuel des choses, Glass de Shyamalan est une solide conclusion à une trilogie originale et fascinante de super-héros d’un cinéaste confiant.

Note : 9/10

Vidéo : Glass fait ses débuts sur Blu-ray  avec un encodeur H.265 HEVC H.265. Le drame du super-héros a d’abord été tourné avec le système de caméra Arri Alexa, capable d’une résolution de 3,4K, mais plus tard, il a été masterisé sur un intermédiaire numérique 4K, et les résultats sont un mélange d’améliorations mineures.L’amélioration la plus notable est l’augmentation des niveaux de luminosité, ce qui permet d’obtenir des noirs nettement plus riches et plus incrustés partout. Bien sûr, cela donne aussi une qualité d’image plus sombre où les ombres les plus profondes et les plus soyeuses ont tendance à engloutir les détails les plus fins dans les intérieurs d’action mal éclairés au début. Les séquences de lumière du jour sont meilleures avec une forte visibilité dans les coins les plus sombres et les plus sombres. Comme ses frères HD, le contraste reste relativement modéré et atténué, ce qui est fidèle aux intentions créatives des cinéastes et en ligne avec le look des deux précédents épisodes. D’autre part, tout en créant une atmosphère grisâtre et nuageuse, les blancs sont néanmoins un peu plus nets et plus nets avec des reflets spéculaires sensiblement améliorés, donnant à l’image 2.39:1 une pop plus radieuse et éblouissante pendant les scènes de lumière naturelle susmentionnées. Ce sont les couleurs avec des primaires, en particulier, qui semblent plus pleines et un peu plus saturées. Cependant, la vidéo reste fidèle à la photographie stylisée où une grande partie de l’action et des conversations se situent à l’extrémité inférieure de la gamme de gris, affichant une palette délibérément sombre et parfois presque monochromatique. Les teintes spécifiquement liées à nos trois protagonistes sont un peu plus nuancées et subtilement complexes, surtout dans les scènes où l’on doute de leurs capacités. David est absorbé par les tons sarcelle terne, Kevin est plongé dans les jaunes canari blonds, et Elijah est absorbé par les lavandes pâles. Au fur et à mesure qu’ils recommencent à croire en eux-mêmes, ces pigments se transforment en riches verts émeraude, en moutardes dorées profondes et en violettes pourpres vibrantes. Il est plus intéressant de voir les roses mauves, les bruns décolorés et les gris nuageux associés au Dr Staple.

Audio : Glass se heurte aux cinémas maison en faisant jouer une bande sonore Dolby  étonnamment musclée et impressionnante d’émotion. Comme il s’agit d’une étude de personnage axée sur les dialogues, la présentation est plus subtile et nuancée que ce à quoi on pourrait s’attendre d’un film de super-héros typique.

Néanmoins, la scène sonore est toujours spacieuse et large, avec beaucoup d’activité en arrière-plan qui remplit l’espace hors écran tout en maintenant un équilibre exceptionnel et un mouvement convaincant entre les trois canaux et les hauteurs les plus élevées, créant ainsi un environnement de demi-dôme très engageant. L’imagerie présente une superbe fidélité et des détails acoustiques dans le milieu de gamme, ce qui permet d’obtenir de l’action avec une excellente clarté dans les segments les plus bruyants. En même temps, le chant est d’une clarté et d’une précision cristallines, et des graves robustes et en bonne santé procurent une puissance appréciable et un poids palpable aux séquences d’action.

L’utilisation des abords peut sembler quelque peu sporadique avec plusieurs poches de silence observables de façon intéressante, ce qui signifie que de tels moments semblent délibérés puisqu’ils se produisent à l’intérieur de l’établissement et durant les séances de thérapie. Pourtant, les côtés et les arrières sont utilisés de temps en temps avec divers effets d’ambiance discrets, comme des voix qui résonnent dans les couloirs de l’hôpital ou l’agitation familière d’une ville trépidante. À l’occasion, de telles activités se répercutent efficacement sur les rétroprojecteurs, et il y a quelques scènes où la pluie et l’eau tombent d’en haut de façon convaincante, créant un champ sonore hémisphérique très satisfaisant qui attire davantage les spectateurs dans cette réalité alternative.

1987. Alors qu’il est en fuite, l’Autobot Bumblebee trouve refuge dans la décharge d’une petite ville balnéaire de Californie. Il est découvert, brisé et couvert de blessures de guerre, par Charlie, une ado qui approche de ses 18 ans et cherche sa place dans le monde. Et quand elle le met en marche, elle se rend vite compte qu’il ne s’agit pas d’une voiture jaune ordinaire.

Chronique : En tant que sixième épisode de la franchise ridiculement populaire des Transformers de Michael Bay, Bumblebee est de loin le meilleur de la série d’action de science-fiction. Réalisé par Laika-alumni Travis Knight, qui a marqué ses débuts dans la mise en scène de Kubo and the Two Strings, Knight apporte un enchantement envoûtant, ancré par un centre poignant, convergeant intelligemment sur l’amitié étroite entre les deux protagonistes. Bien sûr, nous sommes également ici pour le chaos des véhicules et l’exposition sans fin de batailles de robots suralimentés et injectés de carburant, dont il y en a beaucoup. Mais au fond, c’est l’histoire d’une paire de solitaires qui se retrouvent.

À partir d’un scénario de Christina Hodson, Knight emmène le public dans un conte d’aventure qui rappelle une production de Steven Spielberg, s’inspirant notamment d’E.T. : The Extra-Terrestrial. Prenant note de l’émission animée originale des années 1980, l’intrigue ne perd pas de temps à faire se lier d’amitié le héros titulaire sans voix Charlie Watson (Hailee Steinfeld), un adolescent humain bienveillant qui remplace le personnage Spike Witwicky des bandes dessinées. Seulement, ici, Charlie pleure toujours la perte de son père – le père de Spike s’est joint à plusieurs des aventures des Transformers – qui luttent contre le deuil seul dans une famille qui semble avoir tourné la page. Son frère cadet Otis (Jason Drucker) ne semble pas affecté tandis que sa mère (Pamela Adlon) et son nouveau petit ami (Stephen Schneider) partagent du bon temps à regarder ALF sans elle. Pour le robot sensible Bumblebee, il est littéralement seul avec peu de souvenirs de son passé, passant une grande partie de son temps comme un garçon effrayé mais curieux.

Comme on pouvait s’y attendre, les deux s’aident mutuellement à trouver leur place dans ce monde chaotique – Charlie finit par dépasser son deuil alors que Bumblebee appelle presque littéralement chez elle. Mais comme le dit l’expression, il ne s’agit pas tant de la destination que du voyage, et le film y parvient avec un grand sens de l’humour, du rythme et des virages dramatiques qui évitent les conditions dangereuses et mièvres. Tout le monde a sa chance de diriger la comédie sans les absurdités des films précédents, depuis les Watsons et Ron conduisant imprudemment et l’innocence enfantine de Bee lorsqu’il s’agit d’egger la maison d’un tyran jusqu’à Memo (Jorge Lendeborg Jr.) qui cache maladroitement son amour pour Charlie. Même John Cena, en tant qu’agent du secteur 7 Jack Burns, a le droit de montrer ses talents de comédien tout en faisant de son mieux en tant que soldat déterminé d’un mystérieux organisme gouvernemental, à la « Keys » d’E.T. Et les références culturelles des années 80 ajoutent à l’humour sans se sentir comme un jeu trivial dérangeant.

En toute honnêteté, il y avait beaucoup à faire contre Bumblebee – de très faibles attentes et un cynisme largement terni par des années passées à endurer les maux de tête et la méchanceté perçante des films des Transformers précédents. Heureusement, Knight et son équipe démontrent qu’il reste encore de l’étincelle dans le moteur, qu’il y a juste assez de pièces récupérables pour reconstruire un véhicule autonome avec beaucoup de muscle sous le capot. En collaboration avec le directeur de la photographie Enrique Chediak et le monteur Paul Rubell, la caméra de Knight est exactement le genre de combustible dont la franchise avait besoin, où l’action métal sur métal est toujours intelligible et où il y a toujours un sens de l’espace et de l’ampleur comme les Cybertroniens le font. Avec des visuels amusants et spectaculaires qui complètent l’histoire, Bumblebee se sent comme un épisode d’un ensemble plus vaste sans jamais se sentir épisodique.

Note : 8,5/10

Vidéo : Le crash du prequel de science-fiction atterrit sur Blu-ray avec un encodage MPEG-4 1080p/AVC 1080p/AVC exceptionnel, traversant l’écran dans un style qui ne demande qu’à être montré. Tout juste sorti de la chaîne de montage numérique, le transfert de qualité de référence présente des détails d’une netteté à couper le souffle dans chaque véhicule, exposant la moindre trace de rouille et de rayure sur la VW Bug, chaque rivet des VUS militaires et le chrome brillant des garnitures des muscle cars des Decepticons. De même, nous pouvons tout simplement faire de chaque recoin de l’intérieur du Bug, du garage et de l’espace de travail de Charlie, des bureaux militaires et des plus petits objets qui ornent la maison de Watson, décorée avec goût et élégance. Les coutures, les fils et le tissu des vêtements radicaux des années 80 sont distincts, les poils individuels sont décidément bien coupés et les teints du visage ont une texture réaliste qui révèle des imperfections négligeables. Même les séquences d’action du CG maintiennent une superbe visibilité de chaque pièce métallique en mouvement et des débris qui volent dans toutes les directions.

Présentée dans son format 1,85:1 original, la présentation HD arrive également avec un contraste précis et précis, offrant une image brillante et vibrante du début à la fin. Grâce à des blancs éclatants de netteté dans chaque scène, les reflets sont particulièrement extraordinaires avec une brillance éblouissante en cas d’explosion et une brillance étincelante sur les carrosseries chromées des différents véhicules et des Transformers. En même temps, les niveaux de noir sont en grande partie encrés et pleins, ce qui donne à l’image une profondeur appréciable et une belle qualité cinématographique. Bien que la délimitation soit assez forte dans les coins les plus profonds et les plus sombres, il y a peu de moments où les ombres, surtout dans quelques plans intérieurs, perdent un peu de leur éclat. Heureusement, la cinématographie d’Enrique Chediak vient à la rescousse avec un affichage dramatique de somptueuses primaires et une gamme magnifique de teintes secondaires richement saturées avec du jaune, en particulier, à la recherche vrai et précis.

Audio :  Bumblebee arrive en force dans les cinémas maison avec une bande-son Dolby Atmos exceptionnelle qui semble s’accorder parfaitement avec les autres titres de Transformers.

Une grande partie de l’attention est répartie sur l’action à l’écran avec divers effets qui emploient fortement les alentours dans la lutte pour protéger la Terre, créant un environnement enveloppant impressionnant. Le chaos et l’agitation des bagarres robotiques sont parsemés d’engrenages métalliques et de pièces d’acier qui atterrissent sans problème tout autour de la zone d’écoute. À plusieurs reprises, les débris volent légèrement à travers le plafond ou le grondement des moteurs d’avion Decepticon crient d’en haut et à la vue. Pendant les séquences plus calmes, les hauteurs sont relativement silencieuses tandis que les autres canaux font plus de gros soulèvements, remplissant la salle d’atmosphères subtiles et maintenant un champ sonore généralement satisfaisant, mais quand les choses passent à la vitesse supérieure, les auditeurs sont en pleine bataille.

En fin de compte, la vraie victoire ici est la sélection totalement tubulaire de morceaux des années 80 et de la partition de Dario Marianelli, tirant pleinement parti de la marge de manœuvre supplémentaire et remplissant toute la scène sonore avec une clarté et une fidélité exceptionnelles. L’imagerie est régulièrement large et spacieuse, avec beaucoup d’activités d’arrière-plan dans les hauteurs les plus élevées, à travers les canaux avant et de façon convaincante dans l’espace hors écran, tandis que le milieu de gamme affiche une superbe distinction et une chaleur pénétrante de la pièce. Au milieu du chaos du heavy metal et du chaos robotique, le dialogue reste précis et impeccable, tandis que le mieux est d’entendre les voix des Cybertroniens qui résonnent d’en haut, créant un sentiment d’échelle et de portée. Le morceau à base d’objets est également accompagné d’un grave d’une autorité tonitruante qui donne à l’action un effet de cliquetis mural, de tremblement de canapé, de basses qui frappent la poitrine, pour donner au subwoofer une séance d’entraînement saine. Il y a aussi quelques moments qui s’enfoncent profondément dans les profondeurs les plus basses, dynamisant la pièce d’une présence palpable.

Bonus :

• Bumblebee sur grand écran (HD) : Mettant en vedette des entrevues avec les acteurs et l’équipe de production et de nombreuses séquences de BTS, ce court documentaire en cinq parties couvre divers aspects de la production, de la genèse de l’histoire, au casting, aux personnages et aux thèmes, en passant par la scénographie et un retour aux Transformers G1.
  L’histoire de Bumblebee (4 min)
  L’alignement des étoiles (7 min)
  Bumblebee retourne à G1 (10 min)
  Retour à la Coccinelle (6 min)
  Chemin des souvenirs de la croisière en Californie (20 min)
• Secteur 7 Archive (HD) : Un autre court-métrage divisé en deux parties portait sur le mystérieux organisme gouvernemental. La première est une brève introduction de John Cena, et l’autre une bande dessinée de motion.
  Agent Burns : Bienvenue au secteur 7 (1 min)
  Secteur 7 Aventures : La bataille au demi-dôme (9 min)
• Scène supprimée (HD, 19 min) : Neuf séquences excisées et prolongées.

Michael Banks travaille à la banque où son père était employé, et il vit toujours au 17 allée des Cerisiers avec ses trois enfants, Annabel, Georgie et John, et leur gouvernante Ellen. Comme sa mère avant elle, Jane Banks se bat pour les droits des ouvriers et apporte son aide à la famille de Michael. Lorsque la famille subit une perte tragique, Mary Poppins réapparaît magiquement dans la vie de la famille. Avec l’aide de Jack, l’allumeur de réverbères toujours optimiste, Mary va tout faire pour que la joie et l’émerveillement reviennent dans leur existence… Elle leur fera aussi découvrir de tout nouveaux personnages plein de fantaisie, dont sa cousine, l’excentrique Topsy.

Chronique : Bien qu’ils n’aient jamais vu personnellement Mary Poppins, un classique de Disney, le film et la mystérieuse nounou magique qui flotte du ciel sur un parapluie sont des icônes culturelles familières aux chansons et à la musique reconnaissables. Même en la découvrant plus tard dans la vie, la fantaisie musicale possède toujours un charme féerique tout à fait enchanteur, toujours capable de jeter un sort captivant qui inspire l’imagination. Malheureusement, on ne peut en dire autant de sa suite, Mary Poppins Returns, titre qui fait habilement allusion au retour au propre et au figuré du personnage tout en s’inscrivant dans la tendance actuelle de revisiter les classiques Disney pour un public contemporain. Peut-être s’agit-il d’un retard de cinquante ans ou d’une intrigue prévisible qui n’a pas la gravité émotionnelle nécessaire pour être efficace. Mais franchement, cette suite ne parvient tout simplement pas à capturer la magie mélodieuse et l’émerveillement de son prédécesseur tout en offrant miraculeusement une chorégraphie de danse spectaculaire et des visuels imaginatifs.

Le réalisateur Rob Marshall fait carrière dans le genre musical depuis ses débuts en tant que réalisateur à Chicago, mais ses productions sont franchement des succès ou des ratés, cette dernière catégorie faisant sans doute partie de la dernière. Il est vrai qu’il y a quelque chose d’amusant à revisiter le quartier Cherry Tree Lane avec l’officier de marine à la retraite Admiral Boom (David Warner) qui tire encore son canon sur son toit et rend une visite inattendue aux enfants Banks, Michael et Jane, qui ont grandi en Ben Whishaw et Emily Mortimer. Mais ce sentiment de nostalgie est bientôt remplacé par la prise de conscience soudaine que la famille a souffert d’une affaire importante au cours de la dernière année et sur le point de perdre leur maison, transformant littéralement les dirigeants de la banque Colin Firth, Jeremy Swift et Kobna Holdbrook-Smith en loup et ses amis en fouineur. Litière avec des allusions au classique de 1964, l’aventure de sauver la maison familiale laisse peu de place aux surprises tout en se sentant étrangement comme une rechapée mignonne.

Marshall saupoudre de sérieux avec un spectacle enjoué, essayant d’équilibrer les conversations les plus sombres avec des numéros de danse musicale enjoués. C’est efficace pour faire vite oublier aux téléspectateurs que les enfants d’il y a quelques instants ont vu leur cher père au bord d’une dépression nerveuse imminente – en s’échappant dans la fantaisie, ce qui est une pensée troublante et dans laquelle Carl Jung aurait une journée bien remplie. Certes, les performances chorégraphiées sont assez spectaculaires à voir, le numéro « Trip a Little Light Fantastic » étant un point culminant, et elles incluent presque toujours Jack (Lin-Manuel Miranda), l’allumeur de cockney, qui actualise essentiellement Bert, le ramonage de cheminée de Dick Van Dyke. Cependant, la musique de Marc Shaiman n’a pas tout à fait le charme d’un célèbre compositeur et ne se sent jamais particulièrement mémorable alors que le ton de l’histoire ne trouve jamais vraiment le bon équilibre, se sentant plutôt incohérent alors qu’elle s’achemine vers une conclusion bon marché et sans lendemain.

Aussi troublée et problématique que soit l’intrigue, Mary Poppins Returns n’est pas dépourvue de ses points forts, à savoir les performances de la distribution et surtout d’Emily Blunt dans le célèbre rôle titulaire. Bien avant d’entrer dans cette production, elle avait déjà des souliers très difficiles à remplir, osant répéter ce que Julie Andrews avait déjà perfectionné, mais la star de Sicario et The Quiet Place est étonnamment splendide dans le rôle, le faisant sien tout en honorant simultanément la comédie musicale classique. Elle livre ses farces sèches aux enfants avec l’équilibre parfait entre l’esprit sardonique et l’humour pince-sans-rire, ainsi qu’un sourire sportif et sournois qui convient parfaitement au personnage. Meryl Streep et Angela Lansbury se joignent également à la fête joviale avec quelques numéros musicaux tandis que Van Dyke fait une visite inattendue à la dernière minute. Malheureusement, de telles performances sont gaspillées dans une suite qui est vite oubliée de la même façon qu’elle est arrivée : sur un cerf-volant déchiré qui aurait dû être laissé dans le grenier.

Note : 8,5/10

Vidéo : Mary Poppins revient au Blu-ray avec un encodage MPEG-4 1080p/AVC remarquable qui est pratiquement parfait à tous points de vue. La mystérieuse nounou magique enchante les cinémas maison avec une définition précise dans la production scénique et la conception, exposant chaque recoin de la maison familiale Banks, son design architectural unique et les petites fissures sur la route et le trottoir du Cherry Tree Lane. On peut voir les petites boules de poils des vestes, le fil des écharpes et des pulls et les coutures fines dans les charmantes tenues et chapeaux de Mary Poppins. Les poils individuels, les brins d’herbe et toutes les feuilles des arbres du voisinage sont tranchants comme des lames de rasoir, et même la moindre trace de saleté sur le visage de Jack est évidente à voir tandis que tous les autres ont un teint facial très révélateur et réaliste. Cependant, il y a quelques moments doux et flous parsemés d’un bout à l’autre du film, mais surtout liés à des effets CG et à quelques plans extrêmement larges, ce qui est malheureux pour certains des grands numéros de danse.

Le transfert fraîchement imprimé est également fidèle aux intentions créatives des cinéastes, car une grande partie de la photographie se situe dans le côté un peu plus dramatique des choses. La palette de couleurs affiche plus de tons gris pendant les interactions et les conversations ordinaires des personnages, afin de refléter le sérieux de ce que la famille vit, mais le contraste reste constant et net avec des blancs brillamment nets. Il en va de même pour la palette de couleurs, qui semble souvent limitée mais rendue avec précision avec des primaires particulièrement éclatantes. Les niveaux de noir, par contre, sont riches en encre et présentent une excellente délimitation dans les ombres les plus sombres et les plus profondes. Quoi qu’il en soit, l’image 2,39:1 prend vie lorsqu’on entre dans le monde de l’imagination, mettant le feu à l’écran dans un défilé envoûtant de teintes secondaires éclatantes et d’intenses contrastes éblouissants, faisant de la vidéo HD une superbe présentation pour toute la famille.

Audio : Mary Poppins dérive dans le ciel et nous rend visite avec une excellente bande-son DTS-HD Master Audio 7.1. Ce n’est peut-être pas le genre auquel on pourrait s’attendre d’un fantasme musical récent, mais il sert très bien les visuels, en utilisant les ambiances à diverses occasions et en plongeant les spectateurs dans ce monde fantastique de magie et d’imagination. Bien sûr, les meilleurs moments proviennent des séquences chorégraphiques flamboyantes, alors que la musique se répand dans toutes les enceintes avec une fidélité et une chaleur exceptionnelles. Imaginer est toujours aussi large et spacieux, avec une grande variété d’arrière-plans et des mouvements convaincants sur les canaux avant, tout en affichant de superbes détails et de la distinction dans le milieu de gamme. De temps en temps, on entend distinctement quelques atmosphères sur les côtés et à l’arrière, ajoutant un peu d’ambiance qui élargit bien une partie de l’action, mais qui ne génère jamais vraiment un champ sonore enveloppant. Néanmoins, le chant est toujours précis et prioritaire, tandis qu’une voix grave robuste et chaleureuse donne un poids et une présence palpables à la musique et aux numéros de danse.

Bonus :

• The Pratically Perfect Making of Mary Poppins Returns (HD, 24 min) : Divisé en quatre parties qui peuvent être regardées séparément, le court doc commence par une introduction avant de passer à des entrevues avec les acteurs et l’équipe de production pour commenter la conception de la production, la mise en scène, le casting, les performances musicales et les camées des acteurs tout en partageant des idées sur la suite.
• « Voir les choses d’un point de vue différent  » (HD, 18 min) : Un autre court métrage documentaire en quatre parties portait sur la musique et la chorégraphie de danse, avec diverses entrevues avec des acteurs et des membres de l’équipe discutant de scènes précises et de nombreuses séquences du BTS.
• Retour à Cherry Tree Lane (HD, 5 min) : D’autres interviews faisant l’éloge du rôle de Dick Van Dyke.
• Chanson supprimée (HD, 5 min) : Marc Shaiman interprète « The Anthropomorphic Zoo », qui a été remplacé par « The Royal Douton Music Hall », sur des croquis bruts.
  Mode Sing-Along (HD) : Accessible par le menu contextuel, le spectateur peut apprécier le film et chanter en même temps que les paroles qui apparaissent à l’écran.
• Scène supprimée (HD, 2 min) :

• Audio : Néerlandais (Dolby Digital 5.1), Anglais (DTS-HD 7.1), Castillan (DTS 5.1), Néerlandais belge (Dolby Digital 5.1), Français
• Audio description : Anglais
• Sous-titres : Castillan, Néerlandais, Français
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
• Région : Toutes les régions
• Rapport de forme : 2.39:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Walt Disney France
• Date de sortie du DVD : 26 avril 2019
• Durée : 130 minutes

• Format : PAL
• Audio : Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1)
• Sous-titres : Français, Anglais, Arabe
• Région : Région 2
• Rapport de forme : 2.35:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Sony Pictures
• Date de sortie du DVD : 6 mai 2019
• Durée : 112 minutes

Décembre 1897, Paris. Edmond Rostand n’a pas encore trente ans mais déjà deux enfants et beaucoup d’angoisses. Il n’a rien écrit depuis deux ans. En désespoir de cause, il propose au grand Constant Coquelin une pièce nouvelle, une comédie héroïque, en vers, pour les fêtes. Seul souci : elle n’est pas encore écrite. Faisant fi des caprices des actrices, des exigences de ses producteurs corses, de la jalousie de sa femme, des histoires de cœur de son meilleur ami et du manque d’enthousiasme de l’ensemble de son entourage, Edmond se met à écrire cette pièce à laquelle personne ne croit. Pour l’instant, il n’a que le titre : « Cyrano de Bergerac ».

Chronique : Edmond émerveille ! Quand la pièce moderne la plus grandiose se trouve adaptée pour migrer des planches au grand écran, l’attente devient immense, autant que l’est le talent de son auteur et réalisateur, Alexis Michalik. Après Le porteur d’histoire, Le cercle des illusionnistes ou encore Intra muros, dont les mérites ont été précédemment vantés, c’est donc Edmond qui a été l’Elue pour révéler, grandeur nature, sa dimension cinématographique, à une allure effrénée qui font se succéder les scènes à vitesse grand V, ce même V de la victoire d’avoir réussi un pari osé, en cherchant à rendre populaire un sujet provenant du théâtre, souvent considéré comme élitiste, même si, en l’occurrence, sa source d’inspiration, Cyrano de Bergerac, reste l’œuvre classique la plus jouée du patrimoine français. Le rôle titre est d’ailleurs si compliqué que seuls les plus grands s’y sont essayé, la preuve en est si l’on en juge par cette modeste liste : Jean Piat, Jean-Pierre Cassel, Jean-Paul Belmondo, Gérard Depardieu, Jacques Weber, Philippe Torreton, Michel Vuillermoz… que de mythes se trouvent liés à tout jamais à ces si nobles noms ! Et justement, le propre de Michalik, c’est d’avoir toujours su s’entourer d’extraordinaires comédiens. Faisant appel à certains d’entre eux, il se garantit d’atteindre le résultat souhaité, et crée néanmoins la surprise en demandant la participation de célébrités telles que Mathilde Seigner, Clémentine Célarié, Antoine Duléry, Olivier Lejeune, Dominique Besnehard, qui viennent encadrer les rôles principaux de Thomas Solivérès et d’Olivier Gourmet. Encore une fois, le jeune touche-à-tout prouve qu’il est le maître du rythme et du séquençage, dans tous les domaines, y compris la bande-dessinée qui porte le même titre.

Note : 9,5/10

Image : copie HD, image bien définie et bon contraste mais les nombreuses séquences nocturnes ou en intérieurs peu éclairés expliquent une certaine densité des ambiances, étalonnage chaud, colorimétrie chaleureuse aux tons nuancés

Son : mixage français 5.1, dialogues très clairs et équilibrés, spatialisation naturaliste avec une ample répartition des ambiances urbaines ou de spectacles, belle dynamique, musique bien mise en valeur.

Bonus : Un making of qui revient sur ce parcours du combattant et montre cette légèreté et cette fausse décontraction qui régnait sur le plateau. A l’instar d’un chef d’orchestre, le réalisateur maitrise son œuvre et le prouve en contrôlant chaque plan et chaque mouvement des acteurs.

Un documentaire sur la musique du film, qui permet de v comment le compositeur Romain Trouillet  s’est inspiré du film et plus particulièrement de son histoire pour en tirer une musique à la fois subtile et puissante.

Puis des scènes coupées.

• Acteurs : Thomas Solivérès, Olivier Gourmet, Mathilde Seigner, Tom Leeb, Lucie Boujenah
• Réalisateurs : Alexis Michalik
• Format : PAL
• Audio : Français (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1)
• Audio description : Français
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Français
• Région : Toutes les régions
• Nombre de disques : 1
• Studio : Gaumont
• Date de sortie du DVD : 9 mai 2019
• Durée : 108 minutes

Un jeune homme trouve un ordinateur portable et, innocemment, le ramène chez lui. Dans les dossiers, il déniche d’inquiétants fichiers cachés qu’il s’empresse de montrer à ses amis sur Skype. Sans le vouloir, tous se retrouvent dans les tréfonds du Dark Web et découvrent rapidement que quelqu’un les observe et que cet inconnu est prêt à tout pour récupérer son portable et protéger ses secrets.

Chronique : Bien que la plupart des gens qui reconnaissent son nom l’associent probablement aux films de Night Watch , ou peut-être à son vrai succès, au succès au box-office Wanted , le cinéaste Timur Bekmambetov s’est secrètement créé un nouveau nom en tant que pionnier dans un seul genre de niche. : le film de genre sur écran. Bekmambetov est le producteur des films Unfriended et de Searching. Unfriended: Dark Web (le premier long métrage de Stephen Susco, auteur du remake de Grudge ) se détourne de l’histoire surnaturelle contenue dans l’original de Unfriended et évolue vers des peurs réelles.

Matias (Colin Woodell) vient de recevoir un « nouvel » ordinateur portable (nouveau pour lui, pas tout neuf) et cherche comment l’utiliser au début du film. Son désir principal d’obtenir un ordinateur plus rapide est la possibilité d’utiliser son programme Papaya pour communiquer en ASL avec sa petite amie sourde Amaya (Stephanie Nogueras), mais cela plait également à son groupe d’amis de la nuit de jeu sur Skype – le tout récent fiancé Nari ( Betty Gabriel) et Serena (Rebecca Rittenhouse), le technicien britannique Damon (Andrew Lees), le dopey podcasteur AJ (Connor Del Rio) et Lexx (Savira Windyani) – qui sont ravis de le voir passer à une technologie plus moderne. Le seul problème est que les notifications du propriétaire précédent ne cessent de s’afficher, et elles deviennent de plus en plus étranges: de nombreuses femmes réclamant « Norah » leur achètent des billets d’avion, parlent de transactions passées et présentes, et enfin, une femme nommée Erica exigeant de savoir où Matias a eu le portable … une question qui va rapidement devenir pertinente pour Mathias et tous ses amis alors qu’ils approfondissent le contenu de l’ordinateur et se retrouvent plongés dans un jeu mortel au chat et à la souris.

Susco, qui a également écrit le scénario, établit des liens bienvenus avec le premier film Unfriended . Comme ce film, c’est un conte de moralité d’horreur classique, avec les rebondissements terrifiants servant de retour pour une transgression. Il y a aussi une scène où des appelants anonymes de Skype commencent un compte à rebours numérique éprouvant pour les nerfs. « Vieux amis » et « interaction en ligne » sont des choses qui entravent facilement les écrivains, mais Susco s’acquitte assez gentiment, avec l’avertissement que la plupart des téléspectateurs (moi-même inclus) n’en sauront pas assez sur le « web sombre » pour savoir si la description du film n’est pas exacte. Tout le groupe d’amis n’est pas entièrement épanoui – Damon est vaguement défini jusqu’à ce qu’il essaie d’utiliser des solutions techniques pour aider Mathias à se sortir du pétrin, et Lexx n’a jamais beaucoup de personnalité, mais les deux relations amoureuses du film sont étoffées assez pour un certain niveau d’investissement émotionnel.

Ce qui manque au film dans la dynamique de groupe, c’est le mystère. L’histoire des fantômes de Unfriended était convaincante, mais la fantasmagorie de la toile sombre est plus qu’un crochet suffisant pour un suivi. Susco transmet avec succès le sentiment de danger qui règne dans la ruelle alors que Mathias fouille de plus en plus profondément dans les dossiers cachés de l’ordinateur et, à l’instar du premier film, l’anonymat de l’antagoniste du film ajoute à l’atmosphère (les téléspectateurs risquent de faire des cauchemars au sujet du Skype par défaut). avatar). Il serait difficile de faire valoir que, soit Unfriended n’est pas au moins un peu idiot, mais il y a juste ce qu’il faut d’informations indépendantes pour laisser le spectateur deviner, alors que Susco dénoue les divers rebondissements du film.

Dark Web ne se sent pas aussi ambitieux ni aussi avisé quant à la façon dont les gens utilisent leurs écrans que le premier film, mais le film ne traîne jamais et ne devient visuellement pas intéressant. La distorsion électronique qui entoure les personnes qui cherchent un ordinateur portable est ridicule, et pourtant Susco le fait fonctionner (à l’exception d’une bande vidéo déformée dans un clip YouTube de la mort d’un personnage). La conception sonore est généralement efficace, y compris la fissure brutale d’une arme contre le crâne de quelqu’un et le silence inquiétant qui plane souvent dans les airs pendant que les personnages attendent que d’autres chaussures tombent. Dark Web exploite une certaine peur du pouvoir que la technologie place au bout des doigts – au moment d’écrire cet article, je me suis retrouvée à regarder par-dessus mon épaule.

Note : 8/10

La vidéo et l’audio
Unfriended: Dark Web est présenté dans un transfert AVC 1080p de 1,78: 1 qui a généralement l’air beau, dans la mesure où il est censé toujours être « beau ». Il y a des erreurs de distorsion vidéo intentionnelles, des vidéos « webcam » (qui sont sujettes à l’écrasement, au crénelage, à la douceur, etc.) et à d’autres petites anomalies, mais toutes ces choses sont évidemment imputables à la façon dont le film est conçu – L’aspect le plus important ici est que le spectateur peut lire clairement le texte à l’écran, ce qui est rendu clairement. La même licence esthétique s’applique à la piste DTS-HD Master Audio 5.1 du film – les personnages se déplacent vers et hors des microphones d’ordinateurs portables, abandonnent et parfois « soufflent » – tout cela fait partie de la conception. Le silence (ou le silence relatif de tout, sauf de la frappe au clavier) est un élément important de l’action ici, avec quelques indices de partition minimaux. Les sous-titres en anglais pour les sourds et les malentendants sont également inclus.

Les extras
Les trois fins alternatives annoncées sur la couverture représentent les seuls extras sur le disque. Ils sont présentés comme un « choisissez votre propre aventure » se terminant par le sous-titre « Qui mérite de vivre? » Pour éviter les spoilers, je ne peux pas révéler les titres de chacun, mais il existe évidemment trois options distinctes (5h30, 7h52 et 7h03). L’une des terminaisons, la dernière des trois options, jouée lors de certaines séances dans les théâtres, comme l’ indice d’ origine, est sans aucun doute la plus satisfaisante des trois terminaisons alternatives, et peut même même être meilleure que la fin théâtrale du film. Les deux autres sont des haussements d’épaules, des tentatives anti-climatiques où le téléspectateur sera capable de réfléchir, mais aussi de comprendre pourquoi ils ont été largués. C’est dommage qu’aucune autre option d’affichage ne soit disponible ici. Si la possibilité de choisir l’autre version jouée de manière théâtrale était une option, j’y répondrais à chaque fois.

• Acteurs : Kurt Carley, Colin Woodell, Betty Gabriel, Stephanie Nogueras, Rebecca Rittenhouse
• Réalisateurs : Stephen Susco
• Format : Couleur
• Audio : Allemand (DTS 5.1), Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS 5.1)
• Sous-titres : Français, Allemand
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
• Région : Toutes les régions
• Rapport de forme : 1.78:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Universal Pictures France
• Date de sortie du DVD : 2 mai 2019
• Durée : 92 minutes

Un groupe de criminels condamnés à mort accepte de commuer leur peine et de devenir les cobayes d’une mission spatiale en dehors du système solaire. Une mission hors normes…

Chronique : Les bons films de science-fiction en disent toujours plus long sur l’état de notre société qu’un film à la narration plus classique. C’est le cas du dernier film de Claire Denis qui semble, en plus, de façon lyrique, poétique et intimiste, être la somme de toutes ses ambitions cinématographiques tant philosophiques que formelles. A l’opposé de son précédent film solaire qui avait tant surpris par son humour et sa logorrhée (Un beau soleil intérieur), elle brasse, cette fois ci, dans une esthétique rappelant Tarkovski, Kubrick ou l’hypnotique « Under the skin » de Jonathan Glazer, des idées aussi essentielles que l’enfermement, le poids des tabous, l’avilissement de la conscience mais aussi, et c’est beaucoup plus troublant, la recherche de l’utopie suprême, l’Amour, pur, parfait. Le film ne cherche pas à se faire aimer, radical dans ses propositions, sa mise en scène, le jeu minimaliste de Robert Pattinson ou celui beaucoup plus expressif de Juliette Binoche, extraordinaire dans son personnage démesuré de démiurge de la PMA mais, au final, tellement plus troublant, dérangeant, hors normes que la production habituelle. Alors certes, ce film ne plaira pas à tout le monde et suscitera sarcasmes et agacements en raison de la lenteur du récit et du fait qu’il n’y a pas de rebondissements (High Life n’est pas Alien). Mais c’est un film magnifique, d’une grande beauté plastique et avec une tension hypnotique qui touche parfois au sublime dans certaines séquences. Claire Denis signe ici l’un de ses plus beaux films (avec Beau Travail par exemple).

Note : 9/10

Vidéo : La  photo du film travaille beaucoup sur les noirs et les ombres et lumières fortes, et impose dés les premières séquences une force imparable,  le master proposé par l’éditeur s’avère en tous points parfait. Définition, piqué, couleurs, contrastes et gestion des noirs : tout est littéralement impeccable.

Audio :mixage anglais 5.1, dynamique, dialogues clairs, spatialisation modérée avec peu d’effets surrounds, LFE cependant efficaces ; VF 5.1 aussi dynamique que la VO mais avec une plus grande prépondérance des dialogues sur les ambiances.

Bonus : Le dvd nous propose une vingtaine de minutes d’entretiens croisés avec l’équipe du film : l’occasion d’écouter Robert Pattinson et Mia Goth louer la personnalité de Claire Denis et les subtilités d’un script qu’aucun des deux ne semble avoir réellement compris. Le troisième intervenant s’exprimera quant à lui en français : il s’agit d’Aurélien Barrau, consultant en astrophysique et conseiller technique . Ses propos sont à la fois très complexes et paradoxalement très intéressants, notamment quand il aborde des détails techniques concernant le vaisseau spatial du film, qui seront passés à cent lieues au dessus de la tête du commun des mortels.

• Acteurs : Robert Pattinson, Juliette Binoche, André Benjamin, Lars Eidinger, Mia Goth
• Réalisateurs : Claire Denis
• Audio : Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS-HD 5.1)
• Sous-titres : Français
• Région : Région B/2
• Rapport de forme : 1.66:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Wild Side Video
• Date de sortie du DVD : 24 avril 2019
• Durée : 110 minute

Sous le règne de Napoléon, François Vidocq, le seul homme à s’être échappé des plus grands bagnes du pays, est une légende des bas-fonds parisiens. Laissé pour mort après sa dernière évasion spectaculaire, l’ex-bagnard essaye de se faire oublier sous les traits d’un simple commerçant.

Chronique : « L’Empereur de Paris » respire un académisme plutôt sécuritaire, assez sage et convenu, finalement assez loin de l’état d’esprit du fameux François Vidocq, cet ancien bagnard dont ce film de Jean-François Richet veut être la raison d’être et l’enjeu principal ! Sans être totalement inintéressant, dans la mesure où cette histoire nous est contée avec précision et moult détails, ni même pénible à regarder, bien au contraire, ce film semble manquer tout de même d’un véritable panache comme on l’espérait ! Bien sûr les règlements de compte et les fusillades y vont bon train, l’opportunisme y va tout feu tout flamme, dans l’espoir d’une ascension sociale sans vergogne, (ce qui est ici très bien démontré !), mais les personnages sont paradoxalement presque trop sages, sans avoir l’air d’y croire quelquefois comme l’est lui-même Vincent Cassel, en homme au fond pas plus charismatique et passionné que cela. Ce qui donne finalement une ambiance en demi-teinte, d’autant plus dommageable que la vie de Vidocq est finalement bien retranscrite dans ses rebondissements et ses implications… Vincent Cassel en étant ainsi un peu en retrait, laisse de fait la part belle à Fabrice Luchini même si ce dernier sous les traits d’un Fouché intraitable,entre en scène sur le tard, et surtout à James Thierrée, très juste et marquant dans son rôle de hussard dévasté ! Tout cela baigne de plus dans un Paris du XIX ème bluffant dans sa reconstitution, de la construction d’un Arc de Triomphe saisissante et inimaginable, jusqu’à à ce dédale de rues sales, véritables coupes-gorges où tout est possible ! Il n’en reste donc pas moins un assez bon film historique sur un personnage haut en couleur, au destin incroyable puisqu’il deviendra finalement Chef de la Sûreté de Paris, un poste totalement aux antipodes de cette galère sans espoir où il était prisonnier !

Note : 8,5/10

Vidéo  : L’image est d’une précision et d’une limpidité à toute épreuve, les couleurs en envoient plein les mirettes, et les contrastes sont d’une solidité remarquable : c’est tout simplement superbe.

Audio : Cette version bénéficie d’un mixage DTS-HD Master Audio 5.1 qui fera clairement honneur à l’ampleur du film. Les scènes d’action en particulier, tout particulièrement impressionnantes, s’avèrent d’un dynamisme et d’une force acoustique tout simplement bluffantes, renforcées par des basses littéralement tonitruantes et des effets multicanaux épatants de finesse et de précision.

Bonus : On trouvera, outre la traditionnelle bande-annonce, un passionnant making of d’une durée de presque trois quarts d’heure, qui reviendra essentiellement sur la rigueur historique épatante de l’entreprise, et sur la volonté de produire et de tourner le film intégralement en France. Les interventions de l’équipe technique sont naturellement entrecoupées d’images de la préparation du film ainsi que de quelques moments volés sur le tournage. Complet et vraiment très intéressant !

• Acteurs : Vincent Cassel, Patrick Chesnais, August Diehl, Olga Kurylenko, Denis Lavant
• Réalisateurs : Jean-François Richet
• Format : PAL
• Audio : Français (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1)
• Audio description : Français
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Français
• Région : Toutes les régions
• Nombre de disques : 1
• Studio : Gaumont
• Date de sortie du DVD : 19 avril 2019
• Durée : 115 minutes

Des centaines d’années après qu’un évènement apocalyptique a détruit la Terre, l’humanité s’est adaptée pour survivre en trouvant un nouveau mode de vie. Ainsi, de gigantesques villes mobiles errent sur Terre prenant sans pitié le pouvoir sur d’autres villes mobiles plus petites.

Chronique : Adapter un roman complet en un seul film est une course folle. Bien que cela puisse être (et ait été) bien fait, il arrive trop souvent que toute l’étendue de l’histoire soit mieux adaptée à la page qu’à l’écran. Mortal Engines est un excellent exemple d’un film potentiellement grand qui avait toute l’imagination du roman, mais qui n’a pas réussi à adapter l’histoire.

Basé sur le premier livre d’une série de Philip Reeve, Mortal Engines se déroule sur une Terre post-apocalyptique. Après la guerre de 60 minutes qui a presque détruit toute vie et a anéanti une grande partie de notre technologie, les avant-postes humains restants ont rassemblé ce qui restait et rendu leurs villes mobiles. Ces mécanismes massifs peuvent aller de petits et rapides navires de sauvetage à ceux qui détiennent tout Londres. Les métropoles itinérantes laissent des traces massives dans le sol meuble alors qu’elles traversent le paysage aride à la recherche de ressources et de survie.

Malheureusement, une petite ville minière bavaroise est la ressource que Londres rencontre un jour fatidique. Dès que le petit village est repéré par le monstre, ils ramassent leurs mines et Londres les poursuit. Au cours des cinq premières minutes de Mortal Engines, nous voyons non seulement deux types différents de ces créations massives, mais nous voyons aussi comment les gens qui y vivent font face aux mouvements constants, et surtout nous voyons l’échelle. Décrire Londres comme une ville « gargantuesque » ne rend guère service à l’immensité de ce véhicule. Il est capable d’ingérer une ville entière en quelques instants et sans ralentir, et sans que la vie à bord s’arrête pour le remarquer.

La conception du monde au sein de Mortal Engines est la véritable force du film. Les curiosités de chaque site, ainsi que les machines qui nous y conduisent, sont complexes, bien réalisées et fascinantes à voir. C’est une joie d’exister dans ce monde et de voir comment la vie s’est adaptée au mouvement constant.

L’intrigue, cependant, continue d’essayer d’empêcher de profiter du film, et réussit souvent. Comme beaucoup d’adaptations de livres, ce film souffre d’essayer d’en faire trop et trop vite. On nous présente trop de personnages et on ne nous donne pas assez d’informations pour nous soucier d’eux tous. Par exemple, il y a des affiches de recherche partout à Londres à la recherche d’Anna Fang (la pop star sud-coréenne Jihae), qui semble être l’une des personnes les plus intéressantes de la planète, mais nous ne savons jamais ce qu’elle a fait pour obtenir son statut de fugitive. Toute son équipe de bandits semble être le genre de groupe que nous aimerions connaître aussi, mais ils sont présentés et rapidement envoyés pour sauver le monde.

Hester Shaw (Hera Hilmar) est l’exception flagrante à cette tendance à se précipiter dans les présentations. Son histoire est au cœur de l’intrigue de Mortal Engines et elle en est en grande partie la force motrice, mais ses motifs sont variés et complexes, ce qui entraîne des ballonnements inutiles. Bien qu’il puisse fonctionner mieux dans un livre de 320 pages, le fait d’inclure deux histoires d’origine pleurnicharde pour un seul personnage n’est pas la preuve d’une forte capacité de montage.

Mortal Engines crée un monde magnifique, dangereux et évadé, mais il souffre d’essayer d’en faire trop avec des personnages auxquels on se soucie à peine.

Note : 8,5/10

Vidéo : Choisissez à peu près n’importe quel superlatif d’évaluation vidéo et appliquez-le à Mortal Engines. Le transfert 1080p d’Universal est à peu près parfait. Le film photographié numériquement donne un Blu-ray saisissant, avec des détails d’une netteté cristalline et des couleurs abondantes. Les traits du visage sont frappants à travers une collection assez diversifiée de personnages, révélant des cicatrices profondes, des éraflures et divers exemples d’altération d’une vie difficile dans un monde dur avec une clarté presque infinie, au moins autant que le format Blu-ray peut fournir. Les machines construites numériquement révèlent une complexité étonnante dans les différentes pièces mobiles, les surfaces métalliques, et toute l’usure et la saleté qui leur sont associées et qui se sont accumulées au fil du temps. Le terrain, souvent vu sous la forme d’un monde assez mort ou profond dans les traces que les machines laissent derrière elles, révèle chaque caillou et chaque morceau de sable avec une finesse gratifiante. Les couleurs sont superbes. Le masque facial rouge de Shaw est évidemment l’une des couleurs qui définissent le film, tandis que les teintes inspirées du steampunk restent fortes avec une saturation positive et un contraste parfaitement cadré. Les tons de peau sont impeccables et les niveaux de noir sont parfaitement profonds. Le bruit est extrêmement minime et aucun autre artefact de source ou d’encodage n’est apparent.

Audio :  Mortal Engines passe sur Blu-ray avec une bande sonore immersive et active Dolby Atmos. La présentation est implacablement enveloppante et lourde, utilisant à la fois les quatre canaux arrière et les haut-parleurs aériens pour attirer l’auditeur dans l’univers surdimensionné de la machinerie du film. Qu’il s’agisse de scènes d’action à grande échelle dans lesquelles Londres absorbe des villes plus petites et des avions ou de moments moins dramatiques mais tout aussi séduisants sur le plan sonore lorsque les annonces sonores dirigent les nouveaux arrivants londoniens avec une composante aérienne bien définie et parfaitement intégrée, l’activité sonore du morceau est toujours largement espacée et capable d’attirer l’auditeur dans le monde. Le seul inconvénient est l’absence relative d’une dynamique intense dans les basses fréquences. On s’attendrait à plus de puissance et de profondeur dans les bruits de la machinerie lourde et de divers exemples de coups de feu. Plus d’activité au bas de l’échelle aurait élevé cette piste à cinq étoiles. Le dialogue se présente clairement et distinctement à partir d’une position naturelle au premier plan.

Bonus :

La fin des Anciens (1080p ; 3:13) : Une vidéo d’introduction  » fausse  » montrant de nombreux points forts du Hall of Ancient Technology du London Museum.

Les personnages de la série (1080p ; 21:43) : Un regard sur cinq personnages clés du film – Hester Shaw, Tom Natsworthy, Anna Fang, Thaddeus Valentine, et Shrike.

Bienvenue à Londres (1080p ; 26:19) : Un regard en coulisse sur la création de la ville mobile, présenté en cinq parties – Building the Beast, Levels of London, The Smallest Details, London Museum, et Medusa and St. Paul’s.

Dans les airs (1080p ; 4:52) : Un regard sur la création d’Airhaven, une ville flottante.

Filmer la Nouvelle-Zélande (1080p ; 3:52) : La distribution et l’équipe discutent du plaisir de tourner en Nouvelle-Zélande.

Commentaire audio avec le réalisateur Christian Rivers : Ce qui commence comme un titre vivant où Rivers discute de la réalisation du film et de certains des choix qu’il a faits s’essouffle à la mi-parcours, avec de plus en plus de pauses dans ses commentaires.

• Acteurs : Hera Hilmar, Robert Sheehan, Hugo Weaving, Jihae, Ronan Raftery
• Réalisateurs : Christian Rivers
• Audio : Français (Dolby Digital Plus), Espagnol (Dolby Digital Plus), Anglais
• Audio description : Français
• Sous-titres : Suédois, Finnois, Norvégien, Grec, Néerlandais, Français, Islandais, Danois, Portugais, Castillan
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
• Région : Toutes les régions
• Rapport de forme : 2.39:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Universal Pictures France
• Date de sortie du DVD : 17 avril 2019
• Durée : 128 minutes

Chaque année à Noël, les Chous viennent perturber la tranquillité solitaire du Grinch avec des célébrations toujours plus grandioses, brillantes et bruyantes. Quand les Chous déclarent qu’ils vont célébrer Noël trois fois plus fort cette année, le Grinch réalise qu’il n’a plus qu’une solution pour retrouver la paix et la tranquillité: il doit voler Noël.

Chronique : Après la version live de 2000, le revoici version 2018, et en animer. Tout comme son prédécesseur, c’est un immense effet de masse ultra coloré et festif et bien plus musical qui nous est offert. De sa première à sa dernière seconde, rien n’est laisser au hasard pour ne jamais nous lassez. Un grinch qui cette fois-ci est bien plus amical que dans l’autre film. Une histoire qui elle, est radicalement opposée sans en oublier le fondamental. Après certes, quand on à vu les 2 versions, inutile d’en ressortir une 3ème dans 5 ou 10 ans, ou alors l’adaptation déformerait tous. Une leçon de vie également lorsque la petite héroïne s’explique sur son futur entretien avec sa star légendaire. Une surconsommation de noël qui est là bien plus brève mais tout aussi présente mais d’une manière moins « violente » que dans le film. Des gags à gogo pour un moment monumental, qu’Illumination se doit parfaitement bien.

Note : 9,5/10

 

Vidéo : Le Grinch se traîne dans les cinémas à la maison avec un encodage MPEG-4 1080p / AVC de qualité de référence absolument époustouflant qui éclate dès le départ avec un magnifique défilé de couleurs.

Notre anti-héros débraillé et laineux est d’un vert éclatant et brillant, mais il se sent étrangement maladif et nauséabond. Son rougissement est nettement différent de celui des pins et des genévriers plus profonds du feuillage environnant et du sapin de Noël ginormeux. Les décorations et les maisons de vacances sont d’un rouge cerise radieux et le ciel est d’un bleu céruléen intensément brillant. Le reste de Whoville est inondé de teintes secondaires somptueuses et séduisantes et de pastels fascinants. Dans le même temps, le contraste produit des blancs brillants et brillants dans la neige, éblouissants et lumineux, faisant scintiller et scintiller les cristaux de glace individuels à la lumière du soleil. Les noirs riches en encre couvrent les coins les plus sombres avec des ombres de minuit luxueuses sans ruiner les aspects les plus fins.

Présentée dans son format de base original de 2,35: 1, l’animation est extrêmement nette et plutôt extraordinaire à regarder, car même la décoration la plus minutieuse et l’objet à l’arrière-plan sont clairement visibles à distance. Les téléspectateurs peuvent distinguer les caractéristiques les plus infimes des formations rocheuses du sommet de la montagne et de la grotte, les petites crevasses situées sur les murs des bâtiments de Whoville et les détails élaborés à la baudouche des gigantesques ornements d’arbres. Plus étonnant encore sont les poils bien définis et extrêmement réalistes du Grinch, les aiguilles individuelles des pins et la neige poudreuse réaliste. Choisissez n’importe quelle scène au hasard, la présentation générale est un pur régal pour les yeux.  

• Who’s Who in Who-Ville (2160p): Une carte interactive virtuelle conçue dans le style d’un livre pop-up, offrant aux téléspectateurs l’occasion d’en apprendre davantage sur les personnages et leur fabrication. Lorsque vous sélectionnez l’un de ces caractères, les quatre options suivantes sont disponibles:
  • Profil du personnage
  • Tests d’animation
  • Progression Reel
  • Galerie de photos
• Mini-films (2160p): un trio de courts métrages animés, tous présentés en Dolby Vision HDR, procure quelques minutes de divertissement supplémentaires à toute la famille. L’un d’entre eux mettant en vedette les Minions joués au début du film dans les cinémas.
  • Jaune est le nouveau noir (4 min)
  • Les journées du chien en hiver (4 min)
  • Petits aides du père Noël (4 min)
• La réalisation des mini-films (2160p, 6 min): explorez brièvement les thèmes de chacun des mini-films à travers les yeux des cinéastes qui les ont réalisés.
• La bûche de Noël de Cindy-Lou (2160p, 8 min): une version Grinch de la cheminée virtuelle stylisée après le salon de Cindy-Lou le soir de Noël avec de la musique alors que les décorations sont volées.
• Tous ceux qui peuvent dessiner (2160p, 7 min): Animés par Mark O’Hare, un artiste de Illumination, les téléspectateurs peuvent apprendre à dessiner Grinch, Max et Fred.
• Vidéo lyrique (2160p, 5 min): Essentiellement, une paire de clips musicaux à écouter en solo par Tyler, le créateur.
  • « Vous êtes un méchant, M. Grinch »
  • « Je suis le Grinch »
• Du vert à l’écran (2160p, 6 min): très brève pièce de style EPK avec des interviews des acteurs et de l’équipe qui discutent des personnages, des thèmes et de l’adaptation avec des séquences BTS.
• Illuminating The Grinch (2160p, 5 min): Une autre featurette réalisée à partir d’interviews et de séquences BTS abordant l’animation des personnages, du croquis au produit fini.
• Mes premiers souvenirs de Grinch (2160p, 3 min): l’équipe de casting et l’équipe dévoilent leurs premiers souvenirs et l’attrait persistant de ce classique des fêtes.
• Grinchy Gadgets (2160p, 3 min): explorez le monde merveilleux des gadgets de Grinch.
• Chansons de son petit cœur (2160p, 3 min): de la partition de Danny Elfman aux chansons spécialisées, une brève discussion sur la création de la musique derrière le film.
• Noël autour du monde (2160p, 2 min): souligne rapidement comment différentes cultures célèbrent la saison des vacances.
• Bébés de production (2160p, 1 min): Célébration des bébés nés des cinéastes pendant la production.

• Audio : Italien (Dolby Digital 5.1), Roumain (Dolby Digital 5.1), Néerlandais, Français, Anglais, Néerlandais belge
• Audio description : Français
• Sous-titres : Italien, Roumain, Français, Néerlandais
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
• Région : Toutes les régions
• Rapport de forme : 2.39:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Universal Pictures France
• Date de sortie du DVD : 3 avril 2019
• Durée : 85 minutes