En quelques secondes, la salle se transforme en constellation mouvante. Ce n’est pas (encore) la musique qui vibre, mais 40 000 poignets lumineux, reliés à un dispositif scénique d’une rare ambition. Le ciel se couvre d’étoiles artificielles, la terre se met à battre en lumière. C’est le début d’un voyage sidéral et viscéral, la promesse tenue d’un groupe qui, quarante-deux ans après ses débuts, continue de repousser les limites de ce que peut être un concert de rock.

Une entrée dans l’intimité du gigantisme

Annoncée comme une expérience totale, la nouvelle tournée d’Indochine, baptisée sobrement Arena Tour, a débuté à Paris dans un Bercy transformé. La scène principale – baptisée “A” – s’ouvre sur “Showtime”, titre électro-rock syncopé qui évoque Depeche Mode. Les bracelets clignotent au rythme des basses, la foule pulse, la frontière entre public et spectacle se brouille. C’est l’une des forces de cette mise en scène : abolir la frontalité, jouer avec l’espace et les émotions.

Trois scènes, réparties dans la salle (A, B, C), permettent au groupe de se déplacer et de jouer au plus près des spectateurs. Une façon de remettre du lien humain au cœur de la machine scénique, et de faire de cette arène un lieu de proximité malgré les dimensions.

Entre messages politiques et émotions universelles

Indochine n’a jamais été un groupe neutre. Ce concert le rappelle avec force, sans jamais tomber dans le manifeste. Dès “Victoria”, le visage de Volodymyr Zelensky apparaît, suivi d’un cortège d’instrumentistes en uniforme militaire, jouant de la trompette. Puis, sur “Sanna sur la croix”, la mémoire de l’ex-Première ministre finlandaise Sanna Marin est convoquée avec un visuel fort : son visage bâillonné ou enserré dans une croix lumineuse. Le concert devient tribune visuelle, sans jamais interrompre le flux musical.

Chaque séquence est ciselée. “Annabelle Lee”, “Seul au paradis”, puis “No Name” – titre inédit joué pour la première fois en tournée, tiré de Babel Babel, l’album de 2024 – offrent un passage intense, entre noirceur poétique et énergie rock. La musique épouse l’image, l’émotion devient globale.

Nicola Sirkis, figure magnétique et fragile

Ce qui impressionne chez Indochine, c’est la constance d’un charisme sans ostentation. Nicola Sirkis, toujours vêtu de noir, ne surjoue rien. Il observe, il écoute, il habite l’instant. Sa voix, plus éraillée, parfois posée comme un murmure, tranche avec la puissance des visuels. Il est le fil rouge d’un récit collectif, le médium d’une émotion partagée avec plusieurs générations de fans.

Lorsqu’il traverse la salle pour rejoindre la scène B, la foule se scinde en deux comme la mer Rouge. Là, s’enchaînent sans répit “Salômbo”, “Electrastar”, “Canary Bay”, “Un été français”, “Punker”… Un bloc rock pur jus, parfaitement calibré, qui ressuscite l’énergie adolescente et la rage poétique des années 2000.

Une avalanche de classiques, entre euphorie et apesanteur

La dernière partie du concert tient de la célébration collective. Le public, déjà conquis, exulte sur “Miss Paramount”, “J’ai demandé à la lune”, “Alice & June” – une séquence euphorique, construite comme une montée en puissance. Puis vient “La vie est à nous”, dans un final incandescent qui semble suspendre le temps.

Mais le plus beau moment du concert n’est peut-être pas celui qu’on attendait. Lors du rappel acoustique, entre les scènes B et C, Nicola Sirkis revient seul ou presque. Lumière douce, guitare sèche, et quelques minutes suspendues sur “Kao Bang”, “La vie est belle”, “Tes yeux noirs”. Un moment d’apesanteur absolue, où 20 000 personnes retiennent leur souffle.

Le second rappel réinstalle la grandeur : “Station 13”, “Des fleurs pour Salinger”, puis “Trois nuits par semaine”. Enfin, le groupe remonte sur la scène A pour l’apothéose : “L’aventurier”, transformé en hymne générationnel, suivi d’un dernier clin d’œil avec “En route vers le futur”, comme une promesse tenue au public fidèle.

Un groupe au sommet de son art

Ce qu’Indochine prouve encore, c’est que la longévité ne se résume pas à l’endurance. Elle peut être synonyme de renouvellement, de prises de risque, d’invention scénique. Loin d’une tournée best-of, ce concert est une œuvre à part entière : narrative, visuelle, politique, musicale. Elle parle à tous les âges, à toutes les mémoires.

Indochine confirme son statut d’icône vivante de la scène hexagonale, capable d’inventer une nouvelle forme de rituel collectif à chaque tournée.

Maya Stern tente de sortir la tête de l’eau après le meurtre brutal de son mari, Joe. Cependant, lorsque Maya installe une caméra pour surveiller sa fille, elle est choquée de voir un homme qu’elle reconnaît : son mari, qu’elle croyait mort.

Chronique : Honnêtement, cette série me semble assez décevante et insuffisante. C’est regrettable, car ce n’est pas l’idéal pour débuter l’année. On dirait que l’adaptation d’un livre en série télévisée n’a pas été très réussie, l’histoire étant racontée comme dans un roman plutôt qu’en tant que mystère télévisuel. Par moments, il y avait un excès d’éléments, se rapprochant plus d’un roman captivant que d’une série incitant à regarder l’épisode suivant. Ces séries produites par har et cin semblent conçues sans grande réflexion sur leur présentation. Elles ne parviennent pas à se hisser au rang des grands succès de Netflix, malgré leur nombre. Michelle Keegan et un acteur nommé Adeel étaient les véritables atouts de cette série, offrant des performances bien supérieures aux autres, constituant ainsi les points forts. Comme mentionné précédemment, la série avait une allure et une réalisation qui rappelaient les productions Hallmark, loin du mystère de meurtre sombre et captivant habituellement vu sur la plateforme. La révélation de l’identité du meurtrier à la fin, bien qu’étant un point culminant de la série, n’a pas eu l’impact escompté.

En termes de durée, six épisodes auraient été suffisants au lieu de huit, surtout pour une série limitée. Certains éléments, comme le fils de Claire d’une relation antérieure, qui n’apportait rien au développement de l’histoire, auraient pu être omis.

Je dois aussi admettre que l’interprétation de Louis ne m’a pas vraiment convaincu. Le caractère timide du personnage semblait irréaliste et peu naturel. La série ne semblait jamais vraiment accuser quelqu’un, un élément crucial pour ce genre de mélange. La majorité du temps, nous n’avions aucune idée de l’identité du meurtrier, non pas à cause d’un trop grand nombre de suspects, mais parce que la série ne fournissait pas assez d’indices ou de situations intrigantes. Elle devenait donc un peu stagnante et, pour tout dire, assez ennuyeuse. Ce genre de série devrait être stimulant et provocateur.

Recommanderais-je « Double piège  » ? Personnellement, non. Il ne me semble pas que vous perdiez quelque chose en choisissant de ne pas la regarder. Avec des acteurs digne d’un soap opera, ce qui n’est pas péjoratif en soi, mais qui révèle leur niveau, et une histoire qui peine à captiver le public, la série ne parvient pas à rendre son dénouement mémorable ou satisfaisant. Malgré cela, je ne pense pas que cela empêchera l’émergence d’une autre série de type har et cin sur la plateforme prochainement. On verra bien ce que la prochaine série nous réserve.

Bradley Cooper réalise ‘Maestro’ pour Netflix, son second film en tant que réalisateur, où l’acteur surprend autant derrière la caméra que devant.

https://youtu.be/zcXpA7Bq-Qs

De quoi parle le film ?

« Maestro » raconte l’histoire de l’amour extraordinaire et courageux entre Leonard Bernstein et Felicia Montealegre Cohn Bernstein, une union qui perdure toute leur vie. C’est une ode à la vie et à l’art, dressant un portrait émouvant d’une famille où l’amour est la partition principale.

Le film, réalisé par Bradley Cooper et écrit par Bradley Cooper et Josh Singer, met en vedette Bradley Cooper, Carey Mulligan, Matt Bomer, Maya Hawke, et d’autres.

Les protagonistes :

Pour son deuxième film en tant que réalisateur, Bradley Cooper prend le rôle de Leonard Bernstein. Son désir de jouer ce personnage remonte à ses années universitaires, bien avant la conception du projet. Il incarne le maestro à travers cinq décennies, des années 1940 aux années 1980.

Après avoir collaboré avec Lady Gaga dans « A Star Is Born », Bradley Cooper a choisi Carey Mulligan pour interpréter Felicia Montealegre Cohn Bernstein. Ensemble, ils forment un couple iconoclaste et profondément touchant.

Matt Bomer, Maya Hawke, et Sarah Silverman jouent des rôles secondaires. Matt Bomer incarne David Oppenheim, un clarinettiste américain et ancien amant de Leonard Bernstein, tandis que Maya Hawke joue le rôle de leur fille, Jamie, et Sarah Silverman celui de la sœur de Leonard, Shirley Bernstein.

Vaut-il le coup ?

Bradley Cooper, bien connu pour ses débuts dans la comédie, a rapidement évolué pour devenir un acteur-réalisateur acclamé, régulièrement présent lors des saisons des Oscars. Avec « Maestro », il cherche à prouver que le succès de son premier film, « A Star Is Born » (2018), n’était pas le fruit du hasard.

Dans ce biopic sur Leonard Bernstein, célèbre pour son travail sur la comédie musicale « West Side Story », le réalisateur plonge dans la dualité de Bernstein, aussi bien sur le plan professionnel que personnel.

Ses méthodes de direction orchestrale passionnées et spectaculaires contrastent avec sa solitude en tant que compositeur. Sa relation avec Felicia Montealegre, profondément aimée de lui, est mise à l’épreuve par ses liaisons avec des hommes plus jeunes. Bernstein n’a jamais caché son homosexualité, connue de Felicia. Leur amour défie les conventions, surtout à une époque où l’acceptation de l’homosexualité était limitée.

Le film explore avec ténacité les multiples facettes de Bernstein, mettant en lumière le rôle crucial de Felicia dans sa vie. La performance de Carey Mulligan est saluée comme l’une des meilleures de sa carrière, aux côtés d’un Bradley Cooper remarquablement investi dans son rôle. Le traitement mature de la bisexualité de Bernstein est aussi loué.

Bien que le film puisse être critiqué pour ne pas explorer suffisamment la carrière de Bernstein, il offre un portrait intime et bouleversant du couple. D’un point de vue esthétique, Cooper démontre une maîtrise remarquable, optant pour une première partie en noir et blanc et un format 4:3, en hommage à l’âge d’or d’Hollywood, suivie d’une seconde partie en couleur avec des trouvailles visuelles saisissantes.

En somme, « Maestro » est un film complexe et ambitieux, captivant malgré quelques défauts, et marque une étape significative dans la carrière de Bradley Cooper.

Le Monde après nous sa récemment été diffusé sur Netflix et on peut dire que sa fin s’est révélée un peu controversée. Je pensais que le film était bon, il véhiculait un message puissant et était esthétiquement magnifique, mais il y avait quelque chose avec lui, cependant. Une chose qui est remise en question plus que la fin du film est l’intégration des animaux et de leur comportement, plus spécifiquement les cerfs. Alors, je me suis dit que j’allais intervenir et expliquer pourquoi les animaux se comportaient comme ils le faisaient et ce que tout cela signifiait. Donc, entrons dans le vif du sujet : voici la signification des cerfs dans Le Monde après nous.

Dans le film, nous avons vu plusieurs espèces animales différentes adopter des comportements différents de ce à quoi on s’attendrait normalement. Nous avons vu des cerfs s’approcher extrêmement près de la propriété où la famille séjournait, jusqu’à ce qu’un grand troupeau entoure Ruth à la fin et soit finalement effrayé. Nous avons vu un cheval seul au bord de la route, loin de tout, et nous avons également vu un flamboiement de flamants roses entrer dans la piscine qui se trouvait dans le jardin. Une fois que les comportements étranges des animaux ont été attribués à l’attaque cybernétique sur le pays et à la perte de signal interférant avec leur instinct de navigation naturel et leurs schémas de migration, bien que cela puisse être le cas en apparence, en ce qui concerne la sélection des animaux et leur intérêt extrême pour la famille, il y a en réalité bien plus à découvrir sur les cerfs.

Avant de passer aux autres animaux du film, une autre signification de l’intégration des cerfs pourrait se concentrer sur l’aspect agressif présent. Nous avons vu que le mâle dominant de la horde semblait sur le point de devenir agressif envers Ruth. Cela pourrait être la manière pour les animaux de montrer que dans ce nouveau monde en mutation, dont ils sont non seulement représentatifs, mais qu’ils peuvent clairement ressentir à travers le changement de leur comportement, ils pourraient chercher à montrer que la petite population d’humains sur l’île ne pourra pas dicter ce qui va se passer et que le contrôle qu’ils ont habituellement a été abandonné. La présence des animaux me rappelait ce que disait Amanda à Ruth lorsqu’elle était dans la remise, à propos de comment les gens ne se soucient pas vraiment de l’état du monde et se convainquent qu’ils font du bon travail en achetant des produits comme le poulet élevé en liberté. Mais dans ce cas, les cerfs représentent presque la pureté de la vie dans sa forme la plus basique, et l’encerclement de Ruth soulignait presque cela.

Le lien final avec les cerfs réside dans la perspective mésoaméricaine du cerf en tant que présage favorable. Avec tout ce qui se déroulait, on aurait du mal à imaginer qu’il puisse être considéré ainsi. Cependant, en revenant sur le manque de confiance des gens, sur la destruction qu’ils infligeaient au monde et à son état, peut-être que cette vision de quasi-réinitialisation était précisément là où résidait ce présage positif. Les gens devraient presque abandonner tous leurs préjugés pour survivre, peut-être devenir plus aimables et plus enclins à aider les autres, une idée que la série semblait vouloir mettre en avant, une qualité absente dans le monde, surtout lorsque Amanda a ouvert le film en disant qu’elle détestait les autres. Il existe de nombreuses interprétations pour l’utilisation des cerfs dans ce film, et je pense qu’elles se tiennent toutes d’une manière ou d’une autre lorsqu’on y réfléchit attentivement. Aucune ne contredit le sens du film ; elles fonctionnent individuellement ou collectivement, tout comme la conclusion de ce film. À mon avis, le symbolisme et la signification sont entièrement sujets à interprétation, et j’apprécie cela. .

Alors, les flamants roses… C’était l’un des moments les plus étranges du film. Après avoir été témoins d’une conversation assez étrange et intense entre Ruth et Clay, un flamboiement de flamants roses – oui, c’est vraiment ainsi qu’on appelle un groupe d’entre eux – est apparu devant eux au milieu de la nuit, alors qu’il pleuvait à verse, et ils se sont installés dans la piscine. Les flamants roses sont principalement observés en Floride et aux États-Unis, donc le fait qu’ils se trouvaient dans la région de New York montrait qu’ils avaient voyagé tout le long de la côte est, probablement en raison des modifications des schémas de migration dues à l’attaque en cours.

Mais si l’on examine plus profondément ce que cela signifiait, les flamants roses sont censés représenter plusieurs choses. Ils symbolisent l’équilibre d’une part, et d’autre part la beauté et le romantisme, deux éléments présents dans le film. L’arrivée des flamants roses s’est produite après une conversation entre Ruth et Clay, et Ruth a exprimé ensuite le sentiment que Clay voulait être avec elle d’une manière intime. En parallèle, nous avons également vu Amanda et GH partager un moment dans la pièce avec tous les disques où ils dansaient et où il semblait y avoir un début de romance, mais ils se sont arrêtés.

Bien que cela puisse représenter ces éléments, je pense que c’est surtout lié à l’équilibre. L’apparition soudaine des flamants roses au beau milieu de la nuit, atterrissant dans la piscine, semblait nous montrer que tout s’effondrait avant même que cela n’arrive réellement. Voir des cerfs dans cette région n’était pas surprenant, mais cette quantité de flamants roses était certainement étrange. Cela marquait sûrement le point où il n’y avait probablement plus de retour en arrière et où la dévastation était sur le point de frapper. En termes d’équilibre, cela soulignait probablement le fait que la nation allait retrouver son équilibre et être réinitialisée à travers tous les changements auxquels ils allaient être confrontés. Les animaux ont joué un rôle important dans la conclusion.

Ce film était bon, car il m’a souvent fait douter de leur importance. La symbolique est souvent puissante, surtout lorsqu’elle fonctionne, et je pense que, pour les cerfs, c’est quelque chose qui a vraiment bien fonctionné. Cela a ajouté une couche supplémentaire de profondeur à un film déjà profond.

 » Le Monde après nous  » a récemment été diffusé sur Netflix et qu’est-ce que c’est avec ces films qui sortent en décembre ? L’année dernière, on avait Bird Box, l’année d’avant White Noise, et cette année, on a cette nouvelle inclusion à ajouter à la liste. Le film se concentre sur une panne de courant qui survient alors que la famille était en vacances, et les propriétaires réels arrivent tard un soir. À partir de là, un état d’urgence national est déclaré. Ce film aborde des sujets extrêmement stimulants tels que la manière dont les gens agiraient pendant l’effondrement de la civilisation, la dépendance à la vie moderne et aussi les préjugés et les jugements qui changeraient lorsque toute une nation s’effondre. Avec une fin laissée à l’interprétation, plongeons-y pour expliquer tout ce qu’il y a à en tirer. Voici l’explication de la fin de Le Monde après nous et sa signification réelle.

Ce qui s’est réellement passé à la fin, juste à la toute fin du film, c’est que George a découvert ce qui se passait réellement dans le pays, l’intention principale des événements qui se déroulaient, ainsi que l’attaque cybernétique en cours, l’étape d’isolement, le chaos synchronisé et la propagation de désinformation. Tout cela avait pour but de déstabiliser essentiellement le pays et de pousser les gens à se retourner les uns contre les autres, causant la ruine du pays. Cela faisait écho non seulement à l’une des toutes premières lignes du film, mais aussi au monologue d’Amanda, le personnage de Julia Roberts, quand elle était dans le hangar au début du film. Amanda a regardé directement vers la caméra, brisant le quatrième mur, et a exprimé sa haine envers les gens, un sentiment souvent présent dans la société, ce manque de soin les uns envers les autres, les gens agaçants pour aucune raison apparente. Dans le monologue d’Amanda dans le cinquième et dernier chapitre, elle a également mentionné comment, dans son travail de gestion des relations clients, elle voyait le pire chez les gens, à la fois personnellement et à un niveau macro. Le fait que les gens ne se soucient pas vraiment des autres, qu’ils n’ont pas de considération pour l’état du monde, tout en essayant de se convaincre du contraire à cause de petits choix apparemment insignifiants, montrait que tout cela n’aurait plus d’importance quand il serait trop tard. Les décisions passées et les préjugés devraient être remis en question.

Amanda pouvait détester les gens, mais techniquement, tout le monde qu’elle connaissait et avec qui elle travaillait était en train de sombrer dans la ville de l’autre côté de la rivière qu’elle observait. Mais ce n’était pas vraiment ce qu’elle voulait. Maintenant, elle devait aussi compter sur quelqu’un d’autre, Danny, pour sauver son fils dans ce nouveau monde, montrant que lorsque le monde bascule, tout change et peut-être que vous devez changer aussi pour survivre, comme nous l’avons vu avec son préjugé envers George et sa fille Ruth au début, un sentiment qui a évolué avec le temps. Chaque personne dans ce film avait une compréhension différente de ce qui se passait et de qui en était la cause, ce qui alimentait la désinformation et suscitait la méfiance. Les réactions des gens dans de telles situations varient, certains aident, d’autres non, certains se barricadent tandis que d’autres ignorent tout, étant protégés.

L’importance de Rose dans la série TV Friends suite à l’une des scènes les plus marquantes de ce film, lorsque la ville est en flammes après la révélation que la phase finale allait commencer, la guerre civile. Le film lui-même se conclut avec Rose à l’intérieur de la maison Thorn, où se trouvait le bunker d’urgence. Une fois à l’intérieur, on la voit découvrir un mur entier rempli de DVD, et sur l’étagère se trouve la dernière saison de Friends, avec l’épisode final qu’elle voulait regarder. Après la coupure du Wi-Fi et de toutes les connexions causée par la destruction des satellites, elle met l’épisode en route, passant brièvement devant le bouton Netflix de la télécommande pour appuyer sur lecture, un bouton qui aujourd’hui existe à peine sur les télécommandes. Elle sourit alors que la lumière du téléviseur illumine son visage, et la chanson du générique « I’ll be there for you » clôt le film. Ces paroles sont si importantes car dans ce nouveau monde qui se dessine, la seule chose qui compte est la confiance que l’on peut avoir en l’autre, s’ils seront là pour nous.

La naïveté de Rose face à la situation nous permet de voir l’innocence au milieu de tout ce chaos. Elle ne comprend pas vraiment ce qui se passe, n’y porte pas beaucoup d’intérêt. Elle est une enfant et comme la plupart des gens aujourd’hui, elle est accro à ses écrans et a du mal à fonctionner sans eux. On voit comment quelqu’un de dépendant aux écrans se comporte dans un monde où ils n’existent plus. Le cliffhanger pour Rose, ne pas savoir ce qui s’est passé dans le final de Friends, la tourmente intérieurement et la pousse finalement à chercher un écran qui fonctionne. La remarque sur Friends comme une émission qui offre de la nostalgie pour une époque qui n’a même pas existé est peut-être ce que Rose cherchait dans ces moments de chaos. La panique était partout et peut-être qu’elle voulait simplement un peu de normalité. Cela nous montre également l’importance des supports physiques dans l’ère numérique, et le fait d’avoir des objets tangibles dans un monde numérique, car si tout s’effondre, que nous reste-t-il pour regarder en arrière sur la société

Un élément que j’ai trouvé particulièrement bien traité dans ce film était la manière dont il scrutait la société et sa situation actuelle. Par exemple, il mettait en lumière à quel point nous sommes dépendants de la technologie et comment les gens se voilent presque la face par rapport à ce qui se passe dans le monde. C’était particulièrement flagrant avec chaque groupe de personnages, chacun ayant une connaissance différente des événements. Par exemple, la famille principale ne savait rien de ce à quoi s’attendre et a eu de la chance d’être hors de la ville, tandis qu’Amanda semblait vraiment savoir et a quitté la ville parce qu’elle pensait que c’était une bonne idée, ce qui a bouleversé l’histoire et souligné le fait qu’elle n’avait en fait averti personne parce qu’elle les détestait. George avait une intuition que quelque chose pouvait arriver en raison de son travail, Danny était préparé grâce aux journaux, et les Thorn avaient un abri complet en anticipation. Chaque personnage avait un niveau de compréhension différent, principalement en fonction du temps qu’ils passaient à suivre ce qui se passait à l’extérieur de leur vie.

Une chose qui m’a amusé dans le film, cependant, c’est lorsque Clay a payé Danny pour le médicament pour aider son fils à récupérer, et Danny a prononcé la phrase selon laquelle il savait que cela finirait par être un système de troc, à laquelle Clay a répondu que c’était quand même de l’argent, que ce n’était pas un système de troc. Je pense que cela a été délibérément dit parce que l’argent, même dans notre monde, est une forme de paiement en déclin. La plupart des gens paient par carte ou de manière numérique maintenant, donc c’était un clin d’œil au fait que l’argent est un objet physique avec lequel troquer, non seulement dans notre monde actuel, mais aussi dans ce monde en train d’être détruit.

Le film a également mis en lumière des aspects de la société à travers les angles de caméra utilisés. La prise de vue en plongée était fréquemment présente tout au long de plusieurs chapitres, et elle se faisait souvent par une transition fluide, juste en se retirant de l’environnement. Je pense que cela a été utilisé de cette manière si fréquente pour souligner que nous observions quelque chose qui se déroulait, et que cela racontait une histoire qui ressemblerait probablement à ce que nous vivons dans le monde actuel. En résumé, j’ai trouvé…

Note Globale : Ce film était plutôt bon sur le plan stylistique. Il correspondait parfaitement à mes goûts. Il était délibérément déstabilisant à certains moments, et j’ai aimé cela, la façon dont il brisait le quatrième mur, la musique étrange et perturbante qui semblait sortie des films des années 60, les transitions fluides des angles de caméra, l’association du rouge avec le bois, du vert pour la palette de couleurs, et son approche lente mais rythmée. Cependant, je dirais que ce film a essayé d’être trop intelligent pour lui-même. Je comprends le message évident tout au long du film, mais donner aux gens un sens de résolution aurait été bienvenu. Je pense souvent que transmettre clairement le message peut être bien plus puissant que le laisser ouvert à l’interprétation, et j’aurais aimé que le film fasse cela. Il a bien fait passer le message que la confiance était l’une des choses les plus importantes dans le temps qui approchait, et que tout ce sur quoi vous construisez votre vie devient redondant car au fond, les gens se retournent les uns contre les autres. Mais je pense qu’il aurait dû avoir un impact plus fort.

Je trouve également que les performances étaient vraiment solides Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke ont absolument volé la vedette. Je dirais aussi que Farah McKenzie a fait du bon travail. Sa performance était intense et assez captivante, exactement comme je l’imaginais pour ce rôle. En comparaison avec les quelques films catastrophe récents sortis, je dirais que j’ai préféré « White Noise ». Je pensais qu’il avait un message similaire mais sur le plan stylistique, c’était meilleur, le message était plus clair et les performances étaient meilleures. Ce film vaut définitivement le détour pour son histoire, ses choix stylistiques et ses performances