Le livre phénomène de Titiou Lecoq en bande dessinée De tout temps, les femmes ont agi. Elles ont régné, écrit, milité, créé, combattu, crié parfois. Et pourtant elles sont pour la plupart absentes des manuels d’Histoire.
Avec Les Grandes Oubliées, Titiou Lecoq et Marie Dubois transforment un essai essentiel en une bande dessinée aussi claire que percutante, rendant enfin visible ce que l’Histoire avait effacé : la place des femmes dans la construction du monde. Adaptée du livre phénomène de Titiou Lecoq, cette BD poursuit la même mission avec un outil d’une efficacité redoutable — la puissance de l’image alliée à la rigueur du propos.
Des chasseuses de la préhistoire aux militantes contemporaines, des reines oubliées aux savantes invisibilisées, Les Grandes Oubliées traverse les siècles pour montrer que les femmes ont toujours été présentes, actives, et souvent décisives, mais qu’elles ont été effacées, marginalisées ou minimisées par les récits dominants. Lecoq déconstruit les mythes hérités d’une historiographie patriarcale : non, les hommes n’ont pas “tout inventé”, et non, les femmes n’étaient pas confinées à la sphère domestique.
Le texte, fidèle à la verve de Titiou Lecoq, est à la fois pédagogique, drôle et incisif. On y retrouve son ton vif, son humour mordant, et sa manière unique de vulgariser des savoirs complexes sans jamais les simplifier. La bande dessinée, portée par le dessin fluide et expressif de Marie Dubois, donne chair et visage à ces héroïnes effacées : guerrières, inventrices, artistes, penseuses, résistantes… toutes reprennent ici leur place dans le grand récit collectif.
Le travail graphique, riche et inventif, parvient à conjuguer la force documentaire et la vitalité narrative. Chaque planche illustre à merveille la complémentarité entre le texte et l’image : on apprend, on sourit, on s’indigne, on s’émerveille. C’est à la fois un livre d’histoire, un manifeste féministe et un outil de transmission, accessible à tous les publics — adolescents, enseignants, curieux, et passionnés d’Histoire.
Les Grandes Oubliées en bande dessinée, c’est une porte d’entrée vivante et engagée dans un sujet brûlant : la réhabilitation des femmes dans le récit universel. En rendant ces destins visibles, Titiou Lecoq et Marie Dubois rappellent que l’Histoire n’est jamais figée — et que l’écrire à nouveau, c’est déjà réparer une injustice.
Éditeur : Iconoclaste Date de publication : 18 septembre 2025 Édition : Illustrated Langue : Français Nombre de pages de l’édition imprimée : 236 pages ISBN-10 : 2378805144 ISBN-13 : 978-2378805142
Avec La Vie ressemble à ça, Titiou Lecoq signe un livre à la fois intime, politique et profondément universel. Comme un patchwork d’émotions, de réflexions et de gestes du quotidien, ce recueil hybride — entre journal, manifeste et carnet de bord — dresse le portrait d’une existence de femme contemporaine, tiraillée entre la pensée et la lessive, la colère et la tendresse, le travail intellectuel et les tâches ménagères.
L’autrice, connue pour ses essais sur la charge mentale et la place des femmes dans la société, y rassemble des textes courts, des poèmes, des souvenirs, des fulgurances. Tout ce que le monde considère comme incompatible — la philosophie et les coquillettes, le féminisme et la lessive, la douleur du monde et la douceur domestique — cohabite ici avec une évidence bouleversante. Car, écrit-elle, « le trivial nourrit l’abstrait ».
Titiou Lecoq parle depuis ce lieu souvent invisible : celui de la pensée qui s’élabore dans le bruit du quotidien. Elle écrit en changeant la litière des chats, en écoutant Foucault tout en consolant un enfant, en pleurant sur les féminicides pendant qu’elle prépare le dîner. Ce contraste, loin d’être une contradiction, devient la matière même de son écriture — une écriture lucide, drôle, vibrante, qui fait du banal un acte de résistance.
Sous son regard, la vie ordinaire devient un espace politique et poétique, où chaque geste répété prend valeur de symbole. L’autrice relie les petites tâches aux grandes causes, les émotions intimes aux fractures sociales, avec cette intelligence bienveillante et acérée qui la caractérise.
La Vie ressemble à ça n’est pas un livre à lire d’un trait, mais à picorer, à relire, à garder près de soi. C’est un miroir de nos existences imparfaites et pleines, un texte qui dit la beauté et la fatigue d’être au monde, sans fard ni posture.
Éditeur : Iconoclaste Date de publication : 25 septembre 2025 Langue : Français Nombre de pages de l’édition imprimée : 243 pages ISBN-10 : 2378805195 ISBN-13 : 978-2378805197
Comme chaque matin à 5 heures, l’infirmier embarque dans sa vieille Mercedes et part sillonner la campagne. De village en village, de maison en maison, il accompagne la vieillesse, la maladie, la solitude. Chaque porte ouverte est l’occasion d’une rencontre. Au travers de ces vies fragiles s’esquisse une réflexion sur le soin et le lien. Mais aujourd’hui, ce n’est pas une tournée comme une autre…*
Chaque matin à cinq heures, un infirmier monte dans sa vieille Mercedes et entame sa tournée. De hameau en hameau, de ferme isolée en pavillon fatigué, il soigne, écoute, rassure. Il connaît chaque nom, chaque silence, chaque douleur. Dans cette routine empreinte d’humanité, Maxime Rossi tisse un roman d’une justesse rare, inspiré de sa propre expérience d’infirmier et de pompier volontaire. Mais ce matin-là, quelque chose change. Ce ne sera pas une tournée comme les autres.
À travers ces visites quotidiennes, l’auteur dresse un portrait bouleversant du monde rural et de ceux qui y vieillissent dans l’ombre. Il y a les corps fatigués, les gestes qui tremblent, les souvenirs qui s’effilochent, mais aussi la tendresse, les rires, les confidences partagées autour d’un café. Chaque porte qu’il pousse devient un miroir de la fragilité humaine. En creux, c’est aussi le portrait d’un homme confronté à la souffrance des autres et à la sienne propre, cherchant à comprendre pourquoi il soigne, et ce qu’il espère réparer à travers ce dévouement sans relâche.
La plume de Maxime Rossi surprend par sa maturité et sa délicatesse. Son écriture, dépouillée mais lumineuse, restitue la poésie discrète des gestes du soin, la beauté des instants suspendus entre la vie et la mort. Loin de tout pathos, il écrit avec pudeur et justesse sur la fin de vie, la solitude, la mémoire, mais aussi sur la solidarité et la dignité.
La tournée est bien plus qu’un récit de terrain : c’est une ode à la bienveillance et à la présence, un hommage à ces soignants du quotidien qui deviennent les derniers témoins d’un monde en train de disparaître. Ce premier roman révèle un écrivain à la voix profondément humaine, capable de transformer la routine en poésie et le soin en acte littéraire.
Éditeur : Iconoclaste Date de publication : 2 octobre 2025 Langue : Français Nombre de pages de l’édition imprimée : 178 pages ISBN-10 : 2378805403 ISBN-13 : 978-2378805401
Rien ne va plus au royaume de Logres. Le château de Kaamelott a été détruit depuis plus de dix ans. Le roi Arthur n’est plus que l’ombre de lui-même, les chevaliers sont dispersés, et les dieux semblent avoir tourné le dos à l’humanité. Et pourtant… l’espoir n’est pas tout à fait mort.
Kaamelott : deuxième volet, partie 1. Alexandre Astier reprend enfin le flambeau, et signe un film à la fois immense, étrange, imparfait, mais profondément habité. Un film qui, à sa manière, parle du temps qui passe, de la mémoire, et du pouvoir de la création.
C’est un projet rare, audacieux, presque anachronique dans le paysage du cinéma français. Car oui, produire un film de fantasy en France, aujourd’hui, tient presque de l’exploit. Et ce simple fait, déjà, force le respect. Astier n’est pas seulement un auteur, un acteur ou un compositeur : il est un bâtisseur, un artisan qui a voulu tout porter, tout orchestrer, tout écrire lui-même. Et même si tout ne fonctionne pas, même si certaines longueurs s’étirent comme une journée sans fin, il faut reconnaître la beauté de la démarche.
Ce deuxième volet, c’est d’abord une œuvre de cinéma total. Derrière la caméra, Jean-Marie Dreujou livre une photographie somptueuse. Les paysages respirent la légende, la poussière, la magie, la mélancolie. On retrouve cette lumière si particulière, à la fois dorée et grise, qui donne au monde de Kaamelott une texture presque tactile. La direction artistique de Philippe Chiffre fait le reste : chaque costume, chaque arme, chaque recoin de décor semble raconter une histoire. C’est un film qui se regarde comme une tapisserie — riche, foisonnante, parfois confuse, mais d’une beauté indéniable.
Les effets spéciaux, signés Cousin Bizarre, n’ont rien à envier aux productions américaines. Deux créatures en particulier — qu’on devine plus qu’on ne les voit — apportent une vraie dimension mythologique au récit. Ici, l’univers de Kaamelott s’ouvre enfin : il respire, s’élargit, gagne en souffle.
Alors pourquoi, malgré tant de beauté, le film laisse-t-il certains spectateurs sur le bord du chemin ? Parce qu’Astier a voulu trop en dire, peut-être. Trop en donner. Comme un roi qui, au moment du banquet, voudrait que tout le monde soit rassasié, quitte à ce que le festin devienne indigeste.
Le film dure deux heures et dix-neuf minutes. Et parfois, on les sent passer. Le problème, ce n’est pas tant la durée que la dispersion. Il y a trop de personnages, trop de visages, trop d’histoires secondaires qui se croisent sans vraiment se rencontrer. Au lieu de se concentrer sur quelques figures fortes — Arthur, Lancelot, Guenièvre —, Astier a voulu faire revenir presque tout le monde. Résultat : une impression de puzzle éclaté, où chaque pièce est belle, mais où l’ensemble se cherche encore.
Et pourtant, au milieu de cette profusion, il y a des éclats sublimes. Des moments suspendus, des silences, des regards, des fragments d’émotion pure. Anne Girouard, par exemple, incarne une Guenièvre bouleversante. D’une innocence fragile, elle devient soudain le cœur battant du film. Dans ses scènes, la caméra se calme, la fureur retombe. Et tout à coup, on entend battre quelque chose de profondément humain.
Alain Chabat, en duc d’Aquitaine, apporte une respiration bienvenue. Un personnage apaisé, presque zen, qui tranche avec la nervosité ambiante. Dans ses échanges avec Arthur, on retrouve l’humour pince-sans-rire, cette douceur absurde qui faisait la force de la série.
Parce qu’il faut bien le dire : le ton général du film est plus tendu, plus sec, plus grave. Les personnages s’énervent, crient, s’affrontent sans cesse. Ce qui fonctionnait dans les épisodes courts devient ici un peu épuisant. L’énergie de Kaamelott, autrefois vive et rythmée, se transforme parfois en fracas permanent.
Mais derrière ce tumulte, on sent autre chose. Un désarroi. Une fatigue du pouvoir. Un roi qui doute, un monde qui s’effondre, une humanité qui cherche encore son Graal intérieur. Et c’est là que le film trouve sa vraie profondeur. Sous la surface d’un divertissement de fantasy, Kaamelott : deuxième volet raconte l’usure du mythe, la nostalgie d’un monde révolu, et la difficulté de continuer à rêver.
Il faut parler de Perceval, bien sûr. Le grand absent. Celui qu’on ne voit pas, mais qu’on entend. Ses lettres, tout au long du film, sont comme des bougies dans la nuit. Elles rappellent la naïveté, la pureté, la lumière qu’on avait oubliée. Perceval devient une sorte de fantôme bienveillant, une présence à distance qui relie le passé au présent. Et quelque part, cette absence dit tout : Kaamelott n’est plus ce qu’il était, mais il reste fidèle à son âme.
Alors oui, le film est imparfait. Oui, il est long, bavard, inégal. Mais il est sincère. Et cette sincérité, aujourd’hui, vaut de l’or.
C’est une œuvre qui ne cherche pas à plaire à tout le monde, mais à exister pleinement. Un rêve personnel transformé en fresque collective. Un film français qui ose parler de magie, de chevalerie, de dieux, de foi, de désillusion — et même d’amour.
Dans un paysage saturé de blockbusters interchangeables, Kaamelott reste un ovni. Un film artisanal à l’échelle d’un mythe. Un pari fou mené par un seul homme, épaulé par une troupe fidèle.
Et quand le générique arrive, avec cette petite surprise finale, on se surprend à sourire. Pas parce que c’est spectaculaire, mais parce que c’est humain. Parce qu’on sent qu’Astier, malgré la fatigue, malgré les critiques, n’a pas dit son dernier mot.
Ce deuxième volet, c’est un passage. Un entre-deux. Comme une journée qui se répète avant le véritable renouveau. Un jour sans fin… Mais peut-être nécessaire pour que le roi, un jour, retrouve enfin son trône.
Il était une fois… Un frère et une soeur abandonnés dans une forêt lugubre par leurs parents, trop pauvres pour les nourrir. Une maison faite de pain dépices et de sucre dorge. Une horrible sorcière qui mange des enfants… Heureusement, comme tous les contes de fées, Hansel et Gretel finit bien ! Une adaptation inédite et fascinante du célèbre conte des frères Grimm.
Quand Stephen King s’empare d’un conte des frères Grimm, la forêt devient plus sombre, la peur plus palpable, et l’enfance, plus fragile que jamais. Avec cette réécriture de Hansel et Gretel, accompagnée des illustrations magistrales de Maurice Sendak, l’auteur américain revisite l’un des mythes fondateurs de la littérature enfantine et en révèle toute la profondeur inquiétante.
L’histoire, on la croit connue : un frère et une sœur abandonnés dans une forêt par des parents misérables, une maison de pain d’épices irrésistible, une sorcière carnassière et une lutte désespérée pour la survie. Mais sous la plume de Stephen King, ce récit ancestral se charge d’une intensité émotionnelle et symbolique nouvelle. Le décor familier se mue en théâtre de l’abandon, de la faim et de la peur, où les ténèbres extérieures reflètent les angoisses intérieures des enfants.
King reste fidèle à la trame originelle, mais son écriture, à la fois sensorielle et tendue, accentue la tension dramatique, la cruauté du monde adulte et la force de résilience de l’enfance. La forêt n’est plus seulement un lieu de perdition : elle devient un personnage à part entière, dense, inquiétante, presque vivante. Le texte, tout en sobriété, dégage une poésie sombre, où la lumière – celle de la fraternité et de l’espoir – ne brille qu’après avoir traversé les ténèbres.
Les illustrations de Maurice Sendak, somptueuses et profondément expressives, complètent ce travail de réinvention. Son trait, tout en finesse et en mouvement, explore la frontière entre le rêve et le cauchemar. Ses personnages, à la fois vulnérables et courageux, portent sur leurs visages toute la gravité du conte. Chaque planche est une œuvre à part entière, où la douceur de l’enfance côtoie la menace tapie dans l’ombre.
Cette édition devient ainsi un objet littéraire fascinant, fruit de la rencontre entre deux géants de l’imaginaire. King insuffle une modernité et une tension psychologique inédites à un récit millénaire, tandis que Sendak lui rend toute sa puissance visuelle et émotionnelle.
Hansel et Gretel version Stephen King n’est pas qu’un conte : c’est une fable sur la survie, la peur et le courage, une œuvre qui parle autant aux adultes qu’aux enfants, et qui nous rappelle que les contes de fées, à l’origine, n’ont jamais cessé d’être terrifiants.
Éditeur : EDL Date de publication : 15 octobre 2025 Édition : Illustrated Langue : Français Nombre de pages de l’édition imprimée : 56 pages ISBN-10 : 2211348815 ISBN-13 : 978-2211348812
Cryptomonnaies, nouvelles technologies, réseaux sociaux : assis sur son tas d’or, Balthazar Picsou semble dépassé par son époque…
Avec Picsou et les Bit-coincoins, Jul et Nicolas Keramidas signent une renaissance tonitruante de l’univers de Picsou, en mêlant la fantaisie classique de Disney à une satire jubilatoire du monde contemporain. L’or a changé de forme, les fortunes se font en clics, les empires se bâtissent sur les réseaux… et voilà que le canard le plus riche du monde découvre qu’il a pris un sérieux coup de vieux.
Tout commence quand Balthazar Picsou, paisiblement assis sur son légendaire tas de pièces d’or, apprend que son titre de « canard le plus riche du monde » vient de lui échapper au profit de Carsten, un magnat de la tech et roi des cryptomonnaies. Piqué au vif, Picsou décide de prouver qu’il peut encore régner sur la modernité. Entouré de Géo Trouvetou, génie incompris, et de ses neveux devenus influenceurs à succès, il se lance dans une course folle à la transformation numérique : selfies, followers, NFT et « Bit-coincoins » remplacent peu à peu les bons vieux dollars de métal.
Mais l’époque n’est pas tendre : Carsten, épaulé par les Rapetou, monte une cyberattaque d’envergure et vide le coffre du milliardaire ailé. Ruiné, désorienté, Picsou doit alors faire face à la seule chose qu’il redoute plus que la pauvreté : la perte de son identité. Pourra-t-il renaître dans un monde où les likes valent plus que l’or, et où l’influence se mesure en stories ? Peut-être qu’au Festival des Canes, tapis rouge et opportunités lui offriront une seconde chance…
Sous la plume acérée de Jul, Picsou et les Bit-coincoins devient une fable hilarante et mordante sur notre époque, où le capitalisme numérique et la culture des réseaux sont passés à la moulinette du comique disneyien. L’humour, truffé de clins d’œil à la culture tech, se double d’une lecture malicieusement politique : celle d’un monde où même les vieux canards doivent apprendre à “liker” pour exister.
Le dessin nerveux et expressif de Nicolas Keramidas restitue à merveille l’énergie frénétique de l’histoire : les cadrages éclatés, la virtuosité du mouvement et les explosions de couleur plongent le lecteur dans une Duckburg (Donaldville) ultra-connectée, entre satire et tendresse.
Picsou et les Bit-coincoins réussit l’exploit de réconcilier nostalgie et modernité : on y retrouve tout ce qui faisait le sel des aventures de Picsou — le rythme, la cupidité bon enfant, les gags visuels —, enrichi d’une lecture contemporaine réjouissante.
Un album à la fois drôle, critique et furieusement actuel, qui prouve qu’à l’ère du numérique, même Picsou doit réinventer sa légende.
Éditeur : Glénat Disney Date de publication : 8 octobre 2025 Édition : Illustrated Langue : Français Nombre de pages de l’édition imprimée : 48 pages ISBN-10 : 234407130X ISBN-13 : 978-2344071304
Avec Le Disque Bleu, Benjamin Biolay livre un double album ample et introspectif, oscillant entre crépuscule et renaissance.
💙 Une immersion dans le bleu
Chaque décennie offre à la chanson française son grand album de maturité. Le Disque Bleu sera sans doute celui de Benjamin Biolay. Vingt-trois ans après Rose Kennedy, vingt ans après Négatif et quinze ans après La Superbe, l’auteur-compositeur-interprète lyonnais signe une œuvre somme, d’une ampleur rare, à la fois classique et sensuelle, politique et intime. Deux disques jumeaux, Résidents et Visiteurs, forment les deux versants d’un autoportrait en bleu : celui d’un homme qui regarde sa vie avec lucidité, humour, et une élégance presque tragique.
“Le bleu”, chez Biolay, n’est pas une couleur mais un climat. C’est la mer, le ciel, la nuit, l’âme. C’est la teinte de la mélancolie moderne — celle des villes sans repères, des amours effacées, des artistes qui vieillissent avec grâce et colère mêlées. Un bleu profond, habité, presque sacré.
🌆 Résidents : l’introspection, la nuit, la mémoire
Le premier disque, Résidents, s’ouvre sur « Le Penseur » : un manifeste d’ironie tendre et de désenchantement doux. L’homme y contemple les ruines d’un monde et de lui-même. “Et tant qu’il y aura des bistrots / je veux bien mourir / ma non troppo.” La phrase pourrait figurer en exergue de tout l’album : Biolay s’y confesse sans emphase, avec cette pudeur élégante qui préfère la métaphore à la plainte.
« 15 octobre », enregistré avec la bassiste et chanteuse argentine Nathy Cabrera, joue la carte de la correspondance amoureuse. Le ton est sensuel, la nostalgie palpable, l’arrangement feutré — Biolay sait parler d’amour avec la précision d’un orfèvre et la fièvre d’un poète. « Morpheus Tequila » enchaîne dans un demi-rêve : une transe entre sommeil et ivresse, où les mots se font poison doux.
Puis vient « Soleil profond » — pièce centrale de cette première partie, presque liturgique. Biolay y danse avec ses ombres, dédie sa chanson “à ceux qui boivent, à ceux qui hument, à ceux qui font des baisers à la russe”. La voix se fait incantation, le texte, prière laïque.
« Testament » est un sommet d’émotion. Épure et classicisme, tout y respire la lumière d’un après-midi d’été et la promesse de la disparition. “Si la rosée ne perle plus du réséda / alors dis-toi que j’ai souhaité mourir d’été.” On pense à Prévert, à Aragon, à ces poètes qui savaient mêler le charnel et l’éternel.
La conclusion du premier disque, « Trois grammes », mêle humour et désespoir dans un dernier salut amoureux : “J’ai trois grammes d’amour et j’embrasse tes fesses.” Tout Biolay tient dans cette ligne : le sublime et le trivial, la chair et l’esprit, la blessure et la grâce.
🌍 Visiteurs : l’ailleurs, la route, la lumière
Avec Visiteurs, Biolay sort de lui-même pour regarder le monde. Ici, la mélancolie se fait voyageuse, ironique, presque apaisée. « Adieu Paris » ouvre le bal avec une désinvolture de dandy fatigué : “Adieu Paname, tu pleures trop.” Une chanson de départ, mais pas de fuite — un constat lucide d’homme libre.
« Tout nu et tout mouillé » reprend la sensualité d’un Gainsbourg climatique, tandis que « Chanson de pluie » devient un hymne à la solitude contemporaine. “Comme je n’ai pas pleuré depuis des semaines, la pluie s’en charge pour moi.” L’art Biolay dans sa pureté : la pudeur dans la confession, la vérité dans l’ironie.
« Les trois amis » est un petit roman fraternel, entre Brel et Modiano, traversé par l’ombre de la mort et la tendresse des survivants. « Kika », chanson bouleversante, évoque la perte d’un chien — mais derrière l’anecdote, c’est l’enfance, la filiation, la paternité qui affleurent. Le texte se resserre, la voix tremble, la musique s’efface. Biolay ne joue plus : il livre.
Enfin, « Où as-tu mis l’été ? », en duo avec Jeanne Cherhal, conclut ce long voyage sur une note de douceur et de désir. Deux voix se frôlent, se répondent, s’interrogent : “Où as-tu mis l’été que je t’avais prêté ?” L’amour, ici, devient saison, mémoire, métaphore du temps qui passe. Une dernière étreinte avant le silence.
🎻 Une architecture sonore d’orfèvre
Biolay n’est pas seulement un parolier de haute volée : c’est un arrangeur au sens cinématographique du terme. Les cordes enregistrées à Bruxelles, les percussions brésiliennes, les guitares de Pierre Jaconelli et les cuivres signés Biolay lui-même tissent une matière sonore d’une richesse quasi orchestrale. On y entend tout : le tango discret de Palermo Hollywood, les reflets pop de Grand Prix, la densité mélodique de La Superbe, la lumière radieuse de Saint-Clair. Mais surtout, on y entend un homme qui ne cherche plus à prouver, seulement à transmettre.
Sous sa direction artistique (avec Thierry Planelle), Le Disque Bleu devient un film sans images : une suite de plans séquences où chaque titre est un lieu, une heure du jour, un état du cœur. Peu d’albums récents ont cette cohérence narrative. Le disque se vit comme un roman musical, ou comme une traversée aérienne d’un continent intérieur.
🖋️ Le poète du désordre élégant
Biolay n’a jamais cherché la posture du “dernier des romantiques”. Il est trop conscient de ses artifices pour s’y complaire. Ce qu’il cherche, ici, c’est l’honnêteté nue. L’album regorge de phrases qui frappent comme des aphorismes : “Je veux bien mourir, ma non troppo.” “Je n’ai plus foi en rien sauf en quelques sonates.” “Un petit chien s’en va, et c’est tout qui s’en va.” Ce sont des vers d’une simplicité désarmante, portés par une diction retenue, où chaque mot tombe juste.
Sa voix, plus grave, plus mate, s’est débarrassée des tics de style. Elle ne cherche plus la séduction, mais la vérité. Biolay chante désormais comme on parle au bord du gouffre — avec calme, avec pudeur. Et c’est sans doute là que réside la grandeur du disque : dans cette humilité nouvelle.
💿 Un testament lumineux
Le Disque Bleu est un album sur la fin — celle des amours, des illusions, peut-être du monde. Mais c’est aussi, paradoxalement, un disque de renaissance. La mort y danse avec la lumière, l’exil y côtoie la réconciliation, la mélancolie y devient moteur de vie. C’est l’œuvre d’un homme qui sait que l’art ne sauve pas, mais qu’il console. Et Biolay, ici, console tout.
Dans une époque saturée d’instantané et d’autotune, il rappelle que la chanson peut encore être un art majeur : celui de la nuance, du verbe, du silence.
🎵 Fiche technique
Titre : Le Disque Bleu
Artiste : Benjamin Biolay
Label : Virgin
Sortie : 2025
Durée : Double album – 24 titres (Résidents / Visiteurs)
Crédits principaux : Réalisation Benjamin Biolay & Pierre Jaconelli – Cordes arrangées par Valentin Couineau – Mastering Alex Gopher – Enregistrements Paris / Bruxelles / Buenos Aires / Rio
À écouter en boucle : Le Penseur, Soleil profond, Testament, Chanson de pluie, Kika, Où as-tu mis l’été ?
Note : ★★★★★ — Un chef-d’œuvre orchestral et mélancolique, entre Aragon et Gainsbourg, Bashung et le cinéma de Truffaut.
Un jour, Valentine, 10 ans, se promène avec son chien au bord de l’eau lorsqu’elle entend une voix .
Avec Adopte ta rivière, Erik Orsenna revient à la veine poétique et pédagogique qui avait fait le succès de La grammaire est une chanson douce. Vingt-cinq ans plus tard, l’académicien et grand défenseur de l’environnement livre un conte écologique sensible et lumineux, à hauteur d’enfant, pour alerter tout en émerveillant.
Tout commence par une rencontre extraordinaire. En se promenant au bord de l’eau avec son chien, Valentine, dix ans, entend une voix plaintive : « Au secours ! Je suis malade. » Personne autour d’elle… jusqu’à ce qu’elle réalise que c’est la rivière elle-même qui lui parle. Souillée, abîmée, étouffée par les déchets et l’indifférence, la rivière demande de l’aide. Touchée, Valentine entraîne sa classe de CM2 dans une aventure citoyenne et scientifique : comprendre les maux de la rivière, apprendre à la soigner, et surtout, redonner à l’eau la place qu’elle mérite.
Erik Orsenna, fidèle à son talent de conteur, marie ici imagination et conscience écologique. Son écriture claire et musicale fait dialoguer les enfants avec le monde naturel, sans jamais tomber dans la leçon moralisatrice. Il rappelle, à travers les yeux émerveillés de ses jeunes héros, que la connaissance et la curiosité sont les premières étapes vers le respect du vivant.
Les illustrations délicates de Delphine Balme accompagnent le récit avec justesse : aquarelles douces, paysages fluviaux, silhouettes d’enfants en action… elles traduisent la beauté fragile de la nature et la force tranquille de la solidarité.
Adopte ta rivière est un conte initiatique et écologique, mais aussi une fable d’espoir : celle d’une génération capable d’écouter les voix qu’on n’entend plus. Porté par une écriture sensible et des images apaisantes, le livre invite les enfants à devenir acteurs du changement, à aimer et à protéger leur environnement.
Éditeur : Iconoclaste Date de publication : 28 août 2025 Édition : Illustrated Langue : Français Nombre de pages de l’édition imprimée : 114 pages ISBN-10 : 2378805101 ISBN-13 : 978-2378805104
Avec Timoté fête la Saint-Nicolas, Emmanuelle Massonaud et Mélanie Combes offrent un nouvel épisode plein de douceur et de découvertes dans la vie du plus attachant des petits lapins. Cette fois, Timoté célèbre une fête chère à de nombreuses familles : la Saint-Nicolas, moment de joie, de partage et de traditions régionales.
Invité chez ses cousins, Timoté plonge dans l’effervescence d’une journée pas comme les autres. Entre la grande parade, les friandises distribuées dans les rues et l’apparition du Père Fouettard, un peu effrayante mais vite dépassée par la magie du moment, tout émerveille notre petit héros. Et quand vient le tour de Saint Nicolas et de son âne, que Timoté récompense avec quelques carottes, la fête devient un véritable souvenir enchanté.
Comme toujours, Emmanuelle Massonaud trouve le ton juste pour s’adresser aux tout-petits : un texte simple, rythmé et bienveillant, qui mêle curiosité et tendresse. Les illustrations colorées et expressives de Mélanie Combes prolongent cette atmosphère joyeuse et rassurante, où chaque détail – un bonbon, un sourire, un costume – participe à l’émerveillement.
La grande nouveauté de cet album est l’ajout d’une version audio gratuite, accessible via l’application Lizzie. En scannant le QR code présent dans le livre, les enfants peuvent écouter l’histoire racontée à voix haute, transformant la lecture en un moment sensoriel complet et idéal pour les premières écoutes autonomes.
Destiné aux enfants à partir de deux ans, Timoté fête la Saint-Nicolas est une petite célébration pleine de charme, parfaite pour initier les plus jeunes à cette fête traditionnelle tout en cultivant le plaisir de lire et d’écouter.
Éditeur : Grund Date de publication : 2 octobre 2025 Édition : Illustrated Langue : Français Nombre de pages de l’édition imprimée : 24 pages ISBN-10 : 2324034263 ISBN-13 : 978-2324034268
Enfant des rues de Kegar, Aiz n’a connu que la misère, mais c’est l’amour pour son peuple qui la pousse à une erreur fatale, et à une cellule où s’enflamme la braise de sa colère.
Avec Heir, Sabaa Tahir signe un retour flamboyant à la fantasy épique, dans une fresque aussi sombre que passionnée où le destin, la révolte et le pouvoir s’entrecroisent. L’autrice de Une braise sous la cendre retrouve ici ce qui a fait la force de sa première saga : des personnages puissants, un souffle narratif haletant et une écriture incandescente, tout en ouvrant un nouvel univers d’une richesse impressionnante.
Dans l’empire de Kegar, les héros se forgent dans la douleur. Aiz, orpheline des rues, n’a connu que la misère et l’humiliation. Son amour pour son peuple la pousse à commettre une erreur fatale, qui la conduit en prison — mais aussi à la naissance d’une colère que rien ne pourra plus étouffer. De son côté, Sirsha, bannie par les siens, vit de ses talents de traqueuse. Sa nouvelle mission : retrouver un tueur d’enfants. Une traque qui se complique lorsqu’elle croise un fugitif trop séduisant pour être honnête. Quant à Quil, prince héritier réticent et neveu d’une célèbre guerrière, il porte le fardeau d’un nom maudit : celui du fils de l’empereur le plus haï de l’histoire. Pourtant, alors qu’un nouvel ennemi frappe l’empire, il devra choisir entre fuir son héritage ou devenir le souverain que son peuple attend.
Sabaa Tahir tisse ces trois destins dans une trame d’une intensité dramatique rare, où les intrigues politiques se mêlent aux drames intimes. Chaque chapitre explore les blessures du passé, les loyautés déchirées et la difficulté de choisir entre vengeance et espoir. La plume de Tahir reste fidèle à son ADN : lyrique, sensorielle, traversée d’émotions à vif et de scènes d’action d’une redoutable efficacité.
À travers cette nouvelle saga, l’autrice interroge la notion même d’héritage : que devient-on quand le sang que l’on porte est à la fois une bénédiction et une malédiction ? Peut-on se libérer d’un empire corrompu sans reproduire ses erreurs ? Ces questions, portées par des personnages complexes et profondément humains, confèrent au roman une dimension à la fois politique et universelle.
Heir s’impose déjà comme un événement de la rentrée fantasy : un récit dense, visuel, vibrant, où se mêlent destins brisés, magie, trahisons et espoir farouche. Sabaa Tahir livre ici une épopée puissante sur la colère, la rédemption et le courage de devenir soi-même, même contre un monde entier.
Éditeur : Bigbang Date de publication : 8 octobre 2025 Édition : Illustrated Langue : Français Nombre de pages de l’édition imprimée : 576 pages ISBN-10 : 2362314154 ISBN-13 : 978-2362314155
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